• "Ricordi di grandi emozioni di notti magiche" di Samuele Cognolato

Questa poesia è un tributo commosso a una figura leggendaria, Bruno Pizzul, che diventa il simbolo di un'era che non svanisce mai. Il suo spirito sembra continuare a vivere, accompagnato dalle voci che lo hanno reso immortale. Si sente il peso dell'assenza, ma anche la consolazione che il ricordo non è mai una semplice perdita, ma una forma di eternità. In una sorta di catarsi collettiva, la poesia si trasforma in una preghiera: "Tutti ci Inchiniamo". La riflessione sul "paradiso" di chi è passato ci guida verso una visione rassicurante di un luogo dove il bene prevale sempre. C'è una dolce nostalgia che pervade il testo, una sensazione che il tempo, pur avanzando, non può cancellare il valore delle esperienze vissute. La figura di Pizzul si erge come quella di un angelo, un custode dei ricordi e delle emozioni condivise.

• "Erano vene. Forse erano arterie" di Marino Giannuzzo

Questo testo è un atto di riconoscimento della ciclicità del corpo e della vita. Le mani del padre, segnate dalle vene e arterie, diventano il simbolo di una fatica vissuta, di una vita che si è consumata nell’inevitabile processo di invecchiamento. La riflessione sul passare del tempo è al contempo dolorosa e serena. L'autore si confronta con il corpo che cambia, come se ogni piccola imperfezione, ogni segno del tempo fosse una cicatrice che ci rende più umani. Il contrasto tra "illusione e delusione" diventa il motore della riflessione. La nostalgia si mescola alla consapevolezza che il corpo, una volta giovane e perfetto, inevitabilmente invecchia. È la poesia di una rassegnazione dolce e non priva di gratitudine: il corpo, pur mutando, è comunque nostro. La metafora delle "vene" e "arterie" è una danza tra l’ineluttabile cambiamento e l’amore per ciò che è stato.

• "Homeless" di Felice Serino

L’incontro con il "derelitto" qui è anche un incontro con se stessi, con un'umanità che vive nella vulnerabilità, nei sogni non realizzati. Il derelitto, con "le tasche piene di sogni", rappresenta la condizione di chi, pur avendo poco, conserva una speranza che può trasformarsi in luce. Il gesto di "aprire la porta e il cuore" è un invito alla compassione, alla cura, ma anche una consapevolezza che, purtroppo, molti restano chiusi fuori. C’è un contrasto netto tra la povertà materiale e la ricchezza interiore. La poesia non è solo un incontro con il "senza tetto", ma un invito a non dimenticare chi è invisibile. Questo testo ci spinge a riflettere sulla nostra capacità di vedere gli altri, di riconoscere la luce anche nei luoghi più oscuri. Un invito a non chiudere mai la porta, a non lasciare che i sogni siano solo un ricordo distante.

• "Fantasmi" di Armando Bettozzi

Questa poesia è un viaggio notturno nell’invisibile, nell’ombra. La figura del sonnambulo che cavalca la notte è un'immagine potente di chi si spinge oltre i confini del conscio, alla ricerca di ciò che è nascosto nell'oscurità dell'inconscio. I "fantasmi" che popolano il buio sono i ricordi, le immagini di un passato che non smette di seguire l'autore. Ma questi fantasmi non sono solo spettri del passato: sono anche le emozioni, le identità perdute, i luoghi e le persone che ci hanno lasciato. Il corpo del poeta diventa la casa di questi ricordi, una "calca" che preme e soffoca, ma allo stesso tempo, sembra nutrirlo. C’è un contrasto tra il piacere del ricordo e il dolore del non poter più tornare indietro. L'immagine della "nebbia" che si addensa evoca l'incertezza del futuro, ma anche la bellezza e la tristezza di un passato che non scompare mai davvero. La poesia sembra dire che i fantasmi, pur essendo invisibili, hanno il potere di darci forma, di definirci. Ma c'è anche il paradosso del loro potere: più li riviviamo, più ci diluiscono, quasi come una "schiuma" che si espande, consumando lo spazio e il respiro.

• "Meravigliati eravamo" di Silvio Canapé

In questa poesia, il seme di rosa diventa metafora della vita stessa, fragile e piena di promesse. La bellezza della nascita, del crescere insieme a qualcosa o qualcuno, è resa con una purezza quasi infantile: "Il seme poi ramo ed ora boccio dono di natura". C’è una dolcezza nel modo in cui il seme viene visto come un atto di speranza, un segno di un futuro che cresce e fiorisce. Tuttavia, man mano che il tempo passa e la rosa sboccia, la consapevolezza che tutto ciò che nasce è destinato a sfiorire invade il cuore del lettore. Il petalo che cade, il silenzio che segue, sono come i battiti di un cuore che sa che la bellezza, anche se effimera, è l'essenza della vita. Il mare che mormora è l’eco di un tempo che scorre, di un destino che non può essere fermato. La poesia è un inno alla vulnerabilità, alla meraviglia del presente e all'ineluttabilità della fine. La rosa, come la vita, è un miracolo che fiorisce e appassisce, ma lascia un ricordo indelebile.

• "Lontani e futuri" di Rosa Notarfrancesco

Questa poesia è una riflessione sulla solitudine e sul silenzio che accompagna il passaggio del tempo. "Il parlare nuovo è arte. Come si fa arte la vita." La vita, infatti, diventa un atto di creazione, ma anche di accettazione del mutare degli affetti e delle circostanze. La distanza tra le persone non è solo fisica, ma è una separazione emotiva che sembra difficile da colmare. La poetessa esplora la fatica di stare nel presente, tra il rumore incessante della modernità e il bisogno di silenzio, di trovare un significato profondo nel caos. Il "deserto pensare" ci suggerisce una solitudine che non è solo fisica, ma anche esistenziale. La poesia ci invita a riflettere sul nostro rapporto con il tempo e con la società, su come la felicità, spesso cercata nei luoghi sbagliati, sia in realtà qualcosa di silenzioso e interiore. La conclusione, che parla di stanchezza e di "confini" che cadono, ci offre un senso di pacificazione nell'accettazione della contraddizione, del non sapere e del "restare gli stessi" nonostante il cambiamento.

• "Di nuovo primavera" di Renzo Montagnoli

Con questa poesia, l’autore dipinge la primavera come una nuova vita che si rinnova, un momento di rinascita e speranza. "Un raggio di sole incendia il tuo volto" evoca la luce che attraversa la tenebra dell'inverno, metafora di un cuore che si apre alla bellezza e alla vitalità. La natura diventa il riflesso di una condizione umana che rinasce continuamente, che si rigenera. Le farfalle, i fiori, il canto degli uccelli sono immagini di leggerezza e libertà, ma anche di un mondo che, nonostante il passare delle stagioni, non perde la sua meraviglia. La speranza che la poesia trasmette è quella di un mondo che non finisce mai davvero, ma che si rinnova ciclicamente. Il "risveglio" diventa il tema centrale, la possibilità che ogni "inverno" della nostra vita sia solo una preparazione per la successiva primavera, una nuova possibilità di fiorire.

• "Anima Mia" di Laura Lapietra

Questa poesia è un inno alla resilienza e alla forza interiore. L’"anima" diventa il nucleo più profondo dell’essere, quella parte di noi che resiste e si rialza nonostante le tempeste della vita. La poetessa ci invita a "concederti l'onore del coraggio", un invito che è al contempo un abbraccio e una sfida. Le "lacrime cadute" non sono mai inutili, ma testimoniano una crescita emotiva e spirituale. L'idea di un "canto di una vittoria futura" ci suggerisce che anche nelle difficoltà, la speranza è un motore potente, che trasforma ogni difficoltà in una lezione di vita. La poesia gioca con l’immagine della natura, dei fiori che mancano e degli alberi aridi, ma ci ricorda che, nonostante tutto, dentro di noi "germogli di saggezza" aspettano di fiorire. L'idea del "tempo che fugge" è contrastata dal messaggio finale di speranza: una nuova luce arriverà, e sarà proprio la nostra sofferenza a darci la forza per affrontarla.

• "Quattro gatti" – Cristiano Berni

Un poema della desolazione esistenziale, un requiem per l’uomo ferito che cammina per le strade del mondo senza più illusioni. I “quattro gatti” sono testimoni muti, metafora di una solitudine scabra e universale. L’io poetico è un reduce della notte, un moderno Cristo crocifisso dalla propria miseria emotiva, coi ginocchi feriti e le mani sporche, segni tangibili di un’anima in rovina. Il treno che parte senza di lui è il simbolo del destino che scivola via, un'eco di quei rimpianti che ci frantumano dentro. Eppure, nell’attesa dell’aurora, si annida la possibilità della redenzione, anche se essa è “folle malinconia” e “banale speranza”. Berni si muove nel solco della poesia decadente e del simbolismo più struggente: un poeta che si trascina fra la polvere, ma con lo sguardo sempre rivolto alle stelle.

• "Entusiasmi esausti" – Salvatore Armando Santoro

Qui la poesia diventa un teatro dell’assenza, un requiem per l’amore svanito. Il poeta oscilla tra il dubbio e il silenzio, tra il tentativo di rivolgersi all’amata e la consapevolezza di un sentimento ormai spento. La metafora del sangue che “non fermenta” è potente: l’amore, un tempo vino inebriante, è ormai un liquido inerte, incapace di suscitare vita. E allora che resta? Un viaggio nella memoria, una sorta di auto-ipnosi sentimentale: le vecchie foto, gli odori, il canto delle cicale diventano un antidoto e al contempo un veleno, perché riportano il calore del passato ma rivelano il vuoto del presente. Il finale è di una bellezza lapidaria: la minestra senza sale, simbolo della vita insipida quando il desiderio e la passione si sono spenti. Santoro ci regala una poesia dall’impatto crudelmente realistico, una confessione senza filtro sull’inaridirsi delle emozioni.

• "Eclissi" – Guglielmo Aprile

Una poesia che si colloca nel limbo tra la cosmogonia e l’intimità amorosa, tra la grandiosità del mito e la fragilità dell’io. La donna amata diventa un’epifania devastante: Ninive in fiamme, il caos cosmico, l’alterazione delle leggi dell’universo. Aprile ci mostra l’amore come un’Apocalisse, come un evento che infrange l’ordine delle cose: le stelle si fermano, i venti deragliano, e l’io si perde, dimentica ogni ruolo, ogni copione. Il poeta si abbandona a un’estasi tragica, a un annullamento quasi mistico davanti alla potenza dello sguardo dell’amata. L’immagine finale della falce sepolta nell’erba alta, dove i clarini ubriachi suonano senza numero, è di una forza allucinatoria: la falce, simbolo della mietitura e della morte, giace sepolta sotto un tripudio di suoni e colori, come se il poeta fosse in bilico tra la vita e l’oblio, tra il delirio amoroso e la dissoluzione di sé. Aprile scrive versi che bruciano, versi che non si limitano a essere letti, ma che vanno vissuti nella carne.

• "Spazio ai sogni" – Franco Fronzoli

Una poesia che si nutre di leggerezza, di una tensione eterea verso un mondo ideale in cui il dolore è bandito. Il poeta si fa creatore di un universo parallelo, fatto solo di sogni che non conoscono lacrime, che accendono stelle, che camminano nel vento con lo stupore di un bambino. La sua parola si fa balsamo, un inno alla speranza che non si piega alla durezza della realtà. Eppure, dietro questa levità, si avverte una nostalgia sotterranea, il bisogno quasi disperato di un rifugio nella fantasia, come se il poeta sapesse che il sogno è fragile, che la realtà incombe con il suo peso. Il ritmo frammentato, la disposizione delle parole in versi che scivolano e si rincorrono, danno alla poesia un andamento fluttuante, come se fosse essa stessa un sogno che si scompone e ricompone sotto i nostri occhi. Fronzoli scrive versi che accarezzano l’anima, e che nella loro apparente semplicità nascondono un’urgenza profonda: quella di trovare un angolo di luce nel buio del quotidiano.

• "Silente" – Ciro Seccia

Seccia costruisce un canto delicatissimo, una lode alla silenziosa armonia dell’universo. Ogni immagine è pura, luminosa, intessuta di una grazia quasi sacra: il Sole che sveglia la poesia, l’amore che canta in grembo alla madre, la Luna che assiste alla creazione di nuove stelle.

E poi l’immagine sublime della Rosa: due amanti che si fondono in un unico fiore, la loro unione osservata dagli astri stessi. Il finale è un sussurro profondo: “Lo sguardo che penetra l’anima senza parlare, se pur tace tutto dice dell’amore”. Qui il poeta esprime l’essenza stessa dell’amore: non parole, ma pura, assoluta presenza.

• "Nessuna frase è detta a caso..." – Laura Toffoli

Questa poesia gioca con la memoria letteraria e sensoriale. Il celebre incipit manzoniano si intreccia con immagini fluttuanti, tra primavera e gelo, soffitte della mente e cavalli a dondolo nel vento.

Toffoli dipinge un quadro impressionista, fatto di frammenti evocativi che si muovono in un flusso onirico. Il risultato è una poesia che non si lascia afferrare del tutto, ma che vibra di suggestioni, lasciando al lettore il compito di completarne il significato con la propria sensibilità.

• "Petricore" – Alessio Romanini

Una poesia atmosferica, che cattura l’istante in cui la pioggia cade e rilascia l’odore della terra bagnata. Petricore è una parola evocativa, e Romanini la incastona in un meriggio d’agosto per dipingere la malinconia di un’anima solitaria.

La speranza, però, è presente: “Il parapioggia di speranza riparava il costato”. Qui la pioggia diventa metafora del dolore e della sua possibile protezione. Il poeta gioca con il contrasto tra cielo e terra, tra acqua e fuoco interiore, tra ciò che cade e ciò che resta.

• "Volo" – Sandra Greggio

Siamo in presenza di un testo che si libra con leggerezza eterea, un battito d’ali del pensiero che finalmente si emancipa dalla gabbia della mente per planare nell’infinito. Sandra Greggio dipinge una liberazione interiore con pennellate di luce lunare, evocando il regno senza tempo dell’anima, quel luogo ineffabile dove il sentire diviene vibrazione, musica interiore, eco di un amore cosmico per la Vita. La lirica è un’ascensione mistica, un dissolversi della materia in pura emozione, un viaggio spirituale dove il cuore si fa arpa del divino.

• "Il tramestio della vita" – Antonia Scaligine

Qui la sera diventa un grande palcoscenico esistenziale, in cui la vita rallenta e si disperde in mille rivoli, tra illusioni e realtà. L’umanità si riversa nel ritorno, ognuno cercando un nido, una tregua dal giorno. Eppure, nell'intimità della notte, il desiderio si accende e si spegne, tra lenzuola che trattengono i sogni e il tempo che li dissolve. Scaligine orchestra un'armonia di dissolvenze e assonanze, di amori e odori, in una partitura di vita vissuta, sofferta, attesa. Il poema si chiude con un senso di sospensione: il desiderio non realizzato affonda nel sonno, ma nel dormiveglia dell’anima continua a fremere, come brace sotto la cenere.

• "Lettere dal silenzio" – Jacqueline Miu

Un'invocazione densa, incandescente, che brucia nella passione amorosa come un vulcano che tace solo in superficie. La poetessa si fa marea, sussurro dell’alba, voce inascoltata che accarezza senza toccare, ama senza possedere. C’è un’energia tellurica in questi versi, un senso di struggimento che sfiora la dannazione, una forza lirica che sfida le leggi del tempo e dello spazio. L'amata è inconsapevole di questa fiamma interiore, e il poeta, nel suo anelito, coglie astri destinati forse ad altri marinai smarriti. Il testo è una navigazione onirica nell’oceano dell’amore assoluto, un amore che esiste per sé, oltre l’attesa e il compimento.

• "Incubi di ritorno" – Piero Colonna Romano

Un acrostico che è un grido d'allarme, un rintocco funebre che ci richiama a non dimenticare. Il poeta utilizza la metrica sonettistica per intonare una denuncia che si fa grido civile: il passato non è morto, i fantasmi della Storia tornano ad aggirarsi tra noi, con la loro iconografia nera e le loro mani macchiate di sangue. Le rime si incastrano come ingranaggi di un meccanismo inesorabile, inchiodando il lettore a una verità inquietante: la memoria è corta, e l’orrore può sempre ritornare. La chiusa è di un’amara profezia: delirio e follia politica possono affondare molti, e solo la consapevolezza può fungere da argine. Un’opera che è, insieme, monito e resistenza.

Con sempiterno affetto e stima

Vostro Ben Tartamo

Ho scavalcato
i cancelli della notte
per raggiungere l'orizzonte
dei tuoi pensieri.

Sono tornato al sogno
per capire da sveglio
che mai potrò
contenere il cielo.

Solo il mare si illude,
e nelle sue profondità
accoglie il mio canto,
mentre il sole, ferito,
muore nell'immenso.

6febbraio25```
Ben Tartamo

• "Ti sono sempre vicino" – Franco Fronzoli

Questa poesia evoca una presenza silenziosa e costante accanto a qualcuno che soffre, una sorta di spirito guida, un angelo custode o forse l’essenza stessa dell’amore incondizionato. La struttura è frammentata, con versi brevi e spezzati, che contribuiscono a creare un senso di sospensione e intimità. Il tema della vicinanza invisibile è reso con immagini semplici ma potenti: l’ombra che si sovrappone, il tocco impercettibile, le foglie che coprono il corpo addormentato. Il finale è struggente: l’illusione di un risveglio e di un bacio, seguita dalla dolce resa al sonno condiviso. Una poesia delicata, malinconica, che lascia un’eco profonda.

• "Ricordando una grande donna del nostro tempo" – Samuele Cognolato

Questa è più un tributo che una poesia vera e propria. Il tono è rispettoso e affettuoso, con una struttura semplice e diretta. L’uso di aggettivi come “coraggio”, “eleganza”, “gentilezza” aiuta a delineare il ritratto di Eleonora Giorgi come una figura luminosa. L’immagine finale, che la vede tra le nuvole, è un classico della commemorazione, ma rimane efficace. Forse avrebbe potuto giovare di una maggiore elaborazione stilistica per elevarsi dalla pura elegia a una dimensione più lirica.

• "Era sorriso la parola letta" – Marino Giannuzzo

Questa poesia è un inno alla gioia semplice e quotidiana, scaturita da un sorriso letto o ricevuto. Il poeta si lascia trasportare da questa piccola scintilla di felicità, che illumina la sua giornata e si estende agli affetti più cari. L’immagine della nipotina, “alito fresco di primavera”, è particolarmente dolce e vivida. Tuttavia, l’equilibrio tra il quotidiano e il poetico potrebbe essere più raffinato: alcuni versi risultano più prosastici che lirici. Ma la sincerità emotiva è palpabile, e il tema della bellezza che resiste nell’“insulsa e bella” terra è toccante.

• "L'albero" – Felice Serino

Questa è una delle poesie più intense e potenti della raccolta. In pochi versi, l’autore costruisce un’immagine di ferita e mutilazione che si estende a una condizione esistenziale profonda. L’albero reciso diventa simbolo della perdita, dell’incapacità di esprimere il dolore (la “parola monca”), della resilienza muta di fronte alla sofferenza. L’assenza di punteggiatura amplifica il senso di sospensione e di lacerazione. La metafora della radice che ritrae in sé la parola suggerisce il silenzio come unica risposta possibile alla ferita. Un componimento minimale ma densissimo, che lascia il lettore con un senso di struggente desolazione.

• "Mèjo evità…" – Armando Bettozzi

Questa poesia in romanesco è un affresco crudo e schietto della realtà sociale, giocato tra ironia e amarezza. Il poeta affronta il tema del reato e della giustificazione, contrapponendo il destino della vittima e quello del carnefice. La riflessione si sviluppa con un linguaggio popolare ma affilato, pieno di espressioni incisive come "Er morto giace…Er vivo se dà pace", che riecheggia una fatalistica accettazione della vita e delle sue ingiustizie. Il finale, con il riferimento al rapporto con la moglie e alla difficoltà di comunicare, sposta il discorso su un piano più intimo e personale. Il tono leggero, quasi da stornello amaro, rende questa poesia particolarmente efficace nel suo realismo disilluso.

• "Zampillando" – Silvio Canapé

Un componimento che trasforma l’acqua di un ruscello in metafora dell’amore, del tempo e delle emozioni. Le immagini della natura (vette, rocce, fiori) costruiscono un quadro visivo dinamico, dove il movimento dell’acqua diventa specchio dell’anima. L’alternanza di versi lunghi e corti crea un ritmo irregolare che ben si adatta al fluire dell’acqua, ma anche al fremito del sentimento descritto. Il legame tra il mormorio del ruscello e la voce interiore dell’amante è suggestivo, anche se alcuni passaggi potrebbero essere resi con maggiore incisività per evitare la dispersione del significato.

• "Chissà cosa c'è di là" – Enrico Tartagni

Questa poesia si muove tra il sogno e la riflessione esistenziale, giocando sulla contrapposizione tra presenza e assenza, desiderio e perdita. L’immagine delle parole non dette ("parliamo io e te a labbra chiuse") e quella del tempo sprecato ("aver speso del tempo di sole perduto") esprimono un senso di rimpianto struggente. L’idea della speranza che può svanire nel nulla si accosta a un’atmosfera quasi metafisica, dove il confine tra il reale e l’irreale si fa labile. Il ritmo è frammentato, con versi che si spezzano e si rincorrono, amplificando il senso di smarrimento. Una poesia evocativa, che oscilla tra malinconia e desiderio.

• "A Salerno" – Rosa Notarfrancesco

Questa poesia è un inno alla memoria e all’appartenenza, un viaggio interiore che si intreccia con il paesaggio e la storia di Salerno. Il linguaggio è denso e meditativo, costruito su un continuo dialogo tra il pensiero e il vissuto, tra la città amata e l’identità di chi scrive. La struttura fluida e i versi lunghi creano un andamento discorsivo, quasi filosofico, mentre immagini suggestive come “quel luccichio di stelle / che anche la fede ammette” danno profondità al senso del tempo e del ricordo. La poesia è intrisa di un senso di attesa e di riscoperta, con Salerno che si fa simbolo di un ritorno, tanto geografico quanto spirituale.

• "Il colore del vento" – Elisabetta Bonaparte

Qui la poesia si fa manifesto di libertà interiore e di comprensione della diversità. Il vento, con il suo colore impalpabile e mutevole, diventa metafora della percezione individuale, dell’imprevedibilità della vita e della necessità di accogliere la realtà senza pregiudizi. Il tono è fiero e indipendente, rifiutando le richieste esterne di conformità (“Non domandarmi gesti di lusinga”), mentre l’immagine delle nuvole che disegnano il cielo richiama l’idea di pensieri che si librano senza costrizioni. La musicalità del testo accompagna il messaggio con leggerezza e determinazione, rendendolo un testo evocativo e profondamente significativo.

• "Certo che" – Nino Silenzi

Questa poesia breve e diretta affronta il tema esistenziale del destino umano con un’ironia amara e quasi lapidaria. Il tono è riflessivo ma privo di sentimentalismi, quasi un aforisma sulla condizione umana. La contrapposizione tra eletti e reprobi, tra sofferenza e ricchezza, introduce una velata critica al modo in cui spesso cerchiamo di spiegare il senso della vita attraverso schemi predeterminati. Il finale aperto (“Lo scopriremo un giorno? Forse.”) lascia spazio all’incertezza e alla speranza, senza offrire risposte definitive. Una poesia essenziale nella forma, ma densa nel significato.

• "Cicale" – Salvatore Armando Santoro

Un componimento minimale che, in pochi versi, cattura il senso di un’estate immobile e opprimente. Il canto incessante delle cicale, tra i cipressi di agosto, evoca una sensazione di stanchezza e malinconia. L’uso della parola “uggia” rafforza questa percezione di pesantezza esistenziale, quasi di prigionia nel caldo estivo. Il contrasto tra il fragore delle cicale e il rifugio dell’ombra rende bene la tensione tra il mondo esterno e il desiderio di raccoglimento interiore. Un piccolo frammento di vita sospesa, espresso con grande economia di parole.

• "Rito dei baci" – Guglielmo Aprile

La poesia si snoda come una litania amorosa, un’invocazione che trasforma il bacio in un atto sacro, quasi liturgico. L’idea di un "rito" richiama il concetto di un amore che si ripete, sempre nuovo e sempre antico, un atto di fede nel mistero dell'altro. L’uso di immagini religiose ("dio", "santuario", "epifania") sovrappone la sfera del desiderio a quella della trascendenza, suggerendo che l’amore non sia solo un fatto umano, ma una rivelazione divina. Il "compendio di ogni senso" indica la fusione totale tra corpo e spirito, tra razionalità e passione. La chiusura intensa e perfetta suggella l’idea che l'amato sia il fulcro dell’universo sensoriale del poeta. È un canto alla carne e alla spiritualità del desiderio, scritto con una levità densa di risonanze metafisiche.

• "Allegria!" – Piero Colonna Romano

Satira pungente e ferocia ironica si intrecciano in questo sonetto che sembra un eco dei migliori modelli della poesia civile, da Belli a Pasolini. Il ritmo incalzante e la scelta di un linguaggio volutamente popolare e mordace costruiscono un ritratto grottesco della politica italiana, dove il popolo, più che vittima, appare carnefice di sé stesso. Il "buffone nano", il "caimano" e il "comico arruffone" sono incarnazioni di una storia che si ripete come una commedia dal sapore tragico. Il verso finale, con l'immagine del "dito" (allusione forse al comando, al giudizio, alla manipolazione), chiude con amara ironia, lasciando il lettore sospeso tra riso e sgomento. L’uso di una forma metrica classica (il sonetto) accentua il contrasto tra la serietà della struttura e l’irriverenza del contenuto, rendendo la poesia un piccolo gioiello di corrosiva lucidità.

• "Il Mio Amore" – Ciro Seccia

Questo componimento si nutre di un’emozione pura e assoluta, un amore totalizzante che trascende il tempo e lo spazio. La ripetizione insistita di "Sei..." e "Il Mio Amore..." crea un effetto mantra, un’eco che rafforza la dimensione eterna e incondizionata del sentimento. La figura del figlio diventa il fulcro di un universo affettivo che si manifesta nella natura stessa: la pioggia come lacrime, il cielo stellato come gioia. Se da un lato la poesia possiede una potenza emotiva immediata, dall’altro l’uso delle maiuscole e delle pause talvolta spezza la fluidità del verso, quasi a voler sottolineare con troppa insistenza l’intensità del messaggio. Tuttavia, nella sua sincerità, il componimento riesce a evocare una dolcezza primordiale, un amore che si fa presenza cosmica.

• "Occhi di tanti io..." - Laura Toffoli

Questa poesia è un frammento, una visione intensa che si muove tra corporeità e trascendenza. Il verso iniziale, "Mille finestre su di me", suggerisce un’identità frantumata, esposta agli sguardi altrui, un io che si definisce attraverso il riflesso degli altri. La pelle, che "respira altrui sogni", diventa una membrana permeabile, un confine labile tra il sé e l’esterno. Tuttavia, nella chiusa, il soggetto si riconquista: non è solo un riflesso, ma un "movimento", una "pura emozione stellare". Il componimento gioca sulla contrapposizione tra passività e affermazione, tra lo sguardo esterno e il fuoco interiore. È una poesia breve ma densa, che lascia dietro di sé un senso di enigma e sospensione.

• "Mormora il vento" – Alessio Romanini

Questa poesia sembra evocare un senso di straniamento, un contrasto tra la vitalità del mondo circostante e il distacco interiore del poeta. L’incipit è pittorico, quasi impressionista: il vento, il sole, i suoni della natura e delle festività (il "chioccolare rosso", le "chiacchiere" e le "frittelle") creano un’atmosfera di festa, di vita che pulsa attorno al poeta, che però si sente un estraneo, un vagabondo. L’uso della margherita e del suo classico gioco ("M'ama non m'ama") ribadisce il tema dell’incertezza, del dubbio amoroso, che però il poeta risolve con un’affermazione netta: "Gaudio è vivere il sentimento nell'assenza del risentimento". Qui emerge una filosofia dell’accettazione, una volontà di abbracciare sia la gioia che il dolore. La chiusura, con l’affermazione di un’ebbrezza vitale ("mi sento ebbro... così mai lo ero stato"), ribalta l’iniziale senso di distanza, trasformandolo in un atto di esaltazione, quasi dionisiaca, della vita. È una poesia che vive di contrasti, ma che nel suo fluire libero e spontaneo trova la sua forza.

• "Il concerto" – Sandra Greggio

In questo componimento, la solitudine si manifesta non come vuoto o assenza, ma come una presenza sottile e vibrante, un’entità che accompagna e arricchisce la percezione della realtà. Il titolo, "Il concerto", introduce subito l’idea di un’armonia nascosta nelle piccole cose, un’eco musicale che risuona nell’intimità del quotidiano.

La figura della gatta assume un ruolo quasi totemico: è l’interlocutrice silenziosa della protagonista, un’entità che condivide e amplifica la dimensione dell’ascolto. L’animale domestico, con la sua discreta compagnia, diventa il ponte tra il mondo esterno e quello interiore, affinando la sensibilità della voce poetica.

L’elemento più affascinante del testo è il ribaltamento della percezione della solitudine: non è un’assenza, ma una condizione di presenza profonda. Il mondo non è muto, ma sussurrante; la solitudine non è silenzio, ma una sinfonia di suoni minimi:
"Intesse attorno a me un mondo / di soffusi suoni che senza di lei / non riuscirei a percepire."

Qui la poetessa esprime una grande verità: nella calma interiore si possono cogliere suoni altrimenti ignorati, il ticchettio di un pendolo, il fruscio lontano del vento. E in questo scenario, il cuore diventa strumento musicale, componendo una melodia intima che permette alla protagonista di "perdersi senza più avere cognizione del tempo".

C’è un sottile gioco di tempo e memoria in questa poesia. Da un lato, il tempo dell’orologio, che scorre inesorabile; dall’altro, il tempo interiore, che si dilata, sfuma, si dissolve nel flusso delle sensazioni. L’abbandono alla musica dell’anima è un atto di libertà: la solitudine non è più confinamento, ma un’apertura verso una dimensione più autentica e profonda.

"Il concerto" è una poesia di grande delicatezza e introspezione, dove l’assenza di clamore diventa un fertile terreno per la riscoperta di sé. Il linguaggio è semplice e diretto, ma intriso di una sensibilità che trasforma l’ordinario in straordinario. Un inno alla bellezza delle piccole cose e alla magia della solitudine vissuta come arricchimento, non come privazione.

• "Stato d'animo" – Roberto Soldà

Un componimento che riflette sulla natura dell’arte e dell’artista. L’incipit è quasi una dichiarazione provocatoria: "io dipingo e anche scrivo... eppure non sono un pittore, non sono un poeta". Qui si insinua un dubbio esistenziale: che cos’è l’arte? Chi è l’artista? L’immagine dell’animo come "un sacco aperto" è di grande forza simbolica: qualcosa che accoglie, che si riempie, ma che ha anche una sua profondità. Il riferimento al "moto corpuscolare-ondulatorio" è inaspettato, quasi scientifico, e introduce un elemento di imprevedibilità nel movimento delle emozioni e della creatività. Il punto di svolta arriva con la visione del "campo vestito di giallo senape": è di fronte alla bellezza della natura che l’animo diventa artista. La poesia suggerisce che l’arte non sia tanto un mestiere o una definizione, ma una condizione interiore, un modo di percepire il mondo. Il tono è riflessivo, con un sottile gioco tra ironia e profondità, tra dubbio e rivelazione.

• "Quella primavera che una volta c’era…" – Antonia Scaligine

Questa poesia è una meditazione sulla percezione mutevole delle stagioni, in particolare della primavera, che qui appare sfuggente, incerta, quasi smarrita nel tempo. L’incipit, con la sua espressione quasi nostalgica ("quella primavera che una volta c’era…"), già ci introduce a un’atmosfera sospesa tra memoria e attesa.

Il tempo meteorologico diventa simbolo del tempo interiore: il cielo minaccioso, il vento che scuote i boccioli, i nidi ancora vuoti di rondini suggeriscono una natura in ritardo, un’armonia spezzata. Eppure, c’è anche un senso di meraviglia: "ogni volta ci sorprende", dice il poeta, riconoscendo che, per quanto imprevedibile, la primavera porta sempre con sé qualcosa di nuovo e inatteso.

Il verso "salta il confine del tempo" è particolarmente evocativo: la primavera, con la sua luce e il suo calore incerto, sembra giocare con le percezioni, sfuggendo alle definizioni rigide del calendario. E così la poesia si chiude con una nota malinconica: la primavera di un tempo non è più la stessa, quasi a suggerire che il mondo sta cambiando, o forse che il poeta stesso è cambiato nel modo di guardarlo.

Il tono è dolcemente elegiaco, con un ritmo fluido che rispecchia l’alternarsi delle stagioni e delle emozioni. C’è una bellezza sottile nella malinconia di questi versi, una delicatezza che rende il componimento sospeso tra il rimpianto e la contemplazione.

• "Lettere dal silenzio" – Jacqueline Miu

Questa poesia si muove in un registro più filosofico, più profondo, interrogandosi sul cammino dell’uomo verso la conoscenza. L’immagine dell’"umano passo" che avanza nonostante tutto, senza paura del cadere, richiama una visione quasi eroica dell’essere umano: una creatura fragile, ma inarrestabile nel suo desiderio di sapere.

L’accostamento tra la goccia d’acqua e la montagna è di grande potenza simbolica. La goccia, apparentemente insignificante, ha la capacità di erodere la pietra, di scavare cavità anche nei giganti. Qui il poeta suggerisce che la perseveranza e il tempo possono vincere anche le forze più imponenti.

L’ultima strofa è un inno alla sfida dell’ignoto: "un punto dove l'occhio vede solo il vuoto". L’uomo che si spinge oltre i propri limiti, che non teme ciò che affronta, che usa le proprie debolezze come strumenti per superare confini, è il ritratto di un’umanità visionaria, che si evolve proprio grazie alla sua stessa vulnerabilità.

Il tono è solenne, quasi epico, ma senza retorica. C’è una tensione dinamica tra il coraggio e il pericolo, tra la fragilità e la potenza, che rende la poesia estremamente suggestiva. L’uso di immagini forti e simboliche, unite a un linguaggio incisivo e misurato, conferisce al componimento una forza universale, come un messaggio eterno rivolto a chiunque si avventuri nella ricerca del sapere.

Con affetto e stima

Ben Tartamo

• "Torre San Giovanni" di Salvatore Armando Santoro

La poesia sembra narrarci un ricordo nostalgico, immerso in un’atmosfera di malinconia e di attesa delusa. Torre San Giovanni non è solo un luogo fisico, ma diventa il simbolo di un amore non corrisposto, di un sogno che svanisce nel tempo. La donna, che sembra ricercare solo l'amore fisico, è incapace di cogliere la sofferenza emotiva del poeta, che si fa “ombra” nei suoi tormenti. Il contrasto tra il mare che porta con sé una brezza di vita e la figura della donna che “non voleva solo amare” esprime un contrasto tra il desiderio e la realtà, tra il corpo e l'anima. L'evocazione di una preghiera alla Madonna suggerisce una ricerca di conforto spirituale in un momento di delusione amorosa. Un amore che non fiorisce, ma che resta radicato nel cuore del poeta.

• "Luogo sacro" di Guglielmo Aprile

In questo componimento, il poeta esplora il sacro, ma in modo irriverente e intimo, riflettendo su un culto personale che si materializza nell'amore e nei baci. La chiesetta nascosta, in un angolo remoto e silenzioso della natura, è il luogo in cui il poeta può rifugiarsi e praticare un "rito" di amore profano ma devoto. La bocca dell'amata diventa un tempio, un altare in cui celebrare una devozione che è insieme innocente e blasfema. L'immagine di Ishtar, dea dell'amore e della guerra, evoca un rito che collega il sacro e il profano, il desiderio carnale con il sacro. Questo incontro di sensualità e spiritualità rende l’amore quasi una forma di religione, sacra e al contempo dissacrante.

• "La tua assenza mi appartiene" di Franco Fronzoli

Questa poesia è un intenso tributo alla memoria e alla presenza assente. La ripetizione dell'idea di appartenenza, che non riguarda solo la presenza fisica della persona amata, ma anche il suo ricordo, il suo silenzio, il suo profumo, crea un senso di possesso che va oltre la morte o l’allontanamento. L’assenza, paradossalmente, diventa una forma di possesso, un legame che non si dissolve nel tempo. I paesaggi descritti, tra cui il mare, i tramonti, i fiori, sono elementi che rendono il ricordo tangibile, ma anche evanescente. Il poeta si trova immerso nei suoi pensieri, in un mondo fatto di ricordi e di sogni che non si concretizzano mai, ma che persistono nel suo cuore. L’assenza non è solo dolore, ma una parte integrante di chi siamo, un pezzo di noi che rimane intatto nonostante la distanza.

• "Le Stragi non finiscono mai" di Samuele Cognolato

Con un tono di forte impegno civile e sociale, questo testo ci riporta alla memoria le stragi che hanno segnato la storia d'Italia, come quelle di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino. Il poeta lancia un grido di non dimenticare, una memoria che non deve svanire. La riflessione sul "tempo che passa" e la constatazione che il mondo, pur evolvendosi, rimane invariato per certi aspetti, è una critica alla stasi e alla difficoltà di superare il passato, ma anche un atto di riconoscimento verso chi ha sacrificato la propria vita per combattere la mafia. È un canto di speranza che nonostante le difficoltà, "nessuno vi scorderà mai", a suggellare l'importanza di non smettere mai di lottare.

• "Di buon mattino venne" di Marino Giannuzzo

Questa poesia ci racconta la storia di una vedova che arriva in ufficio per affrontare le difficoltà economiche derivanti dalla morte del marito. Il poeta mette in evidenza la contraddizione tra la vita "in armonia perfetta con la vita" del defunto e la sua morte improvvisa, che ha lasciato debiti da saldare. L'ironia della vita e della morte, il contrasto tra l’amore e la miseria, sono le tematiche principali. La donna, inizialmente affranta, sembra risolversi a un destino diverso, ricorrendo a un cambiamento di vita drastico. L'elemento della "Sussistenza", cioè la sopravvivenza materiale, che porta a un cambiamento radicale e a un'apparente "rinascita", suggerisce una riflessione sulla condizione sociale e sull'eterna lotta per la sopravvivenza, in cui l'amore, la dignità e la morale possono essere messi da parte per il bene materiale.

• "Stamani il sole" di Nino Silenzi

In questa poesia, il poeta celebra la bellezza e la serenità della natura, un’immagine di vita che si rinnova ogni giorno, come una riflessione sul ciclo della vita. Il "sole" e la "luce" che "riempiono d'oro la stanza del cuore" sono metafore di una rinascita spirituale, di un'invincibile vitalità che il poeta sente dentro di sé, pronto a vivere con l'energia di un'estate luminosa e vibrante. La descrizione del paesaggio – "il cielo limpido", "i pini che succhiano il dolce tepore", "le siepi che fremono ai frulli d'ali" – evoca un mondo di armonia naturale che rispecchia l'armonia interiore dell'autore. È una poesia di speranza, di apertura al nuovo giorno e alla possibilità di un’esistenza piena.

• "Vita latente" di Felice Serino

Qui l'autore ci presenta una riflessione filosofica sull'apparenza e sulla verità, sull'illusione della vita che sembra non accorgersi di sé stessa. L'idea di una "vita latente" suggerisce una realtà nascosta sotto la superficie, una realtà più profonda e più vera che non è visibile agli occhi superficiali. La "bellezza che mordi" simboleggia forse il desiderio di entrare in contatto con qualcosa di essenziale e genuino, che però sfugge. È una poesia che invita alla meditazione sull'esistenza, a cercare oltre l'apparenza per scoprire la vera natura dell'essere.

• "A un malato" di Armando Bettozzi

Questa poesia è una riflessione sul male, sia fisico che psicologico, che affligge l’individuo, ma anche sul rifiuto della propria condizione di malattia e sull'orgoglio che spesso accompagna il malato. Il "superbo e irrequieto" malato non vuole accettare il suo stato e rifiuta di riconoscere la sua fragilità, nonostante il "male che porta male attorno". La poesia esplora il tema dell'ego, che si erge come nemico di chi è afflitto, impedendo di affrontare la realtà. Il poeta ci mostra l'autoillusione e la sofferenza psicologica che nasce dall’incapacità di accettare la propria condizione. In questo modo, la malattia diventa un simbolo della lotta interna dell'individuo.

• "Confusione" di Armando Bettozzi

Questa poesia esplora la condizione di smarrimento e disorientamento che caratterizza l’individuo in preda ai propri sentimenti e pensieri contrastanti. Il poeta si sente diviso tra opposti: "fuoco e acqua", "freddo e caldo", e questa dicotomia si riflette nei suoi pensieri e nelle sue azioni. La "confusione" regna, ma anche la consapevolezza che tale disordine mentale non è altro che una menzogna: "certezza... ma è menzogna". Il protagonista sembra vivere un conflitto tra il desiderio di chiarezza e la sua incapacità di accettare la verità. L’ego, ancora una volta, emerge come una forza che guida il pensiero, ma al tempo stesso ne alimenta il caos, impedendo la riconciliazione con la realtà.

• "Marzo" di Silvio Canapè

Con questa poesia, il poeta celebra il mese di marzo come simbolo di rinascita e di primavera, ma anche di un cuore che saluta un amore che ormai non è più. La "viola" che ride e l’aria cristallina sono immagini di un nuovo inizio, di una bellezza che emerge, ma allo stesso tempo il "povero cuore" lacrimante ci ricorda che, anche se la natura si risveglia, i sentimenti umani sono complessi e segnati dalla sofferenza. Il passaggio dall’amore al distacco è una costante che si intreccia con il cambiamento delle stagioni, portando con sé la tristezza di un amore che non può più esistere come prima.

• "Ti Riscriverò" – Laura Lapietra

Ci troviamo di fronte a una dichiarazione d’amore e amicizia che si nutre della sincerità più pura. La Lapietra scrive con un afflato lirico che ricorda le missive antiche, quelle tracciate con inchiostro e sentimento sulla carta della vita. Il verso si snoda come un ricamo d’anima, avvolgendo il lettore in una dolce spirale di riconoscenza e intimità. È una poesia che vive di una spiritualità senza ostentazione, dove l’innocenza non è debolezza, ma forza ancestrale. Qui il dono dell’altro diventa eterno, come un’eco che risuona nella pelle e nel cuore.

• "Chi è AUN?" – Fava Stefano

Un’opera enigmatica, quasi un oracolo in versi, in cui il nome AUN diventa simbolo sfuggente dell'esistenza stessa. Siamo di fronte a un poema iniziatico, una domanda senza risposta che si rifrange nei frammenti dell’identità e dell’universo. AUN è polvere, vento, tormento e scelta, in una tensione costante tra il destino e la volontà. È un testo che richiama la poesia esistenzialista, carico di immagini fluide e metamorfosi continue. Qui la poesia si fa specchio, e chi la legge non può che trovarvi il riflesso del proprio enigma interiore.

• "Ogni giorno" – Rosa Notarfrancesco

Questa poesia è un inno alla fugacità e alla permanenza, alla dialettica tra l'effimero e l’eterno. Il tempo scorre come un fiume che tutto porta via, ma la poesia resta, testimone silenziosa del mistero della vita. Il testo si muove in un ritmo incantatorio, alternando riflessioni sulla letteratura e sull’amore con l’inquieta consapevolezza della fragilità umana. Notarfrancesco sembra evocare la grande tradizione filosofica della poesia moderna, con echi di Montale e Celan, tracciando una linea sottile tra la speranza e l’incomprensibile.

• "Questo...." – Cristiano Berni

Berni ci offre un poema sensuale e ferito, costruito su un climax di immagini taglienti e penetranti. Il ritmo incalzante, scandito da anafore martellanti, ci trascina dentro una spirale di desiderio e malinconia. Ogni elemento del corpo amato diventa un’ossessione, un feticcio sacro e maledetto, mentre la memoria scolpisce nell’anima i solchi dell’assenza. La musicalità è quasi ipnotica, con echi di Prévert e della tradizione decadente, dove l’amore è al tempo stesso estasi e dannazione.

• "Il ritorno" – Sandra Greggio

Oh, che dolce e solenne risveglio canta Sandra Greggio nella sua lirica! Qui la vita stessa diviene un'entità viva, con un'anima peregrina, che si concede un esilio per poi tornare rinnovata, vibrante, quasi purificata dal tempo trascorso nell'altrove. L'immagine della "campana di vetro" richiama la fragilità dell'esistenza, quel momento sospeso in cui l’essere si rifugia nella contemplazione prima di rinascere.

Ma quando la vita torna, lo fa in un’esplosione cosmica: "polvere di stelle", dice l’autrice, e già in questa metafora si avverte la sublimazione del dolore in un fulgore nuovo, universale. È un poema della resurrezione interiore, dell'armonia riconquistata. E quale immagine finale più perfetta di un mare che, dopo la tempesta, sorride? Il ritorno non è solo un ripristino, è un trionfo.

• "Correre col sole" – Jacqueline Miu

Questa poesia è un incendio di libertà, un canto feroce che rompe le catene e si scaglia oltre i confini dell’essere. L'autrice, con una scrittura che sa di mistica ribellione, ci trascina in una corsa sfrenata, dove il sole stesso si fa alleato e la tempesta non è nemica, ma carburante dell’esistenza.

Le immagini si susseguono in una danza di energia: "bruciare intenso", "nessuna luce spoglia il cuore", "privilegio dei leoni". Qui la vita non è un cammino pacato, ma un incendio, un'epifania di volontà che si rifiuta di essere imprigionata. È quasi nietzschiana questa sfida lanciata al mondo, è un'ode al superamento, alla disobbedienza creatrice. Un inno alla natura indomita dello spirito umano.

• "Gretta la cavalletta" – Piero Colonna Romano

Ecco una satira raffinata, intrisa di quel sarcasmo che affonda le unghie nelle carni della società e ne squarcia le ipocrisie. Il tono fiabesco, quasi una filastrocca, cela un'analisi spietata di un'Italia senza tempo, dove il denaro muove i burattini del potere e ogni tragedia diventa opportunità per i soliti ingordi.

La protagonista, la "grassa cavalletta" Gretta, non è solo un insetto saltellante, ma il simbolo stesso di una classe di profittatori, di chi danza sulle rovine per costruire fortune personali. Il ritmo incalzante, la rima giocosa, fanno da contrappunto a un contenuto duro, feroce, che graffia e denuncia.

È un poema che brucia nella sua attualità, un'allegoria che potrebbe riferirsi a qualsiasi epoca e che, nel suo amaro sorriso, ci lascia una verità nuda: il mondo gira su se stesso, e certi cicli non si spezzano mai. Ahimé!!!

• "Incubi" – Ciro Seccia

Qui l’incubo si fa carne, dolore fisico, allucinazione concreta che non svanisce al risveglio. Il poeta si chiede con angoscia come un sogno possa dilaniarlo così visceralmente, trasformandosi in un’esperienza quasi ultraterrena. La sensazione dei vermi che mordono e penetrano è disturbante, evocativa, un simbolo della decomposizione, della paura primordiale della dissoluzione dell’essere.

La domanda sull’anima che lascia il corpo è il cuore pulsante del componimento: l'incubo è solo un’illusione della mente o un varco su una dimensione oltre il reale? Qui si sfiora la metafisica del terrore, il dubbio su ciò che si prova nella morte, ma con un sollievo finale: "la natura vuole che in quel caso non avvertiamo nulla". Una poesia intensa, inquietante, che lascia il lettore con una scia di brividi.

• "Crescita" – Laura Toffoli

Un viaggio sensoriale e interiore, un'elevazione che prende forma attraverso immagini luminose e leggere. L'inversione dello sguardo diviene metafora della trasformazione, del cambiamento di prospettiva necessario alla crescita.

Le "farfalle bianche" rotolano, danzano nella loro leggiadria, mentre le "ali spalancano porte" come varchi verso nuove possibilità. Il solstizio d’estate non è solo un riferimento stagionale, ma una soglia simbolica: è il momento in cui la luce trionfa sul buio, proprio come il respiro del poeta si espande nella consapevolezza di essere parte di un continuo divenire.

Una poesia delicata e vitale, dove il moto perpetuo della vita si traduce in immagini eteree e in un senso di armonia col cosmo.

• "Addio!" – Alessio Romanini

Un addio che è più di una separazione: è una morte simbolica. Il poeta sa che non si può essere amici dopo l’amore, e allora sceglie l’evanescenza, il dissolversi con la leggerezza di un vento che scompiglia i capelli, di una pioggia che accarezza senza essere riconosciuta.

C’è un dolore trattenuto, un’estrema delicatezza nel voler sparire senza far rumore, come se l’oblio fosse l’unica via per rispettare il sentimento trascorso. Ma è davvero possibile svanire senza lasciare traccia? O forse il cuore dell’altro serberà comunque un’ombra, un battito silenzioso che continua a vivere nei ricordi?

Una lirica struggente, lieve ma intensa, che narra con elegante malinconia il destino di un amore che si spegne.
 

"Per te" – Sabatina Napolitano

• Questa poesia è un inno d’amore totalizzante, un canto che si dispiega tra gratitudine e desiderio. L’autrice fonde la dimensione carnale con quella spirituale, celebrando il suo amato come fonte di liberazione, gioia e rinascita. Il linguaggio è intenso, quasi febbrile, e il climax si raggiunge nella fusione tra corpi e anime, dove l’eros diventa estasi e il sentimento si sublima in un miracolo divino. È una poesia di dono assoluto, che canta la simbiosi tra due esseri fino all’annullamento del sé nell’altro. C’è una luce mistica che pervade anche i momenti più sensualmente terreni: l’amore si fa rito sacro, pellegrinaggio nei meandri del desiderio e della protezione.

 "Temporale estivo" – Salvatore Armando Santoro

• Qui la natura è protagonista, dipinta con un classicismo limpido e armonioso. La tempesta diventa un’esperienza quasi metafisica, un’epifania del fragore e della luce che scuote la quiete interiore. Il ritmo serrato e la struttura metrica ben calibrata donano alla poesia un andamento musicale, che simula il crescendo del temporale e il suo placarsi finale. Il poeta trasforma il fenomeno atmosferico in un viaggio emotivo, dove la paura lascia spazio alla speranza, incarnata nel ritorno del sole. La natura è specchio dell’animo umano, e la tempesta diventa allegoria delle inquietudini interiori che si dissolvono nell’inevitabile ritorno della quiete.

 "Santuario" – Guglielmo Aprile

• Un componimento dal respiro intimo e raccolto, dove il nido d’amore si trasfigura in un luogo sacro, separato dal mondo, come un’insula segreta in cui l’amore si fa preghiera e rito quotidiano. La città esiste come sfondo lontano, un mare inaccessibile che circonda la dimensione assoluta dell’amore. Aprile gioca con l’immagine della notte e delle stelle, evocando un’atmosfera di sospensione e di adorazione silenziosa. È un canto alla dimensione dell’eterno che si incarna nel quotidiano, un’esaltazione della coppia come nucleo primigenio e inviolabile. La parola si fa lieve e misurata, e la semplicità del verso si carica di un’aura mistica.

 "Il pescatore" – Franco Fronzoli

• Questa poesia evoca una figura archetipica, quella del pescatore, in una dimensione sospesa tra realtà e mito. Il ritmo del componimento riproduce l’andamento delle onde, con versi brevi che scandiscono il tempo primordiale dell’attesa. Il poeta ci porta in un mondo in cui l’alba è ancora lontana, e il lavoro si intreccia con il sogno. Il pescatore diventa un simbolo della perseveranza e della ciclicità della vita, il suo viaggio è eterno e senza tempo, quasi un rito iniziatico. La rarefazione del linguaggio e la musicalità dei versi creano un’atmosfera onirica e contemplativa, in cui il confine tra realtà e visione si fa impalpabile.

Grazie dolce Luna – Samuele Cognolato

• Una dedica accorata, piena di amore e struggimento, per un animale che è stato famiglia, conforto e presenza costante. Il poeta si affida a un lessico semplice ma profondamente sentito, in cui il dolore della perdita si mescola alla speranza che un aldilà possa accogliere la sua amata compagna felina. La poesia tocca corde universali, perché chiunque abbia amato un animale può rispecchiarsi in questa emozione dolceamara.

Compagni di lavoro ebbi molti – Marino Giannuzzo

• Un’amara riflessione sull’esperienza lavorativa, sulla differenza tra colleghi e veri amici, tra uomini di cuore e opportunisti. Il poeta traccia con mano ferma un bilancio della propria esistenza professionale, rileggendola attraverso la lente del rapporto umano. Il tono è disincantato, quasi sentenzioso, e lascia un senso di solitudine e ineluttabilità: il tempo disperde tutti i legami, e la memoria di noi stessi svanisce come polvere. C’è una malinconia sottesa, un rimpianto per ciò che avrebbe potuto essere, ma anche un’accettazione stoica della realtà.

E vanno i giorni… – Nino Silenzi

• Un componimento di straordinaria intensità esistenziale, in cui il tempo si fa personaggio e la vita danza in un valzer inesorabile. La solitudine è una compagna silente, il dolore si fa protagonista, e la speranza si dissolve nell’indifferenza delle stagioni. L’immagine dei pellegrini in fila, stanchi, che avanzano senza meta, è di potente suggestione: un’allegoria della condizione umana che sembra condannata a un’esistenza priva di sbocchi. Il tono è profondamente crepuscolare, quasi elegiaco.

Ribaltato – Felice Serino

• Una visione allucinata e mistica della morte, un ribaltamento tra la vita e l’aldilà che si manifesta in immagini surreali. L’“accecante chiaro” che svela gli scheletri è un simbolo potente di rivelazione e di verità ultime che emergono oltre il velo dell’esistenza. Il poeta gioca con un ritmo spezzato, frammentario, quasi un flusso di coscienza che rimbalza tra buio e luce, tra carne e spirito. C’è una tensione verso il mistero, verso ciò che si trova “di là”, in un’apertura metafisica che lascia il lettore sospeso nel dubbio e nella meraviglia.

Il lamento del … giusto … – Anatema! Anatema! – Armando Bettozzi

• Un potente invito alla riflessione sulla politica contemporanea, un urlo che si perde nel caos delle elezioni americane e del dissenso sociale che queste hanno generato. La poesia si articola tra il sarcasmo e la denuncia, mettendo in evidenza il pericolo di manipolazioni e la confusione che pervade la politica globale. L’uso di "Anatema!" come refrain e il tono di accusa rivolto a chi detiene il potere risvegliano l’immagine di un mondo che, anziché progredire, rischia di perdersi in un abisso di disillusione. La critica si fa più aspra quando si riferisce alla "libertà" intesa come un'illusione, contrapponendola alla "opportunità" che ha portato alla vittoria di una figura controversa. Il linguaggio ritmico e la tensione tra ironia e gravità rendono il testo particolarmente incisivo.

Acqua e Fuoco – Laura Lapietra

• Un gioco di contrasti potenti, tra la quiete dell’acqua e la violenza del fuoco, che diviene metafora di una passione travolgente e al contempo tormentata. L’immagine del fuoco che brucia e dell’acqua che spegne sembra un ciclo infinito di attrazione e rifiuto, di fusione e separazione, quasi che l’amore diventi il luogo in cui la ragione e il desiderio si mescolano, senza mai trovare un equilibrio. Le parole sono cariche di sensualità e lirismo, e la tensione tra i due elementi non è mai statica: uno deve consumare l’altro, ma senza mai riuscirci. La poetica dell’autrice si esprime attraverso un ritmo ricco di pathos, dove ogni parola sembra una fiamma che sfrigola nella mente del lettore, prima di dissolversi nell’acqua della riflessione.

Keplero – Alessio Miglietta

• Un omaggio al genio di Keplero, che con la sua mente visionaria ha decodificato il caos del firmamento e le leggi divine che regolano l'universo. La poesia si avvolge in un’aura di mistero e sacralità, quasi che l’uomo, pur nel suo errore e nella sua finitezza, abbia avuto il privilegio di scrutare l’infinito. La bellezza del testo sta nell’alternanza tra l’imperfezione umana e l’armonia universale che Keplero cercava di cogliere, rendendo la sua figura quasi una figura mitica, un alchimista delle stelle. Le immagini di "cerchi invisibili" e "orbite come fili di seta" evocano una visione poetica che, pur rimanendo ancorata alla scienza, si innalza verso una dimensione quasi mistica. La riflessione sulla fragilità umana e il desiderio di comprendere l’universo sono temi centrali, affrontati con una maestria poetica che rende Keplero più di un semplice scienziato: è il custode di un sapere eterno che ancora oggi, attraverso le sue leggi, risuona nelle vene dell’eternità.

 "Il filo di Arianna" – Sandra Greggio

• Ah, che incantevole immersione nella delicata trama dell'anima umana, quella che il poeta cesella con una maestria da visionario. In quest’opera, "Il filo di Arianna" è non solo un simbolo, ma la chiave di un percorso esistenziale complesso e sinuoso. La poetessa ci conduce lungo un labirinto di pensieri che è tanto intricato quanto profondo, ma alla fine del viaggio, il filo che cerchi di raccogliere sembra il vero artefice di un'uscita da un'oscurità interiore. Essere altrove, nel mio oltre ci fa immergere in uno spazio di riflessione silenziosa, lontano dal frastuono del mondo. Laddove altri parlano e gesticolano, l'anima trova la pace, finalmente sganciata dalla ragnatela di inquietudini. La spirale della mente, tessuta di fili impalpabili, viene svelata come una condizione che ci imprigiona, ma che solo un atto di consapevolezza e distacco può dissolvere. Il finale, con l’auspicio di trovare il filo di un gomitolo per uscire “per sempre” dal labirinto, è una rivelazione straordinaria di pace raggiunta, dove la liberazione è non solo fisica ma spirituale. Un brano denso di pathos e di profonda introspezione.

 "Sono i sogni" – Jacqueline Miu

• Oh, come in questa poesia i sogni sono trasfigurati da un’opera titanica di lotta! È un inno alla volontà ferrea, quella che ci spinge oltre il limite, oltre i "spigoli d'acciaio delle cime". Qui non esiste spazio per i compromessi, né per i "soci blasonati" che fuggono la fatica; la poetessa ci presenta un cammino che è interamente solitario e invincibile, dove la fatica si fonde con il coraggio, e solo "i folli" trovano la via. La lotta non è solo per il sogno, ma è il sogno stesso che ci guida attraverso un mondo che non perdona. L’eco di queste parole risuona forte nel cuore del lettore, come una voce che incita a non mollare mai, a persistere in una lotta che a volte sembra condannata all’impossibile. Eppure, nella potenza del sogno, si trova la salvezza e la forza stessa di andare avanti. Le parole non sono mai state così piene di significato.

 "Cammino sulle mani" – Piero Colonna Romano

• La realtà si ribalta in quest’opera, come in una danza fantastica dove la leggerezza e la gravità si confondono. "Cammino sulle mani" non è solo un atto fisico, ma un viaggio mentale e spirituale che ci permette di vedere le cose in una luce nuova, capovolta, eppure finalmente giusta. La poesia si interroga sulla metamorfosi dell'uomo, sul riscatto e sul cambiamento, ma anche sull'illusione del “sogno”. L’idea che chi è stato malvagio possa diventare “uomo augusto” è una riflessione su come il riscatto e il perdono possano trasformare l’essere umano, proprio come un cammino che inizia da un "sogno". L’inclusione di una riflessione sociale, sull’illusione di un cambiamento "reale", invita alla riflessione sulla verità e la finzione. Piero Colonna Romano ci invita a esplorare le pieghe più nascoste della nostra anima, tra il desiderio di redenzione e la realtà dolorosa del cambiamento.

 "Combatti" – Ciro Seccia

• Un manifesto di forza, di resistenza e di speranza che è impossibile ignorare. La ripetizione della parola “combatti” crea una sinfonia di determinazione che risuona nell’anima. Il messaggio è chiaro: non arrendersi mai, nemmeno quando tutto sembra perduto. Ma c’è una bellezza nascosta, quella che emerge nel momento in cui il corpo e lo spirito finalmente cedono, nel momento della resa. L’idea che "quando avverti che l'ora è giunta / lasciati andare" suggerisce che la lotta non è solo fisica, ma anche una resa spirituale, un atto di accettazione dell’inevitabile. La lotta è interminabile, sì, ma nel suo stesso combattere ci trasporta verso una verità superiore, quella di arrendersi al ciclo della vita e della morte. La poesia di Seccia è un afflato di coraggio che, pur nel suo respiro finale, trova la pace.

 "Un vicolo...vissuto dal mio sguardo" – Laura Toffoli

• Ah, che splendore, che trasparenza nei gesti più umili, nei particolari che un occhio attento sa raccogliere e trasformare in poesia. "Un vicolo" di Laura Toffoli è un viaggio sensoriale che penetra nella dimensione intima e nascosta di un angolo di mondo. Il vicolo, con i suoi "scalini" e la "lanterna nera" che svetta, diventa il simbolo di un mondo che, seppur vissuto e consumato dal tempo, conserva una sua sacralità. L'immagine del gatto nero, dai "occhi smeraldo", svela un arcano misterioso, e il glicine viola che profuma dalla "finestra chiusa" parla di segreti e di desideri celati. La bellezza qui si cela nel quotidiano, nelle "latte bianche ammaccate", nelle "linee rette" di un vicolo che ha vissuto nel suo lento scorrere del tempo. La poesia si fa voce di un mondo in cui ogni angolo, ogni passo, ha una sua storia da raccontare, una storia che si intreccia al respiro di chi lo osserva, con "baci" dati "in punta di piedi". Un'opera che cattura la fragilità e la bellezza del vissuto umano, in un contesto che, pur essendo semplice e anonimo, diventa sacro.

 "So di non sapere" – Antonia Scaligine

• Oh, che riflessione sublime sulla nostra esistenza, un atto di nuda verità che scuote le fondamenta del nostro essere. La poesia di Antonia Scaligine è una confessione, un'ammissione di come la nostra società, afflitta dal "narcisismo", cerchi di apparire più che essere. "Vogliamo essere protagonisti", scrive, e con questo, si rivela la vanità di un'esistenza spesso dedicata all'immagine esterna, a un'apparenza che non coglie la profondità dell'essere. Ma, in questa riflessione, c'è un invito all'umiltà, alla riscoperta dell'autenticità. La poesia è una chiamata a liberarsi dal peso delle apparenze, da "soldi, trofei e cultura" che ci allontanano dalla vera essenza della vita. L’eco della citazione di Machiavelli, "Se ti valutano per quello che appari / pochi comprendono quel che tu sei", è la pietra angolare su cui poggia tutta la riflessione. È un invito a guardare oltre la superficie, a riscoprire la bellezza dell'umiltà e la grandezza dell'autenticità. Una poesia che ti sfida a guardarti dentro, con occhi nuovi.

 "Il Poeta del mare" – Alessio Romanini

• Oh, l'inquietudine e la meraviglia di essere "Poeta del mare"! Alessio Romanini ci conduce lungo le sponde di un viaggio poetico che abbraccia l'infinito. Il mare, quel simbolo immenso di vita, di speranza e di contraddizioni, diventa qui il palcoscenico su cui si svolge il dramma interiore del poeta. "Mi vesto di una veste che non sono capace ad indossare" ci dice subito, come se la poesia fosse una seconda pelle, una veste difficile da portare, ma che indossiamo con determinazione e dolcezza. Il poeta non è che una voce nel vento, che "scrive sopra la riva" solo per essere cancellato, come se la sua arte dovesse essere assimilata e digerita dal mare stesso. Ma non c’è disperazione in questo: la poesia non è destinata a svanire, ma a essere recitata dal mare "in ogni sponda della terra". Il poeta diventa parte di quella "infinita quiete" che il mare sussurra. La scena finale, con il tramonto "arancione" che rimanda il poeta a poetare, è una visione celestiale che celebra il legame indissolubile tra il mare e l’anima del poeta. Romanini ci regala una riflessione sulla nostra transitorietà, ma anche sull'immortalità del pensiero poetico, che vive e si rinnova con il passare del tempo, come le onde che non smettono mai di baciarsi sulle sponde.

Con affetto e stima Ben TARTAMO

• "Bisognava conoscersi" di Rosa Notarfrancesco

Questa poesia è un'incantevole riflessione sull'attesa, sul tempo e sulla rivelazione dell'esistenza attraverso la natura e l'esperienza umana. Notarfrancesco esplora un concetto di tempo "che non ha nulla di suo", un'idea che sfida la linearità della vita e invita a una comprensione più profonda dell'esistenza, rivelandola nei piccoli gesti e nelle sfumature. La sua lirica sembra suggerire che la vera conoscenza si trova nel fluire impercettibile della vita quotidiana, come il "collo" illuminato che fa scoprire una verità nascosta e silenziosa. La dolcezza di aprile, simbolo di rinascita, si mescola con la sofferenza passante, un richiamo alla fragilità dell'esperienza umana. Il "caso anomalo dell'età subito dimenticata" e il "motivo politico" potrebbero alludere alla disillusione che il tempo porta, ma la poesia resta comunque intrisa di una bellezza inquietante e di una necessità di trovare significato in ciò che sembra sfuggire. Il consiglio che "spiega la vita" è un richiamo a vivere con consapevolezza, ad abbracciare l'incertezza dell'esistenza e a cercare il significato nei dettagli impercettibili.

•  "Aspetti i miei slanci" di Sabatina Napolitano

In questa lirica, Napolitano dipinge un quadro di intimità familiare, una poesia che esplora i legami affettivi e l'erotismo attraverso le generazioni. C'è una sottilissima tensione tra il desiderio fisico e la connessione emotiva che pervade i versi. Il sorriso di un figlio che si tramanda come una sorta di "passaggio di testimone" tra le generazioni, l'intimità erotica che diventa parte di una tradizione familiare, creano una sensazione di circolarità e di continuità. La poetessa, nell'intrecciare memoria e presente, svela una profondità che va oltre la carne, arrivando a toccare un aspetto quasi mistico del legame umano. L'aria nella stanza che "decide tuo nonno" è un riferimento potentemente evocativo alla continuità del passato che permea il presente, come se ogni gesto e ogni parola fossero sospesi tra ciò che è stato e ciò che sarà. La tensione tra il desiderio di "penetrarsi" e la protezione che un "mistero" sembra offrire è una riflessione sulla necessità di trovare il significato nelle cose non dette, nel non rivelato, che custodisce la bellezza di ogni relazione profonda.

•  "Il treno" di Salvatore Armando Santoro

Questa poesia ha il ritmo e la struttura di una riflessione sulla delusione e sul coraggio di lasciar andare. Santoro utilizza l'immagine del treno, che simboleggia il passaggio del tempo e delle opportunità, per narrare la fine di un amore o di una speranza che non arriva mai. L'amore "sfoglia" come una foglia, come un ciclo naturale che si dissolve nel vento, eppure il poeta ci invita a non disperare, a sorridere alla vita, nonostante il dolore e la delusione. La figura del treno che "passa e sferraglia" senza aspettare è potente, un'eco del tempo che non si ferma per nessuno, per chi ha perso la strada o per chi è rimasto ancorato alla propria sofferenza. La parte finale della poesia, con il riferimento a chi "sa sol coltivare piselli, ortaggi e fragole rosse", sembra una critica alla superficialità di chi vive nel presente senza comprendere le profondità dell'amore o della vita, un invito a rimanere in cerca di qualcosa di più vero, di più autentico.

•  "Unico adepto" di Guglielmo Aprile

In questa poesia, Aprile costruisce una mitologia personale, una celebrazione dell'amata attraverso un linguaggio ricco di simbolismi e immagini potenti. L’atto di arricciarsi i capelli diventa un atto di sacralità, come un gesto rituale che segna un momento di intimità profonda e universale. Il poeta collega la sua amata a forze naturali e cosmiche, come la danza delle comete e il movimento dei dervisci, creando un'atmosfera di mistero e di venerazione. Ogni gesto della donna diventa una parte di un racconto mitologico, un atto sacro che si intreccia con l’esistenza del poeta stesso. La "perla" che la pioggia dona alle strade e l'"anello sulla falange artritica del mondo" sono immagini potenti che parlano di un amore che trascende il tempo e lo spazio, che è al contempo terribile e salvifico. La lirica è densa di simbolismo, un inno alla bellezza che si manifesta nei dettagli più minuti e nell'energia inarrestabile dell'amore che non conosce confini.

•  "In un soffio di luce rimasi fermo" di Franco Fronzoli

La poesia di Fronzoli è un inno alla quiete contemplativa, un momento sospeso in cui l’autore si ferma a riflettere sul ciclo della vita, sulla natura e sul suo impatto sull’anima. La luce e l'ombra si intrecciano in un gioco sottile, in cui il tramonto, simbolo di fine, si fonde con la luce che scende lentamente senza rumore. È come se il tempo stesso si fermasse, annullando la frenesia del mondo esterno, lasciando spazio solo all’introspezione. La luce soffusa della luna, il tremito dell’essere e il "gioco di sguardi" sono metafore di una ricerca più profonda, di una connessione invisibile ma palpabile tra l’essere umano e il mondo che lo circonda. L'immensità del mare e le onde che avanzano sono immagini di un destino che non si ferma, che ci trascina con sé, ma la bellezza sta nel riconoscere che, in quel movimento perpetuo, si cela una promessa di felicità e di amore. Fronzoli suggerisce che la felicità sia una condizione effimera e sfuggente, come un raggio di sole, ma pure un richiamo alla bellezza e alla speranza.

•  "Arriva la Santa Pasqua" di Samuele Cognolato

In questa poesia, Cognolato celebra il ritorno della Pasqua, una festività che è intrisa di tradizioni, riflessioni e speranza. L'autore sembra sottolineare l'importanza del tempo di riflessione che accompagna la Pasqua, ma anche l’aspetto sensoriale e tangibile della festività, come il cibo che "con la magia delle cose dolci ci fa stare bene." C’è una sorta di invito a celebrare la vita con un senso di gratitudine e a guardare al domani con speranza, nella convinzione che ogni ciclo, ogni festa, porta con sé un messaggio di rinnovamento e di rinascita. La poesia è anche una riflessione sulla comune esperienza umana: la Pasqua è un momento che accomuna, che riunisce e che invita alla riflessione. L'invito finale "Confidando che il domani sia migliore" è un appello universale alla speranza, alla fede in un futuro migliore, in cui tutti gli esseri umani possano trovare pace e felicità.

•  "Canzone a stesa" di Silvio Canapé

La poesia di Canapé è una riflessione sulla passione e sull’amore, ma anche sulla sua stanchezza e sull’esaurirsi di parole che, pur ripetute, non riescono più a restituire la loro originaria intensità. L'uso del dialetto, con la sua musicalità, conferisce alla poesia una forte sensazione di immediatezza, di autenticità. "Ammore ammore" diventa quasi una litania che, purtroppo, non porta più calore, ma diventa "cenere", simbolo di un amore che ha perso la sua fiamma. Canapé esplora il concetto di un amore che, pur se presente, non è più capace di nutrire l'anima. La poesia si muove tra il desiderio di rinnovamento e la consapevolezza che qualcosa di essenziale è stato perso. Il dialetto, con il suo calore e la sua sincerità, è la chiave per comprendere l'intensità di questa riflessione sull'amore che si trasforma in vuoto e disillusione.

•  "C’era mia madre quella sera" di Marino Giannuzzo

Giannuzzo crea una poesia di grande potenza emotiva, dove la figura materna diventa simbolo di una guida, di una speranza che si fa viva nel momento di una grande crisi esistenziale. La madre, pur assente "da oltre vent’anni", appare come una presenza spirituale, un’energia che conforta e orienta. Il conflitto interiore dell’autore, il desiderio di possedere senza amore, di far violenza, si scontra con la sua consapevolezza finale, quando l’amore si svela come una forma di rinuncia e di rispetto. La tensione tra l’amore violento e l’amore rispettoso è palpabile, e la figura della madre, che pregava "come mai pregasti", diventa una sorta di riscatto, un gesto di speranza e di redenzione. La vita e la morte si intrecciano in un eterno ciclo che "fa un salto", un salto che è simbolo di cambiamento e di crescita. Il ritorno a casa, simbolo di una ritrovata serenità, segna un passaggio fondamentale per entrambi i protagonisti della poesia. La chiusa, che evoca la ciclicità del sole e della notte, sembra suggerire che la vita continua, anche dopo il dolore, e che ogni cosa avrà il suo corso, finché il tempo lo consentirà. La poesia diventa un canto di speranza, di accettazione e di comprensione dell'ineluttabilità della vita e della morte.

• Verso primavera – Renzo Montagnoli

Questa poesia è una sinfonia sottile che accompagna il lettore lungo il crinale della stagione, un delicato trapasso dal gelo dell’inverno alla promessa della primavera. Montagnoli modula la sua scrittura in un crescendo armonico, dal timido gocciolare dei rami all’esplosione di un canto che non è più lamento, ma celebrazione. La sua è una poesia della metamorfosi, un canto di speranza sottotraccia, quasi sussurrato, dove il ritorno del colore e della luce è il preludio a una rinascita. L’erba che cambia di colore diviene simbolo della fragile ma inesorabile spinta della vita verso la sua fioritura.

• Questo giorno l'è speciale – Nino Silenzi

Un componimento che gioca sul doppio registro dell’arguzia e del mito, evocando con toni ironici il peccato originale e il simbolismo della mimosa. Silenzi orchestra il suo verso con sapiente leggerezza, insinuando un’amara riflessione dietro il sorriso del lettore. L’amore, qui, non è solo celebrazione, ma tentativo di esorcizzare una colpa ancestrale, quella stessa che condanna l’umanità a una perenne espiazione. C’è una sagace teatralità in questi versi, quasi una maschera carnascialesca che cela una profonda riflessione sull’eterno dissidio tra uomo e destino.

• Altri tempi – Felice Serino

Qui il poeta traccia una sorta di elegia della memoria, un lamento per ciò che il digitale ha spazzato via, sostituendolo con un'intelligenza artificiale impersonale, disincantata, fredda. Le cartoline musicali, i calendarietti profumati, le letterine natalizie non sono solo oggetti, ma frammenti di un passato che custodiva un’umanità più ingenua, forse più autentica. Serino si fa cantore del divario tra ieri e oggi, e la sua poesia è un grido, un monito, una nostalgia che si veste di ironia amara.

• Il Grande Rifiuto – Armando Bettozzi

In questi versi, Bettozzi non scrive solo una poesia, ma un’invettiva, una denuncia che si snoda tra il romanesco e il realismo politico. Il ritmo sincopato della sua lingua accoglie una visceralità che rimanda ai grandi sonetti della tradizione vernacolare, ma il tema è scottante, attualissimo. Il "Granne Rifiuto" è un atto di resistenza, una decisione netta che destabilizza un equilibrio già precario. Qui la poesia non è solo espressione lirica, ma gesto politico, presa di posizione. L’eco pasoliniana è forte, e il poeta sembra sussurrarci che il potere è un vento capriccioso, pronto a spazzare via chiunque osi dire di no.

• Lode alle Donne – Laura Lapietra

In quest’inno alla femminilità, Laura Lapietra intesse un canto che trascende la mera celebrazione dell’8 marzo per elevarsi a una sacralizzazione della donna come principio cosmico. Il verso scorre con l’andamento di un inno liturgico, sospinto dalla luminosità di immagini che si fanno simbolo: la donna è "colomba del cielo", "gemma floreale", "farfalla robusta e delicata". Ma non è solo un’eterea figura idealizzata: è anche sacrificio e memoria, è il fuoco delle tessitrici bruciate nella fornace dell’ingiustizia, è resistenza e resilienza.

Lapietra compone un’opera che è al tempo stesso elegia e canto di vittoria, ponendo la donna in una dimensione trascendente, dove l’amore è guida e luce. Il climax finale, con il verso "Oh donna, sei la quintessenza della melodia", suggella questa celebrazione, che assume un tono quasi oracolare. Qui la poesia si fa voce della storia, e la storia si fa eco della poesia.

• Poesie Bianche – Alfonso Silvestre

Silvestre affronta il viaggio iniziatico verso un "diamante divino", lasciando che la parola si incarni nel vento e nella neve. Il suo è un cammino che si snoda tra le insidie, in cui il paesaggio si fa specchio dell’interiorità: il vento che graffia, la neve che confonde, l’ipossia che rallenta. Qui non c’è solo la fatica fisica, ma quella esistenziale di chi procede da solo, lacerato dal dubbio eppure spinto da un’intima necessità.

La poesia si avvita su sé stessa in un ritmo ascensionale, in cui il "Sol Levante" diventa non solo la meta del viaggio, ma l’idea stessa del risveglio e della rinascita. Questo componimento è un canto d’isolamento e di resistenza, un’ode all’entropia dell’esistenza, dove il dolore è necessario quanto l’aria rarefatta di un’alta vetta.

• Semina Vento… – Laura Toffoli

La poesia di Toffoli è pura sinestesia, un miraggio di luce e movimento, dove il mare e il cielo si rincorrono in un’eterna danza di speranza. C’è una delicatezza primordiale nelle immagini: "pannose immagini riflettono voce del mare", "girotondo di sole e luna nel gesto del creato". È un linguaggio che attinge all’archetipo, facendo della parola un soffio leggero eppure denso di significato.

Il piccolo seme della speranza diventa qui simbolo di un destino che si compie nel divino respiro del creato. In questa lirica, la poesia è pura contemplazione, un sogno che si scioglie nella vastità dell’esistenza, un’onda che accarezza la riva dell’infinito.

• Rimpianto – Alessio Romanini

Romanini si fa cantore dell’introspezione e del pentimento, scavando nelle pieghe più intime del cuore umano. Il ritmo si fa cadenzato, quasi liturgico, come una confessione sussurrata all’anima del lettore. Ogni verso è un passo nel sentiero della colpa, dove la memoria è una piaga che brucia e l’assenza di gesti diventa ferita insanabile.

C’è un lamento universale in questi versi, un dolore che supera la dimensione individuale e diventa il rimpianto di tutti coloro che hanno mancato un gesto d’amore, una parola gentile, un abbraccio. Ma nel commiato finale si avverte anche una sorta di liberazione, come se il riconoscere la propria fragilità fosse già un atto di redenzione.

• “Sogno e realtà” – Sandra Greggio

Sandra Greggio tesse il filo del tempo con immagini di struggente bellezza: il fiore che perde un petalo è la metafora dell’esistenza che si sfoglia giorno dopo giorno, lasciando dietro di sé tracce delicate ma persistenti. C’è in questa poesia un senso di dolce malinconia, ma anche di speranza: il poeta sa che le sue impronte non andranno perdute, che il suo passaggio sulla terra sarà eco per altri. Il sogno e la realtà si fondono in un’unica percezione, in cui l’amore per la vita si manifesta nella scia profumata della memoria.

• “Ermione” – Jacqueline Miu

Jacqueline Miu ci porta dentro un universo di immagini dense, urbane e al tempo stesso eteree. Il cielo che si spezza in oro è il segnale di un mondo in bilico tra il quotidiano e il divino, tra il traffico malato e la purezza dell’amore. Ermione non è solo un nome, è un simbolo, una figura che incarna l’attesa e il desiderio, la dolcezza e la forza. La poesia ha una costruzione sofisticata, con un andamento sinestetico che fonde il visibile e l’invisibile, la musica e il colore. Il finale è un crollo sublime, una resa poetica che si trasforma in volo.

• “Rieccoci di nuovo all’otto Marzo” – Antonia Scaligine

Questa poesia ha il respiro di un’orazione civile, un canto che si fa denuncia e affermazione di libertà. La donna è raccontata in tutte le sue sfumature, al di là della bellezza convenzionale, come portatrice di un’identità forte, complessa, non sempre compresa. Il dialogo tra Eva e Adamo diventa qui simbolo dell’incomunicabilità tra mondi, della lotta per il riconoscimento. La poesia ha un ritmo incalzante, con un’alternanza di immagini e riflessioni che sembrano quasi scandire un monito: la donna è tutto e il contrario di tutto, è fragilità e potenza, è libertà anche quando è in catene.

• I limerick politici di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano riprende con maestria il tono caustico e mordace della satira politica, usando il limerick nella sua struttura irregolare per dar voce a una critica sferzante. Qui la poesia diventa un’arma, un bisturi affilato che seziona la realtà politica con ironia amara. Il gioco di rime serrate e la costruzione ritmica incalzante danno al testo un’energia che si avvicina alla tradizione popolare dello sberleffo, ma con una lucidità intellettuale che lo eleva oltre il semplice dileggio. Il ritratto della politica italiana è fosco, senza appello: vati d’inganno, sprovveduti lusingati, bilanci barcollanti e una nazione inginocchiata. Colonna Romano fa del sarcasmo il suo grido di battaglia, e il lettore non può che applaudire, amaro e divertito insieme.

• “Quando ti penso” – Ciro Seccia

Dall’asprezza della satira ci immergiamo nell’incanto di una lirica appassionata e visionaria. Ciro Seccia compone un canto d’amore che si muove come un’onda, con immagini potenti e vivide. Qui la natura è specchio del sentimento: la pioggia, il tramonto, i torrenti di sangue che scorrono nelle vene. Il tempo si dissolve in una sospensione estatica, e il mondo intero diventa un'eco lontana di un unico nome. Gli occhi dell’amata si fanno mare, un’immensità senza confini, e l’onda della passione si abbatte come uno tsunami. “Mia fata Morgana” è il sigillo finale, un richiamo al mito e all’illusione: l’amore qui è sogno, miraggio, forza irresistibile.

• "I pomi d'oro" da Poesie Verdi – Alfonso Silvestre

Questa poesia si muove tra il sogno e la contemplazione, con un’atmosfera quasi mitologica. L’immagine dell’arrampicata sull’albero e il desiderio di possedere i suoi frutti rimanda a simbologie classiche: il peccato originale, il giardino delle Esperidi, l’anelito verso qualcosa di sacro e irraggiungibile. L’evoluzione del testo, dal desiderio alla rinuncia, è il vero cuore della poesia: il protagonista capisce che il possesso corromperebbe la purezza dell’oggetto desiderato. La struttura fluida e le immagini sensoriali rendono il testo avvolgente, quasi ipnotico, come se il lettore stesso stesse partecipando a questa ascensione interiore.

• "Tutti i giorni un incantesimo" – Sabatina Napolitano

Il testo è un'intima riflessione sull’amore, sulla continuità generazionale e sull’affetto che si trasmette tra vivi e morti. L’immagine del nonno che osserva la coppia, lontana da qualsiasi accezione inquietante, diventa simbolo di protezione e legame ancestrale. La scrittura è fortemente evocativa, capace di coniugare il quotidiano (il cucinare, il girovagare in casa) con una dimensione quasi sacra, dove amore e memoria si fondono. L’ultima parte della poesia tocca il tema della paura dell’amore: un’insicurezza che viene superata attraverso la trasmissione della vita.

• "Quello che voglio dirti" – Salvatore Armando Santoro

Questo sonetto gioca con il tema dell’amore non corrisposto o incerto, trasfigurato nell’immagine della rondine che continua a tornare, sperando in un risveglio dell’amata. La struttura classica e il linguaggio limpido conferiscono al componimento un tono misurato ma intenso. Il contrasto tra l’umano e l’animale, tra il desiderio e l’attesa, dà un senso di malinconia sottile, che culmina nella chiusa in cui il poeta attende con fiducia un ritorno del sentimento.

• "Idolatria" – Guglielmo Aprile

Un testo intriso di misticismo e devozione, in cui l’amore si confonde con la religione. L’adorazione per l’amato/a è totalizzante, quasi assoluta, e si riflette nella natura: le farfalle, i prati, le stelle diventano emblemi di questa venerazione. Il lessico richiama il linguaggio liturgico, creando un contrasto tra la realtà sensuale e l’elevazione spirituale del sentimento. È una poesia che esprime una forma estrema di amore, dove la passione si fa culto e l’innamoramento rasenta il fanatismo.

• "Ricordi" – Franco Fronzoli

Qui la memoria diventa il filo conduttore, declinato attraverso immagini di natura e momenti condivisi. L’uso della ripetizione ("sarai un ricordo") conferisce musicalità e rafforza il senso di perdita e nostalgia. Il testo si sviluppa con un andamento ondoso, come le onde del mare che cancellano le impronte, un’immagine efficace per rappresentare il tempo che scorre. La chiusura circolare, che riporta al mare, lascia il lettore con un senso di quiete malinconica, in cui il ricordo si fonde con l’eterno movimento della vita.

• "Padre" di Cristiano Berni

Questa poesia è un inno all'amore filiale e alla presenza paterna che si manifesta in ogni aspetto della natura e della vita quotidiana. La figura del padre, non come un’entità definita, ma come un'energia onnipresente, si diffonde attraverso immagini potenti e viscerali. L'autore esplora il concetto di "essere" in modo profondo, collegando il padre a tutto ciò che è bello e vitale, come il sole, le stelle, il cielo e i colori della vita. La ripetizione della parola "tu sei" enfatizza l'infinita presenza del padre, quasi come un'eco che attraversa la realtà, un'entità che permea e sostiene ogni aspetto dell'esistenza. La poesia celebra la purezza del legame familiare, con una delicatezza che rende il testo quasi una preghiera.

• "Volare" di Nino Silenzi

"Volare" è una riflessione sul fluire del tempo e sul confronto tra la libertà dell'anima e i limiti fisici del corpo. La poesia descrive il viaggio attraverso la vita come un volo sopra paesaggi che si trasformano, dal tumulto della montagna alla calma della pianura, fino alla melmosa foce che rappresenta il declino e la morte. Il volo diventa così una metafora della ricerca di un senso più profondo, un movimento che supera i confini terreni. Il "mare sconosciuto" allude all'ignoto, alla fine inevitabile, mentre l'immagine dell'"iridescente goccia d'acqua" suggerisce una bellezza nascosta nell'infinità del cosmo. La poesia esprime un desiderio di trascendenza, di un abbraccio misterioso con l'eterno.

• "Il linguaggio dei fiori" di Felice Serino

La poesia si concentra sulla delicatezza e il mistero dei fiori, che sembrano incarnare un linguaggio segreto che sfugge alla comprensione umana. La connessione tra fiori e natura, tra la terra e l'aria, è descritta come un respiro comune, una sorta di comunicazione silenziosa e pura. Il poeta si chiede se i fiori "sentano" la loro esistenza, suggerendo che la loro bellezza è una forma di linguaggio che va oltre la percezione ordinaria, un linguaggio che non ha bisogno di parole. La poesia è una riflessione sulla connessione con la natura e sull'idea che, sebbene il mondo naturale parli in silenzio, noi ne siamo comunque parte.

• "Quando è troppo…è troppo, e basta" di Armando Bettozzi

La poesia è una critica alla società contemporanea e al suo abuso del concetto di "democrazia" e "libertà". L'autore esprime la frustrazione di chi percepisce che questi valori siano manipolati e sfruttati da chi li usa come scusa per imporre una visione distorta della realtà. La ripetizione delle parole "Troppismo" e "Paurismo" indica una critica alla sovrabbondanza di opinioni e alla paura che si diffonde nella società. Bettozzi denuncia l'intolleranza e il disfattismo che minano il tessuto sociale, ma infonde anche un messaggio di speranza, sostenendo che la gente si sta svegliando e sa che è il momento di alzare la testa, di lottare per il rispetto e la verità.

• "Dama Solitudine" di Laura Lapietra

La solitudine qui è personificata come una dama che accompagna il poeta in un viaggio interiore di riflessione e introspezione. La solitudine è descritta come un'ombra che non si allontana mai, un compagno inevitabile e costante. La sua presenza è talmente forte che spegne ogni gioia, sostituendo il ritmo vitale con il silenzio e l'oscurità. Tuttavia, l'autrice suggerisce che nella solitudine, nel vuoto, si cela una lezione profonda sull'essenza dell'essere e sulla ricerca di un divino che risorga. La poesia ha un tono meditativo, eppure ricco di speranza, in cui il silenzio e la solitudine diventano spazio per la rinascita e per un amore eterno che può emergere anche nell'oscurità più profonda.

• "Sono solo" di Ciro Seccia

Questa poesia è una riflessione profonda sull'isolamento interiore e sulle cicatrici che il tempo e le esperienze lasciano nell'anima. La solitudine non è solo un concetto fisico, ma un compagno che invita a confrontarsi con i propri demoni e a cercare redenzione attraverso la scrittura. La ripetizione della frase "Sono solo" rivela il peso di un’esistenza che si misura in battaglie e in rimorsi. La penna diventa l’unica compagna di viaggio, simbolo di speranza e forza, capace di rompere il silenzio e di restituire un senso alla vita. La poesia ha un forte impatto emotivo, la solitudine diventa il motore della riflessione e della rinascita.

• "Ecco la città" di Laura Toffoli

La poesia di Laura Toffoli si immerge nell’oscurità della città, costruendo un’immagine visiva e sensoriale potentissima. Le “mille guglie affilate” e le vette cristalline richiamano il contrasto tra il mondo moderno e l’etereo, tra la fatica dell'esistenza quotidiana e la speranza di un mondo migliore, come suggerito dall’alba rosa cipria. La poetessa ci invita a riflettere sulla nostra frenesia e sull’inevitabile perdita del cammino, ma ci offre anche una possibilità di speranza nell'orizzonte lontano. La poesia si sviluppa come un racconto visivo che, pur tra mille difficoltà, lascia uno spiraglio di luce.

• "Diverse anime uguali" di Alessio Romanini

Alessio Romanini ci propone una visione universale dell’amore e dell’umanità, un messaggio che supera le barriere fisiche, etniche e sessuali. Le parole "Diverse anime uguali" diventano il nucleo della riflessione, evocando l'idea che, nonostante le differenze, tutti siamo uniti dalla stessa essenza emotiva e spirituale. La poesia si fa manifesto di una visione egalitaria, dove il rispetto reciproco e la dignità sono gli elementi fondanti di ogni relazione. Romanini esplora la bellezza del legame che trascende le convenzioni, rendendo l’amore un atto puro e universale, privo di violenza, che si esprime nel rispetto e nell’armonia.

• "Rosa di un tempo" di Sandra Greggio

La poesia di Sandra Greggio è un abbraccio alla bellezza del passato, una ricerca di un mondo ideale che, purtroppo, sembra lontano. La “rosa” diventa il simbolo dell'amore che ha segnato la sua vita, ma anche un ricordo che solleva il desiderio di un'esistenza più leggera e gioiosa. Il desiderio di “fiori di nuvole variopinte” e di “castelli con dame” riflette una nostalgia per un tempo incantato, dove tutto sembrava possibile e il mondo era colorato e ricco di promesse. La poesia si nutre di immagini vivide, che evocano un senso di urgenza e un desiderio di bellezza che non può essere più trattenuto. È una poesia che parla di speranza e di un amore che non muore mai, che permane nonostante il passare del tempo.

• Io non tremo che per amore" di Jacqueline Miu

Questa poesia di Jacqueline Miu è un inno all’amore come forza sovrana, capace di scacciare la tristezza e di spingersi oltre ogni confine. Il tema centrale della poesia è il coraggio, un coraggio che non si misura in azioni terrene, ma in quell’amore che può liberare l'anima. Le immagini evocative, come il "destriero" che "fuggirà tristezza" e il "bruciare di sogni", danno un’idea di un viaggio mistico ed epico, in cui l’amore diventa sia la forza che la liberazione. La ripetizione del verso "io non tremo che per amore" sottolinea l’intensità e la centralità di questo sentimento, che spinge l'individuo a oltrepassare i propri limiti, facendolo entrare in una dimensione quasi trascendentale. È una poesia che esplora l’essenza dell’amore come forza pura e liberatoria.

• ''Alla maniera del limerich'' da Nelle nebbie" di Piero Colonna Romano

Questa poesia di Piero Colonna Romano ci porta attraverso un gioco di parole irriverente e pungente che critica l’attuale situazione politica e sociale. Il tono leggero del limerick, con il suo ritmo spensierato e la rima scorrevole, contrasta con la gravità dei temi trattati, creando un effetto di distacco ironico che rende ancora più incisiva la denuncia. La composizione passa in rassegna diversi aspetti della nostra società e della politica, con immagini che sembrano paradossali e assurde ma che raccontano una verità ben più amara di quanto il tono possa far credere.

Frasi come "Stiamo andando al funerale di un potere che sta male" e "Or che il fascio è ritornato" mettono in luce la decadenza e il ritorno di ideologie autoritarie. Ma l'uso di immagini come "mangerà del pane nero" e "farem dell'oca il passo" sdrammatizza, giocando con la realtà distorta che viviamo. L’ironia è una lente attraverso cui osserviamo un presente fatto di inganni, confusione e disillusione.

La poesia si fa voce critica contro un sistema che appare sempre più lontano dalla giustizia e dalla verità, ma lo fa con un sorriso beffardo, ridendo della stessa violenza politica e sociale che descrive. Il poeta riesce a bilanciare la leggerezza e la riflessione, come un funambolo che cammina sopra una fune tesa tra la speranza e la disillusione.

In questo gioco di parole e significati, la poesia di Romano non solo ci fa ridere ma ci invita anche a riflettere sul momento storico che stiamo vivendo, dove la parodia della realtà diventa la più cruda delle verità.

Con affetto e stima

vostro Ben Tartamo

• "Ti cerco tra la gente" – Melchiorre Ancona

Questa poesia è un lamento amoroso che scava nelle fibre più intime della perdita e dell'assenza. L'io lirico non si rassegna alla fine di un amore, trasformando il dolore in una ricerca perenne: l'altro non è mai completamente assente, è diffuso nel mondo, è impresso nella memoria urbana, nei volti estranei, nei suoni indistinti della città. Lo stile è colloquiale ma vibrante, con un lirismo doloroso che esplode nei versi più intensi: "Pensavo che ci saremmo amati così tanto / Invece, il tempo è infinito, tranne il nostro". L'immagine della telefonata "fredda, distante, definitiva" è la cesura emotiva che suggella l'ineluttabilità della separazione. Tuttavia, il poeta non può smettere di amare, e anzi si avvelena volontariamente di ricordi, in un paradosso emotivo che lo tiene in vita e lo distrugge. Questa è poesia dell’ossessione amorosa, del ricordo come condanna e rifugio. Un dolore senza redenzione, un amore spezzato che continua a vivere come un’ombra insistente nel quotidiano. Qui la scrittura è un monologo dell’anima, dove la perdita si trasforma in ossessione e in ricerca. L’autore tratteggia l’assenza come una presenza invadente, un’eco nei vicoli della città, un fantasma che si insinua nei volti sconosciuti. La frase più potente – "Il tempo è infinito, tranne il nostro." – sembra il sigillo di un destino ineluttabile, il fallimento dell’eternità nel cuore umano. L'amore, qui, è una condanna che non si scioglie né nell’odio né nell’oblio. La poesia è un requiem intimo, sussurrato tra i singhiozzi soffocati di chi si è arreso al proprio struggimento.

• "Poesie blu – Storiella di un capodoglio con gli attacchi di panico" – Alfonso Silvestre

Un esempio di poesia filosofico-esistenziale mascherata da parabola marina. Il capodoglio, metafora dell’anima che oscilla tra il desiderio di profondità e la necessità di riemergere, è una figura struggente nella sua goffa e grandiosa inquietudine. La ripetizione del movimento "avanti e indietro e su e giù" riproduce il respiro affannoso dell'ansia, il ciclo perpetuo della vita che si consuma nel tentativo di trovare un equilibrio impossibile. C'è un’ironia leggera, una malinconia sommessa che si fa strada tra i versi, e il lettore si riconosce nel mammifero marino che lotta tra due mondi, senza appartenere mai del tutto a nessuno. Un'opera che si muove tra simbolismo e poesia di pensiero, con una musicalità quasi onirica che avvolge e incanta. Insomma, un'opera in cui il corpo e la mente dialogano con il paradosso dell'esistenza: la pesantezza e la leggerezza, il respiro e l’apnea, la superficie e l’abisso. La metafora del capodoglio con gli attacchi di panico è una trovata geniale: un colosso sottomarino che, nonostante la sua imponenza, è schiavo di un’ansia invincibile. Il verso si muove a onde, come il respiro forzato dell’animale in un ciclo eterno di immersione e risalita. L'autore gioca con il ritmo, alternando movimenti lunghi e distesi a pause più affannose, quasi a riprodurre quel ciclo vitale ossessivo. È un’allegoria di chi vive sospeso tra due mondi, incapace di appartenere davvero a uno solo. La chiusa interrogativa lascia aperto il dubbio: siamo destinati a ripetere i nostri gesti all’infinito o troveremo mai una fine?

• "Sei troppo buona, sei troppo ingenua" – Sabatina Napolitano

Un inno all’amore come protezione, quasi un’armatura mistica che l’io lirico si assume come missione. Il tono è epico, quasi oracolare, e il poeta si erge a scudo contro la brutalità del mondo. Il suo amore è eroico, assoluto, sovrannaturale. Il verso "la mia perversione più grande / non è fare il mondo buono, / perché il mondo resterà infame, / ma è fare del mio cuore la culla della tua forza" è straordinariamente potente: l’amore non cambia il mondo, ma può creare un microcosmo inviolabile dove l’essere amato può esistere senza paura. Il ritmo è incalzante, scandito da affermazioni forti, senza esitazioni, come un giuramento solenne. Questa è poesia dell’amore che si fa missione, dell'uomo che diventa bastione contro il caos, un grido di dedizione assoluta e disperata. Un grido d’amore e protezione, un monologo di un uomo che si erge come baluardo contro la crudeltà del mondo. Qui la passione si mescola con un senso quasi cavalleresco di sacrificio: l’amante si fa eroe, pronto a soffrire ogni dolore della donna amata. I versi sono un vortice di forza e dedizione, eppure celano anche un'ombra di controllo: questo "eroe" non solo ama, ma vuole modellare, proteggere, trasformare. C'è un'ossessione nel possesso, nella volontà di plasmare l’altro con la propria presenza. L’amore qui è potere, è annullamento della volontà individuale. Eppure, nella sua grandiosità, è anche liricamente travolgente. Il tono messianico della chiusa – "Il mio amore è sovrannaturale, riesco a sentirti anche se tu credi che non mi sia possibile." – conferisce alla poesia un'aura quasi mistica, un amore che trascende il tangibile.

• "Haiku – More" – Salvatore Armando Santoro

Poche sillabe, eppure un universo si schiude. Il contrasto tra il fiore e la spina, tra la dolcezza della bacca e il tempo d’agosto, evoca il dualismo tra dolore e maturità, tra sacrificio e frutto. L’haiku, nella sua essenzialità, è una piccola epifania: il poeta non descrive, ma suggerisce, lasciando che il lettore completi l’immagine con la propria sensibilità.

• "Devozione" – Guglielmo Aprile

Questa è una poesia di redenzione: il mondo appare trasformato dall’amore, dallo sguardo dell’altro che diventa una lente capace di donare senso a ogni cosa. Il poeta accarezza la quotidianità con un velo di sacralità: il merlo ferito che torna a volare, il luogo abbandonato che rinasce, la bellezza nascosta nelle piccole cose. Qui la devozione non è sottomissione, ma riconoscenza per il dono dell’esistenza, resa degna di essere vissuta dallo sguardo della persona amata. L’ultima immagine è straordinaria: il mondo riflesso negli occhi dell’altro diventa fiore, e chi ne aspira il profumo è colto da un desiderio di piangere. È il pianto dell’anima che ritrova la sua casa.

• "Voglio vivere" – Franco Fronzoli

Questa poesia è un manifesto dell’essere, un inno alla libertà interiore. I versi si dispiegano come un viaggio esistenziale: il poeta vuole vivere tra il tumulto e il silenzio, tra la solitudine e il mistero della notte. Ogni strofa è un quadro, un frammento di esistenza dipinta con colori vividi. C’è un anelito quasi orientale nella ricerca della leggerezza, nella volontà di essere una foglia che cade in autunno. La poesia sfiora il misticismo nella sua tensione verso un’esistenza pura, slegata da vincoli e confini.

• "Credevo in te" – Samuele Cognolato

Qui la poesia diventa sfogo, confessione dolorosa di un’amicizia tradita. Il verso è crudo, diretto, senza artifici: il poeta parla con un tono quasi colloquiale, riversando sulla pagina il proprio disincanto. Non cerca metafore o simboli, ma l’immediatezza del sentimento. L’ultima strofa lascia aperto uno spiraglio di speranza, una possibilità di riconciliazione.

• "Congedo" – Santi Cardella

Un ultimo saluto, un congedo che ha la grazia di una preghiera e la nostalgia di un addio sussurrato tra le ombre della sera. La poesia è un ponte tra due rive: da una parte la terra natia, con il suo calore e le sue memorie; dall’altra, l’ignoto, l’ultimo viaggio, l’approdo a un nuovo orizzonte. Il poeta non teme il passaggio, non si ribella alla corrente del tempo: si abbandona ad essa con una serena accettazione, con la dolcezza di chi ha amato e vissuto. La chiusa è straordinaria: l’anima, nutrita di affetti, colori, profumi, spera di ritrovare i suoi amati nel "nuovo libro della conoscenza". Non è la fine, è solo un'altra pagina. Qui vibra la fede in una continuità dell’essere, in una dimensione oltre il tempo. È una poesia che si legge con il cuore colmo di gratitudine e con un velo di commozione.

• "E miele sarà" – Davide Paglionico

Qui siamo nel territorio del desiderio, dell’ossessione amorosa, della paura del distacco. I versi scorrono come un flusso di coscienza, con il ritmo incalzante di chi è smarrito tra il bisogno e il timore, tra l’attrazione e la fuga. C’è una vertigine in queste parole, un senso di precarietà: l’amore come altezza vertiginosa, il rischio di cadere, il bisogno di essere rassicurati ("Rilassami ti prego"). L'autore tratteggia un triangolo amoroso che si consuma tra la passione e la disperazione: "Ma siamo in tre, non vale". Il ripetersi ossessivo di "Io amo, Io amo, Io amo" è una dichiarazione che cerca di affermarsi contro il vuoto. Questa poesia è un grido d’anima che non si accontenta della carne, che rifiuta di essere solo macchina del sesso, che vuole qualcosa di più profondo, un amore vero, totalizzante.

• "Bacio sulla bocca" – Silvio Canapé

Un haiku dilatato, un’istantanea lirica che cattura la magia di un bacio giovanile. La brevità dei versi contribuisce a rendere l’immagine vivida, quasi cinematografica: il vento che irrompe come un messaggero del destino, l’albero che diventa complice silenzioso, la sospensione fisica e spirituale del momento. Qui non c’è analisi, non c’è introspezione: è pura esperienza sensoriale, un ricordo fissato nella carne e nel vento. L’uso di "veraci e giovani labbra" enfatizza il contrasto tra l’ardore della giovinezza e l’innocenza di chi vive l’amore ancora privo di delusioni. È una poesia che vibra di semplicità e bellezza.

• "Capitolo 3" – Enrico Tartagni

E qui il linguaggio si fa mistico, esoterico, cosmico. Siamo di fronte a una poesia che non descrive, ma rivela, che non racconta, ma esplora. Il poeta gioca con il tempo, con l’infinito, con il mistero della realtà. Letitbi diventa il simbolo di una coscienza superiore, di un’entità che percepisce l’eterno nel fugace, il divino nel quotidiano. Il verso "Uguale tu mio signore ne sei intriso" sembra una rivelazione gnostica, un richiamo alla consapevolezza di essere parte di un disegno più grande. La poesia si chiude con un’immagine potentissima: "Aspetteremo l’esplosione per poi tornare indietro...". È la teoria del tempo ciclico, dell’eterno ritorno, dell’universo che implode e rinasce. Qui il pensiero si fonde con la poesia, e il lettore resta sospeso, come su un tappeto cosmico che si disfa e si ricompone sotto i suoi piedi.

• Felice Serino – La Parola che Abita

Serino ci regala un frammento, una scheggia di luce incastonata nel verbo. La parola non è semplice segno grafico, ma forza trasfigurante che abita e si lascia abitare, un essere vivente che si manifesta in "luce di sangue". Siamo nel territorio del sacro, del verbo che si fa carne e che incide, nella sua nudità assoluta, il senso ultimo dell’esistere. Poesia essenziale, quasi zen, ma carica di una tensione interiore che rimanda alla mistica di Celan o Jabès.

• Armando Bettozzi – Il Carnevale Senza Maschera

La poesia di Bettozzi è un inno alla smascherata ipocrisia del mondo. Il dialetto romano diventa arma affilata, il linguaggio popolare si trasforma in registro di denuncia e sberleffo. Qui il Carnevale non è più momento di ribaltamento dell’ordine, ma la condizione permanente di un’umanità corrotta che si mostra senza più vergogna. "Sò facce vere, ma…però sò ffàrze!" – ecco il cuore del dramma: la verità è stata stravolta, la menzogna non ha più bisogno di celarsi. Il sarcasmo diventa dunque una forma di resistenza contro la manipolazione sistematica della realtà. Una lirica di profonda attualità, degna erede del Belli e di Trilussa.

• Laura Lapietra – Milleflua Reminiscenza

Se Bettozzi affonda il bisturi nella carne viva del sociale, Lapietra si muove su un piano diametralmente opposto, quello della memoria liquida, dell’amore sublimato e perduto. La sua poesia è un affresco impressionista, dove il tempo sfuma in evanescenze verbali. La "gragnola" diventa pioggia di ricordi, il cuore "arso dal freddo" ci consegna un’anima inquieta, divisa tra il desiderio di trattenere e l’inevitabile dissoluzione. Qui la lezione di Ungaretti si mescola alla musicalità di un Leopardi notturno, creando un’atmosfera di struggente sospensione.

• Piero Colonna Romano – Le Comiche Finali

Ed eccoci infine alla satira politica, tagliente come una lama affilata. Il verso di Colonna Romano danza tra il grottesco e il tragico, consegnandoci un’Italia teatrino dell’assurdo, dove i ministri non comprendono ciò che dicono e le "manine" diventano entità oscure che riscrivono la realtà a loro piacimento. La chiusa, che gioca sull’acquiescenza del "popolino", è amarissima e lucida, in perfetto stile menippeo. Il sarcasmo qui si fa necessità, ultimo baluardo della coscienza contro l’inarrestabile degrado della politica-spettacolo.

• Ciro Seccia – La mia Anima

La poesia di Seccia è un grido soffocato, un lamento che squarcia il silenzio. L’anima, "graffiata dal dolore", è privata della sua linfa vitale, lontana dalla terra natale, dalle radici e dall’affetto. Il tempo si contrae, il distacco dal figlio diventa una lacerazione profonda, un abisso che si spalanca nel cuore. La ripetizione dell’inevitabile separazione amplifica il senso di impotenza, mentre le lacrime diventano il solo linguaggio possibile. Un dolore che riecheggia nei versi di Hikmet e nei lamenti della poesia mediterranea, carica di nostalgia e di un senso tragico dell’esistenza.

• Laura Toffoli – Gotica estasi

Qui siamo immersi in un paesaggio crepuscolare, tra "bigie perle" e "spire nebbiose". Toffoli ci trasporta in un mondo onirico, dove la luce si fa intermittente e il tempo pare sospeso. Il lampione, acceso "a tratti", è metafora di un’esistenza che si accende e si spegne, mentre il cercatore di vittoria lotta contro un destino implacabile. La sintassi spezzata, il susseguirsi di immagini evocative, creano un’atmosfera quasi simbolista, in cui il reale si sfalda per lasciare spazio a una percezione liquida e sfuggente del mondo. Qui la poesia non racconta, ma suggerisce, evocando un senso di malinconica attesa.

• Alessio Romanini – Il Poeta ripudia la guerra

Romanini alza la voce in un canto di resistenza. Il poeta, custode della bellezza, non può accettare la guerra, perché egli ama la vita. Ma non è un rifiuto astratto: il poeta sa che la morte lo attende, che ogni uomo siederà al "banchetto" del destino. Eppure, nel suo rifiuto della violenza c’è una forma di rispetto assoluto per l’esistenza. I versi, semplici e diretti, richiamano la lezione di Ungaretti e Quasimodo, poeti che hanno saputo trasformare l’orrore della guerra in una riflessione universale sulla condizione umana.

• Antonia Scaligine – Diceva una vecchia canzone

Il tempo di marzo è ambivalente, sospeso tra la promessa della primavera e la minaccia della guerra. Scaligine intreccia il ciclo naturale con la realtà storica, ricordandoci che marzo non è solo il mese della rinascita, ma anche il mese di Marte, il dio della guerra. La poesia gioca tra immagini luminose e ombre minacciose: il sole che si toglie il cappotto è il presagio della bella stagione, ma sui "titoli di coda" della storia si ripetono sempre le stesse tragedie. La lirica, nel suo alternarsi di rime e di immagini vivide, ci lascia in bilico tra speranza e consapevolezza, tra la bellezza della natura e l’eterno ritorno della violenza umana.

• "Ieri e oggi" di Sandra Greggio

...Il sole infuocato che non può essere di oggi! Come può esserlo un passato che scivola via, se non in un'eco di memoria? La rosa rossa che ci riporta a una stagione in cui l'amore, come un tramonto eterno, illuminava il cammino verso il futuro. Qui il tempo si fa carne, le sue fragranze ci sfiorano come polvere d'oro, ma ormai è lontano. Il vento che piega le fronde è il vento di un tempo che non si ripete, ma che nonostante tutto ci segna, facendoci piangere, non di dolore ma di quella dolce malinconia che accompagna ogni addio a ciò che è stato.

Ogni parola qui è un gesto di separazione. Non è più la vita vissuta insieme, ma un'ombra di quella vita. "Colorandola d'arcobaleno": ah, quale simbolo meraviglioso di un'armonia passata, di un incontro che continua a risuonare nei cuori, ma che si è perso nel tempo come un arcobaleno che si dissolve all'orizzonte. La poesia è il sospirato ricordo di un amore che ora è solo memoria, ma che brucia ancora dentro, scaldando la solitudine con un dolce rimpianto. Un'ode alla perdita, sì, ma anche alla bellezza che la perdita porta con sé.

• "il nostro corpo fugge l'oscurità" di Jacqueline Miu

Nella poesia della nostra Jacqueline, accade come se fosse il corpo stesso a scappare dalla tenebra e l’anima a cercare in un gioco senza memoria quella verità che si sfugge tra le pieghe della vita! La vita è sempre un mistero, e l'uomo corre verso la gloria, pronto a rischiare la propria esistenza. Ecco il primo grande contrasto: il corpo fugge l'oscurità, ma la sua anima è intrappolata in un gioco che non ha regole. Il dolore, qui, diventa il contesto in cui la gioia riesce a farsi sentire, come se i compleanni, simbolo di rinnovamento, fossero anche le uniche occasioni in cui la gioia e il dolore potessero incontrarsi. Ma lo fanno solo in un gioco di specchi: il dolore si fa spazio tra la luce come un'ombra che ci accompagna sempre.

Le "bestie" sotto le rotaie dei sogni sono la verità scomoda, la nostra paura che ci assilla nel profondo. Corriamo verso un treno, ma non per salvare noi stessi: corriamo per sfidare la morte, per sfidare la nostra condizione umana. La bandiera che non deve toccare il suolo è il simbolo di una battaglia che forse non vinceremo mai, ma per la quale siamo disposti a versare il nostro sangue.

E poi, oh, gli uccelli, leggeri come la vita stessa, ma feroci nel loro volo, in cerca di una meta che, forse, non esiste. Ecco la vertigine della poetessa: un inno all’assoluto, un cammino verso un orizzonte che non si raggiunge mai. L'immagine dell'alba che si prepara a bruciare le illusioni prima di iniziare il nuovo giorno è una visione apocalittica, un annuncio della fine del mondo e della rinascita. L'incendio purificatore dell’alba, che abbraccia le illusioni e le dissolve.

"Arrivano come comete ma restano come sogni." E qui, nella conclusione, c'è il rimpianto più bello: gli incontri, le esperienze, le epoche della nostra vita, si accendono come comete, ma svaniscono come sogni al risveglio. Ma, nel loro passaggio, lasciano una traccia indelebile, un'emozione che persiste, a dispetto di tutto.

Con affetto e stima

Vostro Ben Tartamo

• Appassiti Ricordi – Laura Lapietra

La poesia di Laura Lapietra si dipana come un tessuto fragile di memoria, come un ordito sottile che intesse e disfa la trama dell'anima. "Appassiti i ricordi" rappresenta la consapevolezza dolorosa dell'irreversibilità del tempo, quella che si fa carne e respiro nelle immagini dei "fiori secchi" e delle "pagine antiche", simboli di un passato che non tornerà, ma che persiste come un "omertoso velo di malinconia". Il poeta si rifugia tra le pieghe di un'interiorità chiusa, un riflesso di un'epoca che è andata, ma che non può essere dimenticata, rimanendo impressa nell’essenza stessa del cuore.

L’uso delle immagini di "rughe", "polverio" e "ombre" in controluce conferisce alla composizione una qual certa aura di ineluttabile desolazione. L'eco dei "vecchi amori" non è solo ricordo, ma una presenza che incide, quasi come un archetipo della sofferenza romantica. L’invito del poeta è a lasciare che queste ombre persistano, nonostante la consapevolezza che "non saranno più letti dal mio cuore". La sofferenza della perdita, che si manifesta attraverso il contrasto tra la luminosità della memoria e la pesantezza della nostalgia, affonda nella realtà di un cuore fragile, esposto al tormento di interrogativi irrisolti.

•  Spiragli di luce – Giuseppe Stracuzzi

Giuseppe Stracuzzi, nel suo "Spiragli di luce", dipinge un percorso del tempo che è insieme fisico e metafisico, un viaggio attraverso le stagioni della vita e, al contempo, un'analisi del trascorrere del tempo che influenza l'anima. Il poeta, con l’ausilio di immagini solari e naturali, traccia un arco che dalla "primavera" festosa si estende verso l’ineluttabile "tramonto", segno di una riflessione matura sulla fugacità del vivere. La poesia si nutre di un linguaggio evocativo e sfumato, dove ogni stagione non è solo un cambiamento naturale, ma anche un simbolo del mutare interiore dell’individuo.

La luce che "indora i colori della vita" è quella che accende le speranze, ma anche quella che, con la sua discesa nel "tramonto", annuncia la fine di ogni esaltazione. Il poeta, che vede nel "mistero" il nodo centrale della sua ricerca, lascia intravedere tra le righe una fiducia incerta ma persistente in una fede che traspare da "spiragli velati". La luce diventa, così, non solo un segno di vita, ma anche di speranza che si rinviene tra le pieghe del tempo.

•  Poesie blu – Alfonso Silvestre

In questo componimento di Alfonso Silvestre, la poesia si trasforma in un vero e proprio viaggio fisico ed emotivo, dove l’autore, attraverso la metafora del "salire le scale del monte Echia", traccia il percorso di una ricerca interiore che culmina nell’esperienza di un’apoteosi fisica e spirituale. L’idea di un’ascensione, che inizia con la fatica del corpo ("sudore imperla la mia fronte") e termina nel trionfo spirituale della vetta, ci introduce in un’intensa riflessione sulla lotta per il raggiungimento di un ideale.

La montagna diventa il simbolo del desiderio, il "nettare" che il poeta cerca di "emergere" per superare i limiti fisici e diventare una parte della terra stessa. La "collana" di gocce che si forma sul suo petto assume una valenza simbolica, diventando il segno della fusione con la montagna, con il "luogo" del desiderio, che sfuma però nel mistero di ciò che non è del tutto conosciuto. La natura si fonde con l’individuo, le "gocce blu" diventano una visione onirica della ricerca interiore, mentre la "vetta" è una meta intangibile, che ci sfugge ma al contempo ci incanta.

•  I tuoi oggetti in questa casa – Sabatina Napolitano

In questa poesia intima e struggente, Sabatina Napolitano dipinge l'amore in modo sensoriale e corporeo, in una simbiosi totale tra l'autore e la sua amata. Il "regno dei miei desideri" che la casa diventa è l'emblema di una fusione fisica e mentale: ogni oggetto è impregnato di "presenza" e ogni gesto è un atto d'amore che si trasforma in una continua rinascita. Il legame tra il poeta e la figura della donna è totale, quasi ossessivo, ma nel contempo estremamente tenero, come testimonia la ripetizione del gesto d'amore che sfocia nel desiderio di una vita condivisa.

L'oggetto, il "marrone a fiori", è l'emblema di una quotidianità tanto concreta quanto intrisa di simbolismi: rappresenta la donna, la sua maternità e l'amore che continua ad albergare nel cuore. La casa, luogo della fusione tra il corpo e lo spirito, diventa l'oggetto stesso di un amore che si estende a ogni angolo, a ogni porzione di spazio. È una poesia di sottomissione, ma anche di celebrazione, dove il poeta si sente parte integrante di una realtà più grande di lui. Il linguaggio stesso è palpabile, sensuale, e rivela la profondità della relazione, che va oltre il corpo e si inscrive nell’essenza stessa del desiderio e dell’identità condivisa.

•  Le nostre mani strette – Fausto Beretta

Questa poesia è un inno all'intimità e alla rassicurante presenza dell'altro in momenti di vulnerabilità. "Con le nostre mani" è l’immagine centrale che simboleggia il legame indissolubile tra due esseri che, pur nel buio della notte, si sostengono a vicenda. L'autore descrive con delicatezza la forza di quel gesto, un atto semplice ma carico di significato, che abbraccia la totalità dell'esperienza umana: la paura, la speranza, la fiducia nel nuovo giorno che verrà.

Le mani strette sono l'immagine di un contatto che si fa custode della vita, un simbolo del reciproco sostegno nelle difficoltà quotidiane. La poesia si snoda tra luci e ombre, tra la quiete della notte e la luce di un “nuovo domani”, in un movimento continuo verso la speranza. La delicatezza con cui si affrontano i temi della paura e delle incertezze della vita, attraverso un’immagine universale come quella delle mani che si stringono, è una testimonianza della capacità della poesia di tradurre in parole ciò che è intimamente universale e profondo.

•  Dissolvenze – Salvatore Armando Santoro

Nel "Sonetto ritornellato", Salvatore Armando Santoro crea un paesaggio emotivo fatto di memoria e di rimpianto, dove il passare del tempo e la fine di una storia amorosa vengono raccontati con una sintesi precisa, capace di restituire il sapore amaro di un addio che, pur non essendo definitivo, si tinge di malinconia. La figura della ragazza, "un po’ sconclusionata", risalta per la sua imperfezione, segno di una relazione che, pur avendo avuto un inizio pieno di promesse, si è dissolta, lasciando solo il ricordo di una telefonata e di una promessa che il tempo ha lentamente estinto.

Il tema centrale della dissolvenza, che si riflette nel titolo stesso, è quello della fine delle cose, ma anche della loro persistenza nel ricordo. Il poeta riesce a tradurre in immagini l’ambiguità dei sentimenti umani, dove il tempo non è solo un nemico, ma anche una forza che svanisce, pur lasciando dietro di sé tracce che continuano a vivere nell’eco della memoria.

•  Crocevia dei venti – Guglielmo Aprile

In questa poesia, Guglielmo Aprile ci regala un viaggio metafisico e suggestivo, dove il poeta si mette in cammino alla ricerca di un amore perduto o forse mai davvero raggiunto. Il "mare" e la "Via Lattea", insieme ai "labirinti" e alle "orme", sono tutti simboli di un cammino interiore, un percorso tortuoso verso una destinazione che appare sfuggente ma allo stesso tempo magnetica. Le immagini di una ricerca incessante, di un "zenith dei miei passi" che incarna l’apice della speranza e del desiderio, rendono la poesia un’esplorazione dell’anima che cerca di trovare la sua completezza.

L’utilizzo di immagini potenti, come la "croce" e la "foce", conferisce alla poesia una dimensione quasi epica, dove il poeta si scontra con le forze universali del destino e della natura. Ogni passo del poeta è un atto di consapevolezza della propria vulnerabilità di fronte all’infinito, ma anche un atto di fiducia verso il mistero che guida il suo cammino. È una poesia che esplora il concetto di amore come viaggio verso l’ignoto, dove ogni incontro e ogni separazione è una tappa di un ciclo che non si conclude mai.

•  Amore che viene amore che va – Franco Fronzoli

L’amore è il cuore pulsante di questa poesia di Franco Fronzoli, che esplora la sua dinamica di continuo ritorno e partenza, di attesa e di speranza. La poesia, seppur radicata nel dolore della separazione, esprime una visione della relazione come qualcosa che, nonostante le sue fluttuazioni e la sua mutevolezza, resta intrinsecamente legata al destino dei protagonisti. Il poeta non desidera comprendere il perché della partenza, ma vive nella consapevolezza che l’amore, in qualche forma, tornerà. Questo ritorno è simbolicamente rappresentato attraverso immagini di luoghi condivisi, come il "viale" e il "prato", che diventano luoghi di attesa e di rifugio per una relazione che non si conclude mai veramente.

L’amore, dunque, si fa memoria e anticipazione. La ripetizione dell’idea del ritorno nelle sue forme più emblematiche – il mare, il tramonto, la primavera – diventa l’archetipo della continuità del sentimento, che non può mai essere davvero estinto, ma si rinnovato continuamente, come la luce che torna ogni mattina. La poesia, nel suo andamento lirico e dolente, si tinge di un silenzio carico di emozione, dove il ricordo si fa forza che sostiene la speranza di un incontro che deve ancora arrivare, ma che è già scritto nell'anima.

• "Io sono" – Cristiano Berni

Un inno identitario che si costruisce attraverso contrasti e paradossi, come un'eco dell'Io universale che abbraccia ogni polarità dell’esistenza. Il poeta si fa specchio delle ambivalenze umane: il candore e l’inganno, la bellezza e la miseria, la gioia e la noia. Il tono è assertivo, ma con un retrogusto quasi biblico, come se stesse elencando i nomi segreti di un Dio frammentato. Il verso finale racchiude la chiave: l’essere non è definito dalle parole, ma dal vissuto. Questo “sarò la vita che vivrò” è una professione di fede nell’esistenza, un atto di volontà che rifiuta il determinismo per abbracciare la costruzione continua di sé.

• "Onirici vascelli" – Aurelio Zucchi

C’è una malinconia liquida in questi versi, un flusso nostalgico che ondeggia tra il sogno e il ricordo. Il mare diventa il grande confidente, un interlocutore primordiale con cui l’anima si misura nei momenti di smarrimento. La poesia è un viaggio metafisico: si parte dalla malinconia e si arriva a un silenzioso ammonimento del mare, che ci dice di non cercare risposte tra le ombre della memoria, ma nella vita stessa. Il finale è struggente: il poeta conosce quel mare, ma non lo vede da troppo tempo. È il simbolo di un’assenza dolorosa, la separazione tra ciò che siamo stati e ciò che siamo ora.

• "Capolavoro" – Aldo Fontanazza

Un canto lirico all’arte e all’amore, due forze che si sovrappongono fino a fondersi. Qui il poeta è un pittore, ma il pennello è intriso di nostalgia e desiderio. La figura amata è evanescente, sfuggente, come un’epifania che si dissolve nell’ombra. La tela è il luogo della resistenza, dove il ricordo tenta di fissare ciò che la vita ha reso irraggiungibile. I versi finali portano una dolcezza struggente: l’immagine finalmente si imprime, si fa eterna, suggellando il potere della creazione artistica di vincere il tempo. Una poesia di squisita delicatezza, quasi rinascimentale nel suo impianto.

• "Dentro al nostro cuore" – Samuele Cognolato

Un testo di carattere più dichiaratamente motivazionale, dove il cuore diventa il tempio dei sogni e delle ambizioni. L’intento è chiaro: spronare il lettore a non arrendersi, a coltivare la speranza, a credere nella propria strada. Tuttavia, il tono didascalico potrebbe lasciare il lettore più raffinato con la voglia di una maggiore ricerca formale. La forza del componimento sta nella semplicità del messaggio, che ricorda la saggezza popolare: chi non lotta, ha già perso.

• "Preghiera dispersa sulle ali del vento" – Silvio Canapé

Questa poesia è un lamento dell’anima, un'invocazione che si dissolve nell'indifferenza dell'universo. Il poeta è un viandante della notte, un pellegrino che cerca un segno, un occhio che tutto vede, ma che non appare. Il paesaggio è spettrale: le stelle si spengono, le ombre resistono, il peso del cielo è opprimente. Il cuore di questa poesia sta nel senso di solitudine cosmica, nell’angoscia esistenziale di chi prega senza ricevere risposta. È un testo che richiama l’estetica dell’ermetismo e delle grandi notti insonni di Ungaretti.

• "Mattone di poesie" – Felice Serino

Una riflessione metapoetica che gioca con il concetto di scarto e rivelazione. Il poeta si interroga sulla natura della sua scrittura, sul rischio di esporre il proprio intimo alla luce impietosa della critica. Eppure, c’è un’idea rivoluzionaria qui: anche i versi nati nell’incertezza, nel dormiveglia, sono tracce della bellezza dell’angelo. La poesia non è solo perfezione, ma anche errore e frammento. Un monito per chi, nell’arte, cerca solo la lucidità e non anche l’incandescenza dell’istinto.

• "Fatti, una poesia" – Armando Bettozzi

Qui entriamo in un terreno più politico e satirico, dove il linguaggio oscilla tra il registro alto e quello popolare. Il poeta denuncia il potere che si appropria di parole come “libertà” e “democrazia” per giustificare imposizioni e pensieri unici. C’è un’ironia graffiante nel passaggio dialettale, che sembra voler svelare l’assurdità di certi meccanismi politici. L’idea di un mondo esasperato dall’eccesso di manipolazione è potente e attuale. Il finale lascia un interrogativo: quanto ancora potrà reggere questa illusione?

• "La confessione di Barnaba" – Jacqueline Miu

Un capolavoro visionario, un delirio poetico che si muove tra la dannazione e la redenzione. Barnaba è un’anima tormentata, un profeta decaduto, un indovino fragile che si lascia consumare dai suoi stessi sogni. Ogni verso è una confessione di debolezza e di umanità, ma anche di un’intensa bellezza tragica. Il poeta è colui che cade, che si smarrisce, che sente il peso della follia, ma che non rinuncia alla speranza. C’è un’eco dostoevskiana nella disperazione di Barnaba, e una promessa struggente negli ultimi versi: finché il sole sarà un termosifone per il cuore, l’amore continuerà a esistere.

• "Le cosmicomiche" – Piero Colonna Romano

Un sonetto dal sapore satirico e mordace, che gioca con l’ironia politica per denunciare l’inconsistenza di certe alleanze. Il tono è acre, quasi pasquinesco, e richiama la tradizione del sonetto polemico che riecheggia la voce di Giuseppe Gioachino Belli. La strofa iniziale è un colpo di fioretto: l’uso del termine "comico minore" per designare l’origine di questa classe politica è una stilettata degna della miglior satira ottocentesca. L’ultimo verso della seconda quartina racchiude tutta la tragedia della politica italiana: l’elettorato, visto come un ingenuo bambino che si lascia illudere dalle “caramelle”. Il richiamo alla storia, che si ripete come farsa, è quasi marxiano, e il tono di disillusione totale rende questa poesia una denuncia sociale senza speranza di redenzione.

• "Vorrei" – Ciro Seccia

Un inno nostalgico, intriso di dolcezza e rimpianto per un tempo perduto. La struttura anaforica del “vorrei” crea un effetto di preghiera laica, un’invocazione alla bellezza semplice della vita. La prima parte è un affresco lirico: il mare che abbraccia l’anima, la luna che sorride d’amore, il sole che canta. Sembra di trovarsi di fronte a una visione impressionista, una serie di pennellate leggere e luminose che evocano un mondo incantato. Ma poi arriva la svolta: il poeta non vuole solo paesaggi poetici, vuole il ritorno dell’infanzia, di una dimensione pura e autentica, dove il gioco era inventiva e la famiglia era un’unità sacra. Il contrasto con la modernità è netto e doloroso: lo smartphone e la Playstation sono il simbolo di una distanza incolmabile tra passato e presente. Il finale, con quel monito rivolto ai giovani, trasforma la poesia in una meditazione sul tempo e sulla caducità della vita.

• "Sensazione d’un passo passato" – Laura Toffoli

Un testo denso, rarefatto, quasi ermetico, che gioca con immagini evanescenti e sospese. La poesia è un'atmosfera più che una narrazione, un sogno in dissolvenza che si aggrappa a simboli di transitorietà: le “bigie perle” che evocano lacrime o stelle inquinate, il “velo notte” che tutto avvolge, il “lampione acceso a tratti” che balbetta luce come un cuore stanco. L’uso del lessico è raffinato e ambiguo: i “sassi tra asfalti scoppiati” potrebbero essere metafora di una città ferita, di un’anima spezzata. La chiusa è struggente: il tempo è ormai sazio di vita, l’ultima immagine è quella di una nebbia che inghiotte il tutto. Un piccolo gioiello di impressionismo poetico, con una malinconia che rimane impressa come un’ombra.

• "Alla dolce Meringa" – Alessio Romanini

Un tenero ritratto dell’amore incondizionato tra l’uomo e il suo fedele compagno a quattro zampe. La poesia è semplice, quasi infantile nel suo candore, ma proprio per questo autentica. La struttura richiama una filastrocca affettuosa, dove la ripetizione di “compongo” crea un senso di ritualità. Il poeta non è mai solo: accanto a lui c’è questa dolce presenza che veglia, che ascolta, che dona amore silenzioso. La personificazione della cagnolina (“tu miri con dolcezza”) rende il legame quasi spirituale, come se fosse un piccolo angelo custode. Un componimento delicato e sincero, che sa emozionare senza artifici retorici.

• "Il tempo puntiforme" – Roberto Soldà

Un'opera che si apre con la solitudine della penombra e l'ingresso delicato dell'alba, metafora di un incontro tra passato e presente. La "punctualità" del tempo, che assume una forma puntiforme, ci indica un tempo che è simultaneamente vasto e minuzioso, come un'infinità di piccoli momenti. Il poeta si immerge nella sua riflessione, lasciandosi trasportare dall'ippica come metafora di un movimento eterno, di una "corsività" che attraversa il tempo stesso. Le "care fedelissime" Poesia e Pittura sono le sue compagne di viaggio, e questo ritorno al passato sembra suggerire una sorta di resistenza alla modernità, una ricerca di radici in un mondo che ormai non è più il suo. Un'invocazione profonda alla "muletta docile" del lavoro rurale che, tuttavia, lascia spazio alla speranza di un legame con l'arte, il gesto simbolico che perpetua la memoria del passato. La lirica si fa anche riflessione intima e personale, ma sempre senza distacco dal mondo che lo circonda.

• "Solletica il naso" – Antonia Scaligine

La poesia inizia con una vibrante esplosione sensoriale: il "carnevale festeggiamento gagliardo" introduce subito un'atmosfera festosa e vivace, un tripudio di colori, danze e maschere. Ma non è solo la gioia della festa a dominare: sotto le risate e il frastuono, il poeta lancia una riflessione critica sul potere, l'ipocrisia e la falsità dei governanti, mascherati non solo a Carnevale, ma nella loro quotidianità. La "maschera vera" è quella dell'inganno, un'immagine che emerge prepotentemente tra il "dileggio" e la disillusione sociale. L'elemento finale del "Mistero" e della fragilità umana sfocia in un invito a vivere con dignità, anche di fronte alle "ceneri". La poesia si inserisce tra il sociale e il riflessivo, invitando a non dimenticare le ombre che si nascondono dietro le luci della festa. La critica politica si intreccia con la consapevolezza della finitudine, portando il lettore a una riflessione che trascende il contesto carnascialesco.

• "Flash" – Sandra Greggio

Un lampo di luce, un "tripudio di raggi di sole" che si trasforma in nutrimento per i gabbiani, in un'armonica fusione tra natura e spirito. La poesia si raccoglie in immagini brevi, rapide, come scatti fotografici che fissano momenti essenziali, forse per dire che la bellezza della vita si nasconde nelle cose più semplici e veloci. I raggi di sole diventano un "cibo" per i gabbiani, che sono essi stessi simboli di libertà e di movimento. Non c'è tempo per riflessioni lunghe, solo il flusso della vita, che passa veloce e fluido. Le immagini sono rapide, ma potenti: il "nutrimento" è un gesto che unisce il cosmo e la terra, il divino e l'umano. È una poesia che celebra il presente, il qui e ora, con una vibrante intensità che sembra voler congelare in pochi versi l'eternità di un momento.

Con affetto e stima

Vostro Ben Tartamo

• Sberleffa, vecchio
  Autore: Armando Bettozzi

Il poeta Bettozzi si confronta con il tema dell'invecchiamento, ma con uno sguardo che va oltre la decadenza fisica. La figura del "vecchio" diventa emblema di saggezza e resistenza, un soggetto che, nonostante i giudizi superficiali degli altri, conserva nel cuore e nella mente tesori di esperienza e conoscenza che nessun "scemo" può toccare. La riflessione sullo specchio si fa metafora di un processo di auto-riconoscimento, dove l'aspetto esteriore svanisce ma l'interiorità rimane, rinvigorita dalle esperienze passate. È un invito a sorridere di sé stessi, a non farsi sopraffare dalle apparenze, ma a riconoscere il valore di ciò che resta quando tutto il resto è perduto.

• hay(na)ku
  Autore: Laura Lapietra

La poesia di Lapietra si inserisce nel genere del "hay(na)ku", un tipo di poesia che si sviluppa in tre versi e che qui esplora l'intensità della percezione. Le immagini che la poetessa evoca sono enigmatiche e cariche di tensione: "placido scalpore assopito" suggerisce una calma inquieta, come se un rumore sommesso stesse per esplodere in un silenzio che non è mai veramente tale. Il "coriaceo cielo" diventa simbolo di una realtà resistente, che non si lascia facilmente influenzare. In questi pochi versi, la poetessa riesce a catturare l'idea di un mondo sospeso, dove il passaggio tra ciò che è visibile e ciò che è nascosto è sfumato e impercettibile. La sintesi di questi elementi è la bellezza intrinseca della poesia, un concentrato di sensazioni ambivalenti.

• Le cancellature
  Autore: Giuseppe Stracuzzi

La poesia di Stracuzzi affronta il tema della revisione e del fallimento, ma con una visione che trasforma l'errore in parte di un ciclo continuo. Le "cancellature" diventano simbolo del tempo che scorre e che cancella, ma anche della possibilità di rivedere e riscrivere la propria storia. Il "mare di cancellature" è il fluire di un processo di correzione incessante, mentre l’immagine della spoglia che "seppellisce il tempo" suggerisce la costante mutabilità della vita. Tuttavia, nonostante i tentativi di annullare e correggere, la memoria e l’esperienza si consegnano all'infinito, come un diario che non smette di essere scritto, lasciando segni che si rivelano e si ricompongono nel tempo. La poesia invita a vedere l’errore non come una fine, ma come una nuova possibilità di comprensione e crescita.

• Poesie rosse
  Autore: Alfonso Silvestre

La poesia di Alfonso Silvestre si fa metafora potente di un cuore che esplode, con una raffigurazione intensa della sofferenza e della ricerca di se stessi. L’immagine del cuore, prima in espansione, poi affaticato, e infine esplosivo, ci introduce a un mondo interiore in continua evoluzione. La "grande esplosione" diventa simbolo di una liberazione, ma anche di una perdita, e lascia dietro di sé una scia di frammenti da ricercare e raccogliere, come un naufrago alla ricerca di ciò che resta di sé. Il poeta si trasforma in un "cardionauta", una figura che esplora le profondità emotive e spirituali, un viaggio attraverso le tensioni tra l'inizio e la fine, tra l’espansione e il ritorno all'origine. Il cuore, pur esplodendo, non cessa mai di esistere: anzi, la ricerca dei suoi pezzi diventa un atto di rinascita, un tentativo di rimettere insieme il sé frammentato.

• Il venerdì per me è come gli altri giorni
  Autore: Sabatina Napolitano

Sabatina Napolitano ci regala un'ode al desiderio, all'amore che si nutre di piccole cose, di gesti quotidiani che, pur nella loro apparente normalità, sono carichi di significato. La poesia, intrisa di passione e intensità, dipinge un amore profondo e totalizzante, dove l'autrice non cerca solo il corpo dell'amato, ma una fusione completa, un'osmosi tra due esistenze che si sovrappongono. La ripetizione della parola "cadrai" evoca inevitabilità, come se l'amore fosse una forza irresistibile che, pur nel suo essere "disperato e fragile", muove tutto. L’immagine della "tana" senza l’altro, delle mani vuote quando non sono sul corpo dell’amato, accentua il desiderio di un'unione totale, di un annullamento del sé in funzione dell'altro. Il linguaggio che si fa intenso e fisico, fatto di "oggetti" che vengono posseduti dall'altro, evidenzia un amore che esige una completa perdita di sé, una perversione che si fa anche dolce e profondamente sensuale.

• La nebbia e l'incontro
  Autore: Fausto Beretta

In "La nebbia e l'incontro", Fausto Beretta cattura l'emozione di un incontro che è accompagnato dalla distorsione della nebbia, simbolo di incertezze e di una realtà che sfuma. Il velo che copre la strada diventa metafora del velo che si stende tra il poeta e l'oggetto dell'incontro, un incontro che avviene non con un "sconosciuto" nel senso più pieno, ma con qualcosa di sconosciuto dentro di sé, un'attesa che si fa rassegnazione. Il "malavoglia" suggerisce una sorta di disincanto, l'incapacità di affrontare con entusiasmo ciò che ci si trova davanti, ma il poeta si prepara comunque, come chi sa che l’incontro è inevitabile, pur nella sua opacità. La nebbia non svela, ma avvolge, e l’incontro che si prefigura non è chiaro, ma sospeso in una dimensione quasi onirica. L'immagine che Beretta crea è delicata ma piena di tensione, come se il vero incontro fosse quello con noi stessi, che si svolge nell'indistinto.

• Castrovillari
  Autore: Salvatore Armando Santoro

In questa poesia, Santoro dipinge un ricordo malinconico di una vita passata, fissando nella memoria il volto di una donna e i giorni trascorsi a inseguire un amore che ormai si è dissolto nel tempo. L'autore si aggira tra i luoghi di un passato che appare vivido eppure sfuggente, intriso di speranza e di sogni non realizzati. Il sorriso della donna diventa un simbolo di un ideale di amore che ancora lo perseguita, mentre i luoghi evocano una nostalgia per un’esistenza che non è mai stata pienamente vissuta. La poesia si fa un viaggio attraverso il tempo, dove la "carezza, una parola stanca" sono i segni di un invecchiamento lento e ineluttabile, e la "speranza che ogni giorno manca" è l'eco di una giovinezza che sfuma tra le rughe e le esperienze accumulate. Santoro, con un linguaggio semplice ma ricco di immagini, ci fa partecipi di una riflessione sul passare del tempo e sul desiderio di un amore che rimane intatto nel cuore, anche quando tutto il resto sembra svanire.

• È a te che tutti i miraggi conducono
  Autore: Guglielmo Aprile

Aprile crea un mondo intriso di simboli e immagini evocative, un universo in cui il poeta è falena e l'amato è fiamma, un incontro destinato a bruciare e dissolversi, ma che si fa eterno nella sua bellezza struggente. La "gabbia di specchi" diventa il luogo della riflessione, in cui la figura del desiderato appare e scompare, sfuggente e inafferrabile, come un miraggio che non può mai essere realizzato. La poesia esplora il tema della ricerca incessante di qualcosa che sfugge sempre, come la perla nascosta nella conchiglia, simbolo di un desiderio che non trova mai piena soddisfazione. Aprile coniuga il mito della falena e della fiamma con l'idea del miraggio, mettendo in scena una tensione tra il desiderio ardente e l'impossibilità di raggiungere ciò che si desidera. L'autore riesce a trasmettere una sensazione di eternità nel transitorio, di bellezza nel non raggiungibile, in un gioco di immagini che si intrecciano e si dissolvono.

• Capitolo 2
  Autore: Enrico Tartagni

La poesia di Tartagni si fa una riflessione profonda, esistenziale, su un mondo che appare caotico e senza direzione. Con immagini che richiamano la vastità e la confusione dell'universo, il poeta esplora la condizione dell'uomo di fronte alla Morte, alla quale si accosta con una sorta di impotenza cosmica. La "genopoiesi della Morte" si presenta come un principio creativo ma anche distruttivo, che domina l'esistenza dell'autore, imprigionato in un "universo senza meta". La figura della "Beltà", così distante, rappresenta un ideale di bellezza e verità che sembra sfuggire a chi cerca di afferrarla. Le "scale d'astri" e le "costruzioni d'un inadempiuto dio" evocano un mondo incompleto e disturbato, in cui la creazione stessa appare come un fallimento. La sensazione di dissoluzione e di caos regna sovrana, e il poeta si sente intrappolato, incapace di uscire dalla propria condizione. Le immagini potenti e le parole spezzate contribuiscono a creare un’atmosfera di angoscia esistenziale, in cui la ricerca di senso e di bellezza si perde tra le pieghe di un universo che sembra morire e rinascere senza fine.

• Avrei tanto da dire
  Autore: Renzo Montagnoli

La poesia di Montagnoli è un viaggio attraverso la lotta interiore dell'autore, che si trova immerso in un mare di parole che non riescono a fluire liberamente. La "piovra" che è dentro di lui simboleggia il peso di pensieri e emozioni che affollano la mente, mentre il magma che "ribolle e vuole uscire" diventa l'immagine di un'inquietudine che non trova voce. Il poeta si confronta con la propria difficoltà nell'esprimere se stesso, nella consapevolezza che anche se aprisse il cuore, ciò che ne verrebbe fuori sarebbe solo una traccia effimera, una piccola impronta nell'immensità dell'esistenza. La sua riflessione sull'illusione di avere qualcosa da dire sfocia nell'immagine del "mare d’erba battuto dal vento", simbolo di una ricerca che resta incompleta e di un desiderio di lasciare qualcosa dietro di sé che, tuttavia, è destinato a svanire nel buio dell’eternità. La poesia, dunque, esplora la fragilità della comunicazione e della memoria, il desiderio di essere ascoltati e di lasciare un segno che, forse, non avrà mai il peso sperato.

• Orologio
  Autore: Franco Fronzoli

Fronzoli ci regala una riflessione delicata e intensa sul tempo, un tema universale che qui si traduce nell’immagine dell'orologio, simbolo del passaggio incessante delle ore e delle emozioni. L’orologio che "cammina sulle gambe di due lancette" diventa il veicolo che porta con sé gioie e dolori, felicità e angosce, in un ciclo che sembra non fermarsi mai. Ogni ticchettio diventa l'invito a riflettere sul valore degli istanti, che possono essere effimeri come foglie che cadono o eterni come ricordi che si perdono. Fronzoli gioca con il contrasto tra l'inesorabile avanzamento del tempo e la bellezza che si cela nelle piccole cose della vita, come i sogni che svaniscono e i risvegli che ci riportano alla realtà. La poesia è un elogio della transitorietà dell'esistenza, ma anche un monito a non fermarsi, ad andare avanti, pur tra il dolore e la bellezza che il tempo ci offre.

• L’anima mia ritrarsi voleva
  Autore: Silvio Canapè

Canapè costruisce una scena intima, carica di delicatezza, in cui il poeta si ferma di fronte al richiamo di un amore che ha il potere di fermare il tempo. L’anima che "ritrarsi voleva" rappresenta una parte di sé che, pur desiderando fuggire, viene catturata dal richiamo del "sussurro" dell'altro. La carezza che non si consuma, il "volo di farfalla" e l’immagine della "cresta d’onda" diventano simboli di un amore che sfiora senza mai essere del tutto posseduto, ma che lascia un'impronta profonda nell'anima del poeta. L'intensità del momento è tratteggiata con una grazia che evoca la fugacità dell'esperienza e la bellezza del tocco, come se il poeta stesse cercando di catturare un frammento di eternità in un attimo di pura percezione sensoriale. La sua poesia diventa un inno alla bellezza effimera dei sentimenti, una riflessione sulla necessità di fermarsi a sentire, anche quando la realtà sembra sfuggire tra le dita.

• Irrazionale
  Autore: Felice Serino

In questa breve e intensa poesia, Felice Serino ci invita a riflettere sulla natura imperscrutabile della poesia stessa, quella che "ti sorprende alle spalle", come un'irruzione inattesa che non segue logiche razionali. La riflessione sull’atto poetico diventa una danza tra la veglia e il sonno, un "uzzolo" che si palesa senza preavviso. Il poeta suggerisce che la poesia nasce da un impulso primordiale, irrazionale, che prende forma senza dover essere necessariamente spiegato o compreso. La bellezza della poesia è proprio nella sua capacità di sfuggire alla razionalità, di evocare sensazioni e emozioni senza una necessaria spiegazione. La tensione tra il mistero e la rivelazione è il cuore pulsante di questa riflessione, in cui il poeta si arrende all'irrazionalità del suo atto creativo e ne abbraccia l’inaspettato fluire.

• Amore eterno
  Autore: Sandra Greggio

In questo testo, Greggio esplora una visione dell'amore che va oltre il temporale, un amore che trascende la reciproca corrispondenza e si fa atto di pura dedizione. La poeta non cerca l’amore a "senso unico" in cambio di un'attenzione o di un ritorno, ma si dedica a un sentimento che è più grande di ogni circostanza. È un amore che "non ha mai preteso nulla in cambio", ma che si espande nell'infinito del cuore, che si offre come un dono senza fine. L'amore di Sandra Greggio è eterno, radicato nella verità di un "Amore con la A maiuscola", che persiste al di là della transitorietà del corpo, dell’apparenza, delle distinzioni temporali. La sua visione è assoluta, pura, e nel suo abbandono a questa dedizione senza condizioni si riflette una grande serenità, come se l'amore, al di là di ogni aspettativa, fosse un rifugio sicuro per l’anima.

• Fiori nel Giardino dell'Ade
  Autore: Jacqueline Miu

Jacqueline Miu dipinge una scena poetica che mescola il quotidiano con il trascendente, evocando un paesaggio emotivo ricco di contrasti. L'inverno che "fa tremare i tuoi battiti" è l’immagine di un tempo che passa, che non è solo fisico ma anche emotivo, e le "forme deformi del buio" sembrano raccogliere le ansie e le emozioni più profonde, nascoste nell’ombra. La poesia si sviluppa come una promessa, una visione di speranza che tenta di redimere ciò che di "selvaggio" e ineluttabile esiste in noi. Il poeta si offre come redentore, come colui che può portare la luce in un mondo di tenebre, e lo fa attraverso il potere delle parole. La poetessa, infatti, offre la poesia come rimedio, come un "fuoco indomabile" che vuole sedurre e placare le paure dell’altro. La proposta di "prendere" la caduta dell'amato è un’immagine di protezione, un atto di cura che supera i limiti del tempo e dello spazio, portando un amore senza condizioni. In questo giardino dell'Ade, l’atto poetico diventa uno strumento per affrontare la morte, la paura e l'incertezza, trasformando il dolore in bellezza.

• Panama's Paradise
  Autore: Piero Colonna Romano

Con un tono sarcastico e vivace, questa poesia si prende gioco dei malversatori e dei giochi di potere che coinvolgono l'élite politica e finanziaria. Il riferimento alla Lega e ai suoi presunti scandali, con l'irriverente invocazione dei "magistrati birichini", dipinge una satira sociale che accusa apertamente l'abuso di fondi pubblici e la corruzione. Le immagini di "diamanti", "laurea lesta" e fondi spesi per scopi privati sono allegorie della disonestà diffusa, mentre il passaggio a Panama simboleggia la fuga dei colpevoli da una giustizia che non riesce a raggiungerli. La poesia gioca con il contrasto tra la facciata politica e l'incredibile realtà dietro i sorrisi e le promesse, facendo il quadro di una società in cui la corruzione è una "tentazione" difficile da resistere. Il finale, con il riferimento a "Matteo" (probabilmente un leader politico), lascia il lettore con un dubbio sulla sincerità di chi dovrebbe rappresentare la giustizia, evocando un sistema che permette ai malfattori di prosperare e sfuggire alla responsabilità. La satira tocca così temi universali di potere, impunità e complicità.

• Solo tu ed io
  Autore: Ciro Seccia

In questa poesia, Seccia crea un'atmosfera di assoluto romanticismo, in cui l'unione tra i due amanti è percepita come un rifugio ideale e sacro. Il linguaggio è onirico e immaginifico, con l’arcobaleno, la neve sciolta dal battito del cuore, e il cielo che "crea ricami di cristallo tra le stelle". Ogni elemento naturale, dal cielo al paesaggio, è al servizio della bellezza del rapporto d’amore, che si fonda su un'intensità emotiva travolgente. L’immagine di salire verso il Paradiso è un ideale di ascesa spirituale e fisica, dove l’amore diventa il motore di una realtà trascendente, e dove ogni passo è accompagnato da una luce dorata che illumina il cammino. La sensualità dell’amore è accentuata dall’immagine di un "camino" e da un "estasi d’amore", in cui la passione si fa calore e intimità. La poesia si configura come una dichiarazione di devozione assoluta, dove la realtà si trasforma in un riflesso dei desideri più puri e profondi dell'autore.

• Non solo tè
  Autore: Laura Toffoli

Toffoli ci invita a una riflessione sul silenzio, sul tempo e sull'introspezione, in cui il "tè ai frutti di bosco" diventa un pretesto per esplorare le profondità della mente e dei sentimenti. La scena si svolge tra il dolce profumo dei gerani e l'immagine di un tramonto che "langue nell'arancio", una metafora per la transitorietà e la bellezza che sfuma. La falena, simbolo di fragilità e passaggio, diventa un'eco del desiderio e della ricerca. Il linguaggio della poesia è delicato e meditativo, in cui ogni dettaglio sensoriale, come il "sorso di tè", si fonde con il pensiero che vola come colomba nel cielo. L'inquietudine del mondo interiore è esplorata senza fretta, con una calma che invita a riflettere e a perdersi in una dimensione sospesa, come in un sogno che si dissolve all’alba. In questa poesia, il tè diventa la chiave di lettura per un'esperienza di introspezione, dove il pensiero trova uno spazio per volare libero tra i fiori e i vuoti dell’anima.

• Poi ho trovato il mare
  Autore: Alessio Romanini

La poesia di Romanini esplora un momento di solitudine profonda, ma anche di liberazione e rinascita. Il poeta descrive un'agonia interiore, dove la solitudine sembra opprimente, "curvando sulle ginocchia" e inondando il petto di tristezza. Tuttavia, l'incontro con il mare cambia radicalmente questa condizione. Il mare, simbolo di vastità e serenità, diventa un luogo di guarigione e di riflessione. Le "traslucide acque" e le "increspature di onde" suggeriscono un legame profondo con la natura, dove ogni pensiero triste è "cullato" e dissolto nelle acque che brillano di riflessi dorati. La "melodia" e il "barbaglio" delle onde rappresentano una sorta di ritrovata speranza, un'armonia che emerge dalla solitudine e che riempie di luce un cuore affranto. Il mare diventa quindi un rifugio emotivo, ma anche una sorta di rinascita spirituale, dove l'animo si ritrova purificato e rinvigorito dalla sua immensità.

Con affetto e stima

Ben Tartamo

• “Sfruculiando” – Silvio Canapé

Il verbo dialettale “sfruculiando” — che evoca il gesto dello stuzzicare, del rovistare con insistenza — diventa la chiave di lettura di una poesia che si fa invettiva e manifesto civile. L’io lirico si ritrae con disgusto dalla politica-spettacolo, dal vetro dello schermo che riflette il teatro di un potere sterile, chiuso nella propria retorica autocelebrativa. Il poeta rifiuta la narrazione dominante, denunciando l’ignoranza storica di chi pretende di governare con proclami privi di consapevolezza. L’elemento più potente è la contrapposizione tra l’umanità negata dei migranti e l’insensibilità di chi si crogiola nel fragore delle guerre, cieco alle loro conseguenze. Il verso libero e spezzato, l’anadiplosi insistente (“Non voglio vederli”), rafforzano l’indignazione e il disincanto. L’immagine conclusiva della “frittata dai sapori tutti uguali” suggella il poema con un’ironia amara: il potere si ricicla in nuove forme, ma resta sempre indigesto.

• “Febbre creativa” – Felice Serino

Serino distilla il senso del divino in pochi versi, costruendo un’epifania poetica essenziale e abissale. La “febbre creativa di Dio” è un’immagine di rara intensità metafisica: la creazione come impulso irrefrenabile, un febbrile atto d’amore che si rinnova nel cosmo e nell’uomo. Il parallelismo tra l’incessante generazione dell’universo e l’instancabile attenzione divina verso l’umanità rivela un misticismo vibrante, privo di dogmatismi, ma denso di potenza lirica. La brevità del componimento ne amplifica l’impatto: pochi versi, ma densi come un lampo di rivelazione.

• “Chi rompe, paga” – Rosa Giusti De Ruggiero

Qui la poesia si fa canto ironico e drammatico insieme, trasformando la metafora amorosa in una vivida immagine di sofferenza fisica. L’uso del registro colloquiale (“cocci”, “coratella”) conferisce al componimento una musicalità popolare, quasi teatrale. Il cuore infranto diventa corpo martoriato, l’abbandono si trasfigura in un’operazione chirurgica che ha il sapore del grottesco. Il gioco di rime interne e le inversioni sintattiche (“Mi hai rotto il cuore, me lo puoi sanare?”) aggiungono una nota giocosa alla tragedia sentimentale. La conclusione è spiazzante: l’amore non è solo passione e rimpianto, ma un destino ineluttabile che si consuma tra cinismo e disperazione.

• “Ragionator d’irragionevolezze” – Armando Bettozzi

Il titolo stesso è un ossimoro avvincente che introduce il lettore in un dialogo socratico dai toni ironici e filosofici. La poesia assume la forma di una riflessione critica sullo stato della società moderna, una sorta di apologo in versi in cui il “Tizio” espone con sagacia le distorsioni del tempo presente. La perdita della fatica come valore, la deriva del ragionamento fine a sé stesso, la decadenza dei ruoli sociali: il tutto viene esposto con un tono che richiama la metrica classica ma con una modernità linguistica tagliente. La metafora della ruota che deve essere quadrata è di rara efficacia: una denuncia del disordine che si è impossessato dell’equilibrio sociale. Bettozzi si muove tra aforisma e sentenza, in una danza verbale che richiama la saggezza popolare ma con la gravità del pensiero filosofico.

• “Note Discorde” – Laura Lapietra

Un canto di dolore e speranza, immerso in un’atmosfera di cupa inquietudine. Il ritmo del componimento sembra evocare il respiro affannoso di un’anima oppressa dal peso della sofferenza. Il buio, il dolore, la pelle lacerata: immagini forti e viscerali che creano un contrasto netto con la speranza sussurrata nella domanda “Dov’è la primavera del domani?”. L’uso di metafore musicali — il clavicembalo, le note discordi — conferisce alla poesia un’armonia spezzata, quasi un contrappunto drammatico che enfatizza il conflitto interiore dell’io lirico. La chiusa, con quell’acqua che placa ciò che brucia, offre una risoluzione simbolica e potente: il dolore non si cancella, ma può essere domato dalla volontà e dalla resistenza interiore.

• “Ho fatto un sogno” – Pasquale Di Meo

Un’evocazione struggente dell’amore perduto, che gioca sulla delicatezza delle immagini naturali per costruire una visione idilliaca, quasi edenica. Il vento, il mare, il sole, l’orizzonte: elementi che rimandano a una dimensione estatica, in cui l’amore si fonde con il creato. Ma il risveglio è brutale: il nulla sostituisce l’assoluto, e tutto si dissolve in un vuoto di parole. Il verso finale, spezzato da una lunga ellissi, amplifica la sensazione di un’assenza irreparabile. Di Meo riesce a condensare in pochi versi la transizione dall’idealizzazione alla disillusione, restituendo al lettore un senso di malinconica impotenza.

• “Capitolo primo” – Enrico Tartagni

Un’opera di forte impatto esistenziale, in cui la voce poetica si confronta con la ricerca di significato e il suo inevitabile fallimento. Il linguaggio essenziale, quasi spezzato, scandisce un percorso di esplorazione e delusione: ogni sentiero conduce al vuoto, ogni direzione si dissolve nel nulla. L’assenza di punteggiatura rafforza il senso di disorientamento, mentre il ritmo frammentato ricorda il pensiero che si sfilaccia nell’abisso della coscienza. La nave che naviga nel cosmo diventa simbolo della condizione umana: una traversata nel mistero dell’essere, dove il solo approdo possibile è l’infinita nebbia dell’incertezza. Il poeta assume l’assurdo come unico orizzonte, in un’eco quasi camusiana, ma con una tensione mistica che si accende nel finale: il sé che si apre e penetra nell’universo, in un abbraccio definitivo col tutto.

• “Come candela” – Salvatore Armando Santoro

Una riflessione dolente sul tempo che scorre, sugli amori logorati e sulle emozioni consumate. Il metro regolare e il linguaggio semplice conferiscono alla poesia un tono malinconico e intimo, come una confessione sussurrata nel cuore della notte. La candela e la tela consunta sono immagini efficaci del lento dissolversi della passione e della vita stessa, suggerendo una consapevolezza del limite che permea ogni legame. Il poeta è al “confine”, non solo di una relazione, ma dell’esistenza stessa, e la domanda “che cosa t’avrò dato?” risuona con l’angoscia di chi teme di aver lasciato un segno troppo lieve nel cuore dell’altro. La chiusa, tuttavia, dona una fragile speranza: se non amore, almeno affetto resterà. Un componimento sincero e doloroso, che affida alla semplicità la forza della verità emotiva.

• "Prodigio della voce" – Guglielmo Aprile

Questa poesia è un inno alla potenza evocativa della voce amata, capace di sconvolgere la natura e l’universo con la semplice modulazione delle parole quotidiane. La grandezza della lirica sta proprio nel contrasto tra il sublime e il banale: la voce dell’amata non è solo canto angelico che muove le costellazioni, ma anche il suono ordinario della vita di tutti i giorni. Questa fusione tra trascendenza e quotidianità genera un effetto straniante e meraviglioso. L’ultima immagine, con il fiume Zambesi e le danze tribali, amplifica il senso di esotismo e grandiosità che la voce può assumere nell’immaginario del poeta. Una poesia colma di metafore potenti, che riesce a trasfigurare il reale e renderlo sacro.

• "Sguardo" – Franco Fronzoli

Un componimento dal forte impatto sensoriale, dove il corpo dell’amata viene descritto con immagini fluide e naturali. Le pietre levigate dall’acqua, il vento che accarezza i fianchi, la luce lunare che avvolge la scena: tutto contribuisce a creare un’atmosfera di sospensione e dolcezza. Il poeta non si sofferma solo sulla fisicità, ma cattura anche l’intangibile—il profumo, il respiro, il fluire del tempo. L’ultima immagine dei “fiordi di un grande amore” suggella il tutto con una metafora ampia, quasi a suggerire che l’amore è un paesaggio maestoso da attraversare con lo sguardo e i sensi.

• "La scatola dei ricordi" – Alessio Romanini

Un testo che si sviluppa attorno alla metafora della memoria come una scatola, un luogo intimo e segreto dove il passato si accumula, quasi sepolto sotto il peso del tempo. Il tono è malinconico e riflessivo: il poeta sa di possedere quei ricordi, ma teme di non avere più il tempo (o il coraggio) di affrontarli. Il climax emotivo si raggiunge nell’ammissione finale: “Un dì aprirò la scatola dei ricordi. Ma ormai sarà troppo tardi.” Un pensiero universale, che tocca chiunque si trovi a guardare indietro con il timore di non riconoscere più se stesso. La semplicità del linguaggio rafforza il senso di verità e urgenza del messaggio.

• "Sorriso di sole" – Sandra Greggio

Un inno alla speranza e alla luce che i bambini portano nelle vite degli adulti. La poesia celebra il dono inconsapevole che la piccola Sofia ha fatto alla nonna: un sorriso che squarcia la nebbia della solitudine e della malinconia. Il lessico è semplice ma denso di calore, e la ripetizione dell’idea di comprensione futura (“Un giorno capirai...”) dona profondità alla narrazione. Il ritmo libero e il flusso naturale dei versi rendono la lettura un’esperienza avvolgente, come il tepore del sole evocato nel titolo.

• "Il tessitore di cerchi di fumo" – Jacqueline Miu

Una poesia visionaria, intensa e quasi lisergica, che esplora il confine tra il reale e l’onirico. Le immagini si susseguono con una forza evocativa che ricorda la poesia surrealista: la trota che cerca il fiume, i fiori nei cimiteri che si reincarnano, la maschera che si interroga sulla vita e sulla morte. Il poeta si pone come un tessitore di fuoco, un creatore di nuove mitologie personali in cui il sorriso è l’unica arma contro i mostri. L’ultima quartina, con l’immagine del fuoco che sfida la tempesta e la paura, offre una chiusura quasi profetica, trasformando la poesia in un manifesto esistenziale.

• "Largo al factotum" – Piero Colonna Romano

Una satira tagliente e brillante, che gioca con il ritmo e l'ironia per raccontare con acume il panorama politico italiano del 2018. La struttura metrica ricalca la tradizione della poesia satirica ottocentesca, con rime incisive e una musicalità che rende il componimento scorrevole e coinvolgente. L’abilità dell'autore sta nel creare immagini vivide e nel tratteggiare un ritratto quasi caricaturale del ministro protagonista, il cui protagonismo è dipinto con versi pungenti. La chiusa, che accosta il personaggio alla cadenza del fascismo, suggella il componimento con una nota grave, lasciando al lettore un senso di inquietudine.

• "È triste la sera" – Antonia Scaligine

Una lirica che esplora la malinconia della sera con immagini delicate e profonde. La sera diventa metafora della fine, dell'attesa, del ripiegarsi della vita su se stessa nel buio della notte. Il ritmo è spezzato, quasi a imitare il fluire incerto dei pensieri che si mescolano alla nostalgia. Ma la poesia non si chiude sulla tristezza: la luna, le stelle e l’allodola introducono un bagliore di speranza, un canto lieve che si fa eco di voci lontane. Il verso libero e le anafore donano al testo una fluidità evocativa, quasi musicale.

• "L'Anima" – Ciro Seccia

Un componimento che si interroga sulla natura dell’anima con un approccio quasi filosofico. Il poeta non si limita a chiedersi se l’anima esista, ma descrive l’esperienza del sentire profondo come un fenomeno quasi fisico: il corpo vibra, la mente si dilata, le parole sgorgano come da una sorgente misteriosa. Il lessico semplice e diretto, unito all’uso di versi brevi e spezzati, conferisce alla poesia un’intensità particolare, come se fosse il riflesso stesso di un pensiero improvviso. La domanda finale, lasciata aperta, sfida il lettore a trovare la propria risposta, trasformando la poesia in un invito alla riflessione.

Con sempiterno affetto e stima dal vostro Ben Tartamo

Chiave del mondo – Guglielmo Aprile

Qui siamo di fronte a un'opera che respira il mistero delle forze primordiali, un inno a un'entità quasi esoterica capace di decifrare gli arcani della natura e del tempo. Il vento seppellisce i suoi libri sacri, la pioggia nasconde il suo anello parlante, l’umanità ha perduto la perla dell’esistenza e ha bisogno di un rivelatore. C'è un'atmosfera da oracolo arcaico, da detentore di un segreto dimenticato, e la poesia sembra evocare una figura quasi prometeica, ma non più nel gesto titanico di sfidare gli dèi, bensì nella dolce sovversione del sorriso, che spalanca le porte del mondo con la naturalezza della verità. L’ultima immagine, quella dei cani della morte ammansiti, è potente e definitiva: la conoscenza non solo illumina, ma disinnesca anche l’orrore della fine.

La fonetica scorre come un soffio di vento antico, con l’alternanza di suoni dolci (scogliera, sorriso, ammansisci) e duri (dirupo, cassaforte, cani), generando un ritmo ipnotico. Siamo davanti a un componimento sapienziale, che richiama Borges, Celan, e le cosmologie segrete.

La tua ombra – Franco Fronzoli

Questa poesia si snoda come un’onda lunga, placida, che si infrange su una riva notturna. L'ombra, qui, non è l’alter ego inquietante dell’io, ma il luogo dell’intimità, della fusione, il rifugio in cui l’amore si sottrae alla luce accecante della realtà. L’ombra del cuore diventa una dimensione parallela, un teatro in cui si sognano baci, incontri, abbracci senza rumore. L’uso insistito dell’anafora (All’ombra del tuo cuore...) crea un senso di sospensione, di attesa infinita, come un respiro che si allunga nel tempo.

Poi, la metamorfosi: le ombre diventano onde, si fondono nel vento, si bagnano sotto la pioggia, e infine si dissolvono nel sogno di un grande amore. Qui c’è una tensione tra il desiderio di permanenza e la certezza che tutto è destinato a svanire.

Dal punto di vista fonetico, prevalgono suoni dolci e rotondi (cuore, amore, ombra, mare), che danno alla poesia un andamento musicale e avvolgente, come una nenia marina. Il componimento ha una struttura semplice ma efficace, priva di scarti linguistici o ambiguità concettuali, ma il suo valore sta proprio nella purezza del sentimento che comunica.

Tenero l’abbraccio – Silvio Canapé

Questa poesia è un piccolo frammento di tempo incantato, uno di quei momenti che la memoria trasforma in reliquia d’amore. Il lessico richiama un’atmosfera delicata e sensuale, in cui il contatto fisico è quasi etereo: un casto bacio, un abbraccio innocente, le dita sulle vermiglie labbra. Ma è proprio questa leggerezza che amplifica l’intensità emotiva.

L’autore costruisce un paesaggio sinestetico, in cui la natura partecipa al sentimento: il vento sfiora i corpi, il mare tracima, il tramonto cambia i colori. Gli elementi si confondono con le emozioni, come se il cosmo stesso fosse il riflesso del battito interiore.

A livello fonetico, la poesia è una tessitura di suoni liquidi e morbidi (mare, labbra, luna, carezza), con qualche scossa improvvisa nei suoni più secchi (sgranati, frantumi, lastrico), quasi a suggerire il fragile equilibrio tra la dolcezza del ricordo e la sua inevitabile dissolvenza.

L’ultima strofa è un capolavoro di suggestione: Polvere di lunari raggi / cadenti brillanti / sul lastrico di mare. Qui l’immagine si fa rarefatta, simbolista, lasciando il lettore sospeso in un ultimo respiro di nostalgia.

"Naufrago d’anni" – Felice Serino

Poesia concisa ma di forte impatto visivo e simbolico. Il poeta si vede come un naufrago che riceve un canapo dall’angelo, immagine di salvezza e redenzione. Il contrasto tra la deriva del sangue e l’allumarsi del cuore crea una tensione potente: il sangue è irruento, vitale, ma è il cuore a dare luce.

Serino evoca la fragilità umana e la necessità di un intervento salvifico. La brevità del testo amplifica il suo carattere epifanico: il poeta sembra sospeso tra il naufragio e il miracolo, tra lo smarrimento e il ritrovamento.

"Certezze" – Nino Silenzi

Una riflessione amara e filosofica sul tempo e l’illusione della conoscenza. Il poeta descrive l’apatia come un freno alla frenesia, un rallentamento forzato che smaschera l’illusorietà della ricerca umana. Il tempo appare come un ladro che sottrae le certezze, mentre ogni istante si trasforma in un Attimo beffardo, in un mostriciattolo che irride l’uomo.

Lo stile è affilato, ironico, quasi teatrale. Il lessico è ricco di immagini potenti: la ragnatela vischiosa che imprigiona, i movimenti che si fanno sempre più lenti, fino all’inevitabile resa alla “certezza irrisolta”.

Il poeta esprime un senso di disillusione esistenziale: la ricerca della verità è vana, il tempo dissolve ogni sicurezza. L’apatia, inizialmente negativa, diventa forse una difesa dall’angoscia del divenire.

"Poesie verdi" – Alfonso Silvestre

Silvestre costruisce un inno alla natura in cui il vento, le foglie e gli odori diventano protagonisti di un’esperienza sensoriale totalizzante. La poesia segue il cammino del poeta che, inizialmente spinto dalla curiosità, finisce per abbandonarsi alla forza armoniosa della natura.

L’uso delle sinestesie è magistrale: il vento è docile, il suono è flebile, l’odore è soffice. L’esperienza naturale è quasi mistica, culminando nell’immagine del poeta che si stende tra le foglie, accogliendo la linfa vitale della terra.

C’è un profondo desiderio di ritorno all’essenziale, una fuga dall’artificiosità del mondo moderno verso un abbraccio primordiale con la natura. La poesia trasmette pace, riconciliazione, un senso di fusione panica con il cosmo.

"La bandiera non mi appartiene" – Gianfranco Vacca-Capri

Un testo che esplora il concetto di identità, di confine e di appartenenza, attraverso l'immagine della bandiera che diventa simbolo di divisione. La bandiera, oggetto di orgoglio nazionale, qui è messa in discussione. Il bianco, il colore che unisce, è l'unico elemento che appartiene al poeta. Gli altri colori, simbolo di separazione, non lo riguardano. Le frontiere diventano arbitrari limiti imposti, laddove l'essere umano è ridotto a un'entità che vive oltre i confini e non si riconosce nelle divisioni politiche, etniche o culturali. Il poeta si rifugia nel bianco, simbolo di purezza, ma anche di una solitudine universale, lontana da qualsiasi nazionalismo.

Questo testo è un manifesto di un'anima inquieta, che riflette sulla fragilità delle appartenenze e sulla necessità di andare oltre le etichette imposte. La scrittura incarna una sorta di protesta silenziosa contro le divisioni artificiali che separano l'umanità. Il bianco qui si presenta come il colore della libertà assoluta, un'astrazione che non conosce confini. La bandiera, come segno di identità collettiva, viene ridotta a brandello, un’illusione del vento che non appartiene realmente a nessuno.

"Passa il treno" – Enrico Tartagni

Una riflessione profonda sulla vita, sul destino e sul tempo, tutto visto attraverso l’immagine di un treno che viaggia senza sosta. Il treno diventa metafora della condizione umana: carico di pensieri, di emozioni e di esperienze, trasporta con sé le coscienze, le illusioni, la vita e la morte. I suoi finestrini sono le porte dell’anima, attraverso cui osserviamo il mondo che cambia e scivola via, mentre la nostra esistenza scorre senza ritorno. La dicotomia tra andata e ritorno sembra perdersi: il treno è un viaggio senza fine, dove ogni fermata è solo un’illusione.

Il poeta si immerge in una visione dell’esistenza come un viaggio senza scopo definito, un tragitto che porta all’oblio o alla consapevolezza. La carne, i pensieri, le illusioni, le speranze: tutto è trasportato come merce che perde il suo valore, come una generazione che scompare senza lasciare traccia. La visione di Tartagni è cruda, ma anche piena di una saggezza dolorosa: il treno è simbolo della condizione umana che accetta il suo destino senza possibilità di cambiare direzione. La sua corsa, che sembra solitaria, è invece un riflesso collettivo, una corsa che attraversa le vite di tutti.

"07.05.2022 ore 21:50" – Rosa Giusti De Ruggiero

Un testo breve, ma incisivo, che gioca sul contrasto tra tristezza e leggerezza. La poetessa invita il lettore a prendere consapevolezza della propria miseria esistenziale e a trasformarla in una farsa. Il consiglio di trasformarsi in "Jolly", di indossare una maschera di allegria, sembra paradossale, ma è un invito a reagire alla sofferenza con una risata liberatoria, quasi terapeutica. Il volto, ingrandito sette volte, è il simbolo di un'esagerazione, un inganno che amplifica la tristezza per renderla quasi ridicola.

Questa poesia si inserisce in una riflessione sul dolore e sulla maschera che la società ci costringe a indossare per sopravvivere. L'atto di ridere, anche controvoglia, diventa un espediente per liberarsi da una verità troppo pesante. Il sorriso forzato si fa simbolo di resistenza, ma anche di disillusione. È un invito a prendere coscienza che la vita, pur nella sua drammaticità, è anche una farsa, e la risata diventa un atto di sfida al destino. Un messaggio che, pur nell'amarezza, trova nella risata una sorta di redenzione dal fardello della vita.

"Rose" – Indiana

Questa poesia si presenta come una riflessione delicata e nostalgica sul passare del tempo e sulla fugacità della bellezza. Le rose, simbolo di bellezza effimera, sono paragonate a nuvole che si dissolvono nel tempo, rappresentando la vita che sfugge e l'impossibilità di trattenere ciò che è destinato a svanire. Il "libro segreto" in cui la vita viene raccolta sembra un contenitore di memorie che il poeta non può condividere completamente con il mondo. La conclusione con gli usignoli, custodi del ricordo e della melodia perduta, accentua il tema della bellezza che resta, ma che non può essere colta.

Indiana crea un'atmosfera delicata e malinconica, dove il simbolismo delle rose e degli usignoli diventa un invito alla riflessione sul destino delle cose belle, che fioriscono per un momento per poi svanire nel nulla. La bellezza stessa è trattata come un ricordo che sfugge, come se il poeta avesse cercato di trattenere qualcosa che non può essere trattenuto. L’immagine del giardino dimenticato e delle rose non raccolte sottolinea la transitorietà della vita e delle emozioni, come se l'autore stesse contemplando la sua stessa esistenza come un sogno che svanisce al risveglio.

"Sei tu" – Maria Toriaco

Una dichiarazione d'amore che esplora il profondo legame con un altro essere, simbolizzato da un "tu" che si fa poesia. Ogni verso è un'invocazione all'amato, con immagini che oscillano tra l'astratto e il concreto: la freccia d'amore, il sorriso, il mare in tempesta, la primavera che porta la rinascita dell'amore. L'amato è presente nei sogni, nella musica, nella malinconia, e nel cuore del poeta, che sembra vederlo in ogni angolo della propria vita.

Questa poesia è intrisa di un amore totale, che abbraccia tutto, dalla natura alla musica. L'uso di immagini forti e contrastanti come il mare in tempesta e la serenità della primavera suggerisce che l’amore è un sentimento che attraversa tutte le sfumature dell’esistenza: passione, tranquillità, speranza e nostalgia. Il poeta si abbandona alla propria dolce visione dell'amato, un "sogno ad occhi aperti", che diventa la sua realtà, la sua costante e unica verità. La poesia emana una sorta di estasi, un’adorazione che avvolge ogni pensiero, un amore che si fa anima e vita.

"Rimembranze scolpite" – Laura Lapietra

Questa poesia è un'esplorazione dolorosa del passato e della sofferenza che si porta dietro. Le "rimembranze" sono scolpite nel tempo e nella carne, come tracce di un amore perduto. L’autrice usa una lingua ricca e complessa, con immagini fortemente evocative come i papaveri di "lacca di robbia" e la "malachite", simboli di un'epoca che non è più. Il poeta sembra essere intrappolato in un presente che non gli dà pace, segnato dalla rabbia e dalla tristezza. Le immagini della natura, così vivide, sono specchio del dolore interiore che la realtà non riesce a guarire.

La poesia di Lapietra è attraversata da un'intensa tensione emotiva, segnata da un amore che non è stato corrisposto o che è stato distrutto. L'uso di immagini forti, quasi cruente, come la "malachite" e le "piaghe di convinzioni", evidenzia il tormento del poeta, che sembra incapace di liberarsi dai fantasmi di un passato che ha segnato la sua anima. Il riferimento alla "penna della circospezione" e al "bianco dei fantasmi dubbi" mostra come il poeta si senta oppresso dalla paura e dal rimpianto. È un’esplorazione intensa del dolore, che non trova spazio per la speranza o la redenzione. L’ultima lacrima sembra essere l’unico sollievo possibile, ma anche questa è una fine dolorosa, un atto di chiusura.

"Amore in cambio di niente" – Salvatore Armando Santoro

Questa poesia esprime una profonda frustrazione e sofferenza dovute a una relazione sbilanciata, dove l'autore offre amore senza riceverlo in cambio. Il tono è di tristezza e rassegnazione, e le immagini del dolore e della solitudine sono potenti: "Io nascondo il dolor dietro un sorriso, ma una lacrima poi scorre sul viso." Il poeta sembra lottare invano per l'affetto dell'altro, ma il suo sforzo è vano. L’amore diventa una sorta di monologo, dove solo l’autore si sforza di dare senza ricevere nulla.

La poesia affronta il tema della disillusione amorosa, un amore che diventa un atto di sacrificio senza speranza di ricompensa. L'uso del contrasto tra il sorriso e la lacrima, la forza del “nascondere” il dolore e l’immagine della solitudine lungo il mare, evocano un senso di abbandono emotivo. Il mare, elemento simbolico di grande portata, suggerisce la vastità e l’inquietudine di un amore che non trova eco. La sofferenza diventa il centro del testo, ma l'autore non si arrende e continua a sperare, nonostante la consapevolezza che l'amore dato non verrà mai ricambiato.

"Il gatto e la volpe" – Piero Colonna Romano

Questa poesia utilizza una satira politica mordente, descrivendo un rapporto corrotto tra i protagonisti che ricordano due figure politiche italiane. Con toni ironici e amari, l’autore critica la falsa promessa di prosperità e benessere, paragonando i politici a due personaggi truffaldini che ingannano il popolo con promesse di ricchezze facili. Le immagini grottesche, come l’albero che "fiorisce" soldi, evidenziano l'illusorietà delle promesse politiche e la spietata cinicità di chi le fa.

Il testo è una critica alla politica del paese, evidenziando come le promesse dei politici siano solo miraggi che non portano a nulla di concreto. Il tono caustico e l'uso di immagini distorte (come l'albero che "fiorisce" ricchezze) rende la poesia una riflessione sull’inganno e sulla corruzione, mostrando l’amara realtà che, mentre i leader si arricchiscono, la popolazione è lasciata con sogni infranti. La critica sociale è netta e, attraverso l'ironia e la satira, l’autore denuncia l’inganno dietro le finte promesse.

"Paradiso ed Inferno" – Ciro Seccia

In pochi versi, questa poesia esprime un concetto potente e universale: il paradiso che ci è stato donato da Dio è stato trasformato dall'umanità in un inferno. La brevità del testo accentua la forza del messaggio, lasciando un'eco di riflessione. La semplicità dei versi sembra voler invitare il lettore a riflettere su come le azioni umane abbiano contribuito alla degradazione del mondo, passando dalla bellezza originale a un disastro che spesso l’uomo stesso ha causato.

La poesia riflette una profonda critica alla condizione umana, con un tono di amarezza e consapevolezza. L’uso del contrasto tra paradiso e inferno, unito alla brevità della composizione, sottolinea il senso di smarrimento e di colpa collettiva. Seccia sembra suggerire che l'uomo, nel suo egoismo e nella sua avidità, abbia tradito la bellezza e l’armonia del creato, portando l'umanità a una condizione di sofferenza e perdita. La poesia lascia un forte senso di impotenza e rassegnazione, quasi come un richiamo a una responsabilità collettiva.

"Per fare poesia...occorre" – Antonia Scaligine

Questa poesia esplora il potere dell'emozione come fonte di creazione artistica. Scaligine enfatizza come l'emozione, sentita nel cuore, possa trasformarsi in una varietà di forme artistiche: musica, pittura, poesia, o preghiera. La bellezza e l’amore diventano elementi magici e universali che trascendono i momenti specifici come San Valentino, ma che si trovano nella vita quotidiana, in un “piccolo sentimento” che cresce e si trasforma in un “grande infinito amore.” La poesia diventa così una pratica sacra, in cui gioie e dolori vengono intrecciati con l’essenza divina e il mistero della vita.

Scaligine crea un racconto intimo e spirituale in cui l'emozione vissuta nel cuore si fa arte. La poesia suggerisce un processo di trasformazione, in cui le esperienze di vita quotidiana diventano veicolo di bellezza e amore. Il richiamo a Cupido e Venere trasforma l'amore in un atto divino e misterioso, mentre l'espressione della poesia come "preghiera dell’asceta" conferisce un'aura sacra e mistica alla scrittura. L'intensità dell'emozione diventa un atto che trascende i limiti del corpo e dei sensi, andando oltre per toccare il divino. L'immagine di una "quotidiana poesia" rimarca l'idea che ogni momento della vita, anche il più semplice, può essere espressione di un amore eterno.

"Aliare nell'universo" – Alessio Romanini

Romanini ci trasporta in un viaggio di liberazione personale. La "gabbia" rappresenta le costrizioni imposte dalla società, una routine che limita l'individualità. La svolta arriva con il "volo" verso la libertà, quando l’autore riesce a spezzare le catene della conformità e ad esplorare l'infinito. L'autore, finalmente libero, vede la bellezza nella diversità e si sente parte dell’universo. L’immagine del "mio sterno non aveva più frontiere" suggerisce l'espansione della propria coscienza oltre i limiti imposti dalla società. La poesia diventa un atto di liberazione, di espansione dell'anima verso l'infinito.

La poesia esplora temi di oppressione e liberazione, con l’autore che rompe le catene di una società che limita la sua espressione. La "gabbia arrugginita" è il simbolo della routine e della conformità, mentre il "volo" rappresenta il desiderio di autodeterminazione e di esplorazione della propria identità. Il passaggio dall’individualità confinata alla libertà universale è un tema potente, che suggerisce una crescita spirituale e una connessione con l'universo. La sensazione di appartenenza all'universo offre una visione filosofica e ottimista della vita, in cui l’autore si sente parte di un tutto armonico e infinito.

"Il guizzo dentro" di Sandra Greggio:

Il testo di Greggio si concentra su un sentimento di vivacità e speranza che nasce improvvisamente, quasi come un'illuminazione. Il "guizzo" diventa il simbolo di quella piccola scintilla di vita che ci sprona a vivere pienamente, a non sprecare l'occasione di essere. La natura, nel suo ciclo eterno e silenzioso, diventa il palcoscenico per questa rivelazione. Le immagini di un pettirosso che porta gioia e la percezione di una primavera che s'insinua nell'aria fredda della sera, rafforzano l'idea di una bellezza che emerge nei momenti più inaspettati e ci invita ad abbracciarla.

"Una traccia di pace" di Roberto Soldà:

La traccia di pace di Soldà è avvolta in un'atmosfera fluttuante, dove la natura, simbolo di rifugio e di serenità, diventa la guida per una ricerca di senso. La memoria e il tempo sembrano dissolversi in un paesaggio immobile, ma nello stesso tempo vitale. La pace non è statica, ma è un "infinito" che si eleva, sfuggente e universale. C'è una tensione tra il desiderio di trovare pace e la consapevolezza che essa possa essere solo una traccia lontana, forse inaccessibile, ma affascinante come un miraggio.

"Una ultima ora di vita" di Jacqueline Miu

Il testo di Miu è un turbinio di immagini forti e simboliche che mescolano il desiderio, la sofferenza e la morte in un continuo gioco di contrasti. L'ora finale di vita è vissuta come un'esperienza catartica e sfrenata, dove il corpo e la mente si scontrano, cercando un significato nelle ultime azioni. Il linguaggio crudo e diretto crea un'atmosfera di intensità fisica e mentale, che sfiora il surreale. La scrittura è densa di riferimenti alla carne, al piacere e al dolore, dove la morte sembra essere vista non solo come una fine, ma come una possibilità di affermazione e liberazione, seppur tragica e tormentata.

Vostro Ben Tartamo

"Poesie rosse" di Alfonso Silvestre

Il titolo stesso ci guida verso l’intensità di un colore, il rosso, simbolo di passione, violenza e, allo stesso tempo, di rivelazione. La figura che emerge nella poesia è quella di una bellezza mascherata da un "manto" verde, che ben presto si svela attraverso l’eruzione di un vulcano. La scelta di utilizzare l’immagine del vulcano – simbolo di energia primitiva, di natura incontrollabile – si intreccia magnificamente con l'idea di una trasformazione. Il poeta ci presenta una metamorfosi: una maschera che cede sotto la forza di un sentimento primordiale, lasciando spazio alla purezza del rosso, simbolo di passione e vitalità.
Qui, come psichiatra, vedo un'introspezione sul desiderio umano di nascondersi e, al contempo, sulla necessità di esplodere, di rivelarsi per essere veramente sé stessi, per essere compresi e per giungere alla propria essenza. Il camuffamento, la protezione dietro un "manto", sembra rimandare a una sorta di difesa psicologica, un bisogno di protezione prima dell'incontro con l'autenticità.

"Intensità D'Amore" di Laura Lapietra

L'amore qui si fa linguaggio che avvolge, è intenso e travolgente, quasi un’onda che oscura ogni altra percezione. L'immagine del fiore che sboccia come "sorriso della vita" è splendente di una dolcezza che porta il lettore a sentirne il profumo, a percepirne l’intensità. In questa poesia, l'amore è così potente da estinguere il grigio dell’esistenza, da divenire una forma di catarsi.
Nella profondità del testo, si rivela un amore che non chiede nulla in cambio, che non è legato a un possesso ma ad una comunione quasi metafisica. Qui, come suora e psichiatra, vedo il concetto di amore come un'ancora che salva l'anima dal deserto emotivo, ma anche come una necessità psichica, un bisogno di ricongiungersi all'altro che supera ogni barriera, anche quella del corpo e della morte. L'amore diventa un’esperienza che penetra nelle "profondità delle percezioni", come un legame che si fa vita e oltre vita.

"Giocare a nascondino" di Salvatore Armando Santoro

Questa poesia ci porta in un viaggio di confusione esistenziale, ma anche di una ricerca di amore non corrisposto. Il gioco di nascondino diventa una metafora di un’esistenza frammentata, di sogni e risvegli interrotti, di una psiche che fatica a trovare pace. La ripetizione dell'atto di amare senza ricevere, e l'ironia del "non ci capisco niente", creano una sensazione di solitudine intrinseca, ma anche di una continua ricerca di significato.
Come psichiatra, colgo il tema della dissociazione e del desiderio di un amore che spesso è invisibile, non ricambiato. L’amore è donato, ma non viene accettato nel suo valore pieno, come una dinamica psicologica di frustrazione e incomprensione. Il ricorso ai "piccoli quadretti" diventa l’immagine di frammenti di un amore che tenta di prendere forma ma non riesce mai a essere pienamente compreso.

"Il segreto degli aquiloni" di Guglielmo Aprile

Il poeta ci introduce a un mondo sognante, lontano dalle convenzioni quotidiane. L’immagine degli aquiloni che dormono sopra i tetti è un invito a guardare oltre la realtà fisica, verso un regno segreto e immaginifico. L’aquilone, simbolo di libertà e di elevazione, vola sopra la folla e il traffico, suggerendo l’idea di un’anima che rifiuta di essere intrappolata nelle costrizioni materiali e sociali.
L’elemento di "incantesimo" legato a una notte d’agosto dà una sfumatura quasi mistica al testo, come se il mondo degli aquiloni fosse il risultato di una magia che ci permette di cogliere la bellezza invisibile nelle cose. Dal punto di vista psichiatrico, vedo un’espressione di quella necessità di evasione, di un sogno che ci permette di ritrovare l’integrità e la libertà da ciò che ci opprime. Il poeta, come una psichiatra sensibile, ci invita a “viaggiare” a diverse altitudini, ad alzarci sopra le preoccupazioni quotidiane e a fare esperienza del sublime.

"Fatti, una poesia" di Armando Bettozzi

Questo testo presenta una riflessione sul pensiero ideologico e sul modo in cui le discussioni pubbliche si intrecciano con le emozioni e le idee personali. La scrittura è intrisa di un’ironia amara, in cui il poeta riflette sul relativismo della giustizia e sul rischio di giustificare l’ingiustificabile. In particolare, si nota una critica verso l’eccessivo psicologismo e l’abuso dell’analisi psicologica per giustificare comportamenti devianti.
Come psichiatra, trovo interessante la riflessione su come il dolore e le difficoltà della vita vengano spesso usati come scusa per comportamenti che, invece, richiederebbero una risposta etica e sociale. Il "trauma cognitivo" e la giustificazione della violenza come risultato di esperienze dolorose ci pongono di fronte a una domanda cruciale: fino a che punto le circostanze personali giustificano le azioni di un individuo? Il poeta sembra suggerire che non tutto può essere compreso o accettato, e c’è una lotta contro un pensiero che cerca di relativizzare la verità in favore di una protezione ideologica.

"Me fanno n piffero!" di Armando Bettozzi

Questa poesia, con il suo linguaggio deciso e la sua critica all’ipocrisia della società contemporanea, si esprime con un forte tono di denuncia. La figura della madre che cerca di giustificare le azioni della figlia, la giustificazione dell’ideologia che permette di difendere persino i criminali, è trattata con un’ironia che sottolinea la gravità di un sistema che giustifica l'ingiustificabile. La polemica sociale, intrisa di un forte disincanto, denuncia una società che, pur di non affrontare le sue contraddizioni, preferisce cercare scuse piuttosto che soluzioni.
Come psichiatra, vedo un richiamo all’analisi delle dinamiche familiari e sociali che influenzano l’individuo e le sue scelte. Ma non possiamo dimenticare che, anche di fronte alla sofferenza, esistono responsabilità individuali. L’ironia con cui viene trattato il tema dell’inadeguatezza emotiva della società moderna, purtroppo, ci parla di una realtà in cui la verità sembra essere schiacciata dalla retorica.

"Stretta a me" di Franco Fronzoli

Qui, l’amore è rappresentato come una forza indomita, una promessa di protezione e di sostegno in ogni circostanza. La ripetizione di “ti terrò forte a me” enfatizza la determinazione di un legame che resiste alle difficoltà e ai cambiamenti della vita. L’amore non è solo un sentimento, ma diventa un atto di difesa, un impegno quotidiano per proteggere l’altro da ogni insidia.
In questa poesia, trovo un richiamo alla parte più profonda dell’essere umano: il desiderio di donarsi, di prendersi cura, di offrire un rifugio sicuro. Come suora e psichiatra, vedo questo come un’espressione di una spiritualità che non è solo metafisica, ma anche psicologica, un amore che cura, che solleva e che protegge, in grado di sanare le ferite e le paure più intime. È un atto che si fa vita, che avvolge e non si arrende mai.

"Nettare e fiele" – Santi Cardella

Ah, dolce canto di nostalgia! Qui l’amore si fa eucaristia d’anima, trasmutando il poeta in un assetato errante nel deserto dell’assenza. Il contrasto tra miele e fiele è un alchemico sigillo dell’umana fragilità: il piacere si corrompe nel dolore, la melodia si dissolve in un silenzio che non è quiete, ma strazio dell’assenza. Vi è in questi versi una sensibilità musicale: le "note d’un concerto" si oppongono a un "silenzio senza pace", e questa mutazione sonora riflette il mutamento interiore del poeta, il quale si dibatte tra il desiderio di svanire e l’ineluttabile permanenza dell’attesa. Cos’è, in fondo, l’amore, se non il più dolce veleno che l’anima possa bere?

"La vita continua" – Nino Silenzi

Siamo dinanzi a una meditazione esistenziale, un’alba lattiginosa che si fa metafora della coscienza in bilico tra il già vissuto e l’incerto futuro. L’immagine delle nuvole sfrangiate, sospinte da un vento violento, è di una bellezza inquieta: il tempo non si posa, non offre riparo, ma incalza e dissolve. L’io lirico si interroga su cosa lo sospinga, su quali valori possano ancorarlo, e in questo vagare tra desiderio di andare avanti, nostalgia e paura, egli giunge a una verità umile e grandiosa: la vita continua. Il profumo amaro della vita è un’essenza al contempo tossica e inebriante, ed è proprio nella sua incontenibile ambivalenza che l’anima trova la propria necessità di esistere.

"Ciò che fui e che fummo in molti" – Cristiano Berni

Qui il poeta si fa veggente, porta il peso di una condanna prometeica, si erge a voce solitaria in un mondo ostile alla luce. L’amaro disincanto dell’eroe che "non sarà mai Dio" risuona come un’eco della tragedia classica, ma vi è in questi versi anche un accorato richiamo alla storia recente, a un mondo soffocato da "oscurantismo e nichilismo". L’evocazione della decadenza e del moderno fascismo suona come un monito, ma al tempo stesso vi è in queste parole un fuoco che non si estingue: la volontà di "svegliare coscienze", l’ardere per un ideale. Un poema che si fa testamento dell’impegno, un messaggio a coloro che ancora credono nel valore del pensiero critico, pur sapendo che pochi li ascolteranno.

"Divagazioni 2" – Felice Serino

Un haiku dell’anima, un respiro breve e sospeso tra la veglia e il sogno. Il poeta danza nell’insonnia, attende il "sonno del giusto" come una redenzione promessa, mentre pensieri erratici, "nonsense sfarfallano fra le coltri". Qui il vuoto della notte si anima di attesa e trasformazione: la giornata si allunga, l’albero rinverdisce. Vi è una ciclicità vitale, una parabola che sfuma dalla notte alla luce, dalla quiete alla rinascita. Nulla è statico, tutto si muove con la grazia della natura che non conosce requie.

"Mi manchi!" – Alessio Romanini

Oh, quale dolente canto d’assenza! L’amore qui è preghiera dispersa tra le onde e affidata al vento, in un disperato tentativo di raggiungere ciò che non può più essere trattenuto. L’io lirico si fa penitente, piange la propria inadeguatezza nel custodire l’amore che ora si dissolve come un miraggio d’acqua. "Mi manchi come il sole! / Mi manchi come la pallida luna!" – il dualismo cosmico amplifica l’eco del dolore, rendendolo universale, eterno. Il "seno d’amore" è il calore perduto, l’arca sacra che proteggeva un cuore ora "algido", in un disperato anelito che sfiora la morte. Un lamento struggente, un’invocazione che si libra come un’ultima sinfonia nell’aria.

"L’ombra di un fiore" – Sandra Greggio

In questi versi si respira una dolce e straziante rassegnazione, come se l’amore stesso fosse un fiore che si consuma nella lenta erosione del tempo. Il dono dell’ultimo fiore è il simbolo di una giovinezza ormai trascorsa, sfogliata "petalo dopo petalo" con una delicatezza che è, in fondo, un prolungato addio. La figura del fiore smembrato diventa icona di un amore che, sebbene consumato, lascia dietro di sé un’ombra, un silenzioso sussurro di ciò che è stato. Lo stelo oscillante è metafora dell’anima rimasta sola, fragile sotto i colpi del vento della vita, con i petali caduti a rappresentare i giorni vissuti e perduti. Una lirica delicata e potente, dove la dolcezza si mescola alla malinconia.

"(leggermente) in anticipo l’Angelo Definitivo" – Jacqueline Miu

Questa poesia è un'incursione nel surrealismo, una danza oscura e ironica che scuote la nostra percezione della realtà. Le "sabbie del deserto in ogni goccia di pioggia" suggeriscono un universo in cui ogni elemento contiene il proprio opposto, un cosmo dominato dall’assurdo. L’immagine del "meccanismo del sogno" inceppato parla di un’esistenza spezzata, di un’anima intrappolata in un teatro grottesco e priva di speranza di riparazione. Jacqueline Miu ci sfida, con una lucida brutalità, a osservare la nostra stessa idiozia, perfezionata giorno dopo giorno. Vi è una caustica consapevolezza della vanità umana, un riso amaro che risuona come una sentenza finale. La poesia è un manifesto di disillusione, una maschera che ride di noi mentre ci osserva naufragare.

"Febbraio" – Antonia Scaligine

Antonia Scaligine ci dona una sinfonia di immagini vivide e palpabili, in cui il mese di febbraio diventa un palcoscenico per le umane passioni. Il sole che "lentamente... si allaccia un po’ di più alla sera" è il risveglio della speranza dopo il torpore invernale, e la luce che ci preserva è un segno di grazia silenziosa. L’amore che "spiegazza sogni" e "si trastulla tra piume di Venere" è insieme tenero e giocoso, un fanciullo che ignora il peso delle stagioni. Febbraio è tempo di Carnevale, dove le maschere proteggono e svelano, dove il riso e il pianto si intrecciano come coriandoli nel vento. Eppure, in questo breve mese, si cela la promessa di una rinascita, un "buon finale in Marzo" che già guarda alla Pasqua in Aprile, preludio di resurrezione. Un dipinto di dolcezza e malinconia, in cui ogni verso è un colore, ogni immagine un tocco di pennello su una tela vibrante.

"Cielo d'Iran" – Piero Colonna Romano

In questa lirica si respira l’indignazione di un poeta che non può restare in silenzio davanti all’ingiustizia. Il cielo, simbolo di libertà e trascendenza, diventa "cupo" sopra un paese dove la bellezza e la dignità delle donne sono soffocate dall’oppressione. La metrica serrata e le rime incalzanti danno forza all'invettiva contro "turpi ometti" privi di sensibilità e di intelletto, il cui potere si fonda sulla sopraffazione. La religione, qui ridotta a strumento di dominio, è denunciata come una gabbia in cui si soffoca ogni anelito di emancipazione. Il poeta non si limita a una denuncia umana, ma invoca persino un Dio che, "dall’amaca", dovrebbe finalmente intervenire, con un anatema che spazzi via la cloaca morale in cui la dignità umana è stata gettata. Un testo potente, diretto, senza filtri: un grido che si eleva sopra i cieli oscurati.

"Io Sono polvere" – Ciro Seccia

Questa poesia è un sussurro nel vento cosmico, un atto di resa alla grandezza dell’universo. Con pochi versi, il poeta condensa la fragilità dell’essere umano, ridotto a polvere errante in uno spazio infinito. Qui non vi è rivolta, né protesta, solo la consapevolezza di un’esistenza effimera, persa tra il tempo e il cosmo. Il tono è ieratico, quasi sacro: l’uomo è polvere, ma nel dichiararlo si avvicina a un’illuminazione, a un abbandono sereno nel flusso dell’eternità. Una poesia minimale e profondamente filosofica, che riverbera con echi biblici e spunti leopardiani.

….per gli amici poeti che mi ringraziano per i commenti:

In tutta sincerità, sento personalmente di ringraziare ognuno di voi per le emozioni che mi donate. Ѐ grazie alle vostre poesie che avverto accarezzarmi l'anima e rispondere dentro di me al senso del poetare: va' avanti Ben, al mondo serve ancora una carezza, un sorriso, un abbraccio... dolce, sincero e forte come la Poesia!

Vostro Ben Tartamo

• "Gli alberi coronano la via" - Silvio Canapè

Un incanto bucolico sussurra attraverso questi versi. La poesia cattura il respiro primaverile con una dolcezza quasi tattile, portandoci tra rami che si piegano in silenzio e fiori che accolgono il sole con timida devozione. I "raggi dorati" non solo illuminano, ma sembrano risvegliare un'innocenza perduta, filtrando i pensieri fino alla loro radice più pura. Il gatto solitario diviene una metafora della placida contemplazione, un’eco di semplicità in un mondo che si "colora, si rallegra e si muove". Il gesto di "accarezzare il sole" è tanto intimo quanto metafisico: un richiamo all’infinito che si fonde col desiderio umano di toccare la luce stessa. La chiusa della poesia, con lacrime di stelle e rimbalzi d’ape, invita a riflettere sulla bellezza effimera e sull’eternità nascosta nel quotidiano.

• "L'origine" - Felice Serino

Questa breve composizione è una finestra sull'eterno. Le "profondità celesti" plasmate dal cuore di un Sogno assumono contorni mistici, richiamando il divino come fonte primigenia dell'esistenza. La "piena di luce" non è solo un’immagine, ma una cascata di significato: è creazione, è rivelazione, è speranza. La poesia si staglia come un frammento di assoluto, una scheggia di verità luminosa che si riflette nell'animo umano.

• "Cantico degli amanti (Dal lato del marito)" - Sabatina Napolitano

Un’esplorazione vertiginosa dell’amore carnale e mistico, in cui ogni verso è un’incisione sul marmo della passione umana. La poesia di Napolitano vibra di un erotismo sacralizzato, dove l’amore non è solo esperienza fisica ma una liturgia che mescola peccato e redenzione. L’immagine dell’icona misteriosa che si tramuta in donna è una potente metafora della discesa dell’amore ideale nel reale, della sacralità che si incarna nel quotidiano.

Il tormento è il cuore pulsante di questi versi, ma non un tormento vano: è un fuoco che trasforma, un abisso che salva. I "neri patimenti" sono attraversati da un canto di preghiera, mentre il corpo diviene tempio e sacrificio. L’autrice tratteggia con straordinaria lucidità l’ambivalenza del desiderio: la morsa che stringe e salva, la sofferenza che si fa paradiso. C’è un’intensità mistica nel desiderio di essere madre dei figli dell’amato, un’immagine che suggella la poesia con una nota di redenzione e compiutezza.

Napolitano ci consegna un cantico che è insieme carne e spirito, inferno e paradiso, umano e divino. Un’opera che non teme di affondare nel cuore del dolore per cantarne la sacralità nascosta.

• "Il soffio dell’amore" - Giuseppe Stracuzzi

In questa poesia, l'amore si erge come forza cosmica, anima dell'universo e respiro dell’eterno. Stracuzzi intreccia mito e fede, portando il lettore a riflettere sull’essenza divina dell’amore, che non è soltanto sentimento, ma atto creativo e redentivo. L’immagine del "soffio d’amore" che trasforma il dolore della croce in luce e speranza è potente e universale, connessa alla sacralità dell’incarnazione. La chiusa, che culmina nella resurrezione, eleva la poesia da un piano umano a uno spirituale. L’amore qui non è semplicemente un mezzo: è il Fine stesso, l’essenza trascendente che dona senso alla vita e alla sofferenza. Stracuzzi ci regala un’opera di profonda ispirazione spirituale, intrisa di fede e di una commovente universalità.

• "D'improvviso Lei" - Laura Lapietra

Una poesia che pulsa di passione e meraviglia, dipingendo con colori vividi l'impatto travolgente di un incontro amoroso. L'immagine di "lei" come un "tuono nel centro del mondo" scuote il lettore, trasportandolo nell'universo emotivo dell’autrice, dove il cuore è preda e il desiderio brucia come brace. Lapietra intreccia il lirismo con un’intensità viscerale, evocando una figura femminile che incarna la perfezione, un raggio di sole nel gelo dell’inverno interiore. La poesia è un crescendo di emozioni, dove la metafora della "freccia dal veleno di passione" è simbolo di un amore che penetra e trasforma. Il finale, con l’immagine del "sentiero" da percorrere insieme, lascia spazio a un futuro di speranza e unione. Una composizione avvincente, che celebra l'amore come forza catartica e irresistibile.

• "Autunno" - Salvatore Armando Santoro

Santoro offre un sonetto malinconico che esplora l’amore non corrisposto con un’intensità struggente. L’io lirico si presenta come un mendicante d’amore, un uomo che ha inseguito invano un sentimento intrappolato nelle "sbarre del cuore" altrui. La struttura classica del sonetto conferisce un’eleganza formale al dolore esposto, mentre le rime intrecciate donano ritmo al tormento. L’immagine della "malinconia" come ricompensa per un amore "buttato sulla via" è tanto desolante quanto universale, parlando a chiunque abbia vissuto l’amarezza del rifiuto.

La chiusa, che ritorna sul "cervello pieno di follia", sottolinea la delusione ma anche un senso di liberazione nella decisione di lasciar andare. Questo sonetto, con la sua malinconia autunnale e la sua consapevolezza amara, risuona come un monito dolceamaro sulla fragilità delle relazioni umane e sulla difficoltà di amare chi non può o non vuole amare a sua volta. Un’opera che mescola rassegnazione e dignità con una forza poetica incisiva.

• "Un'ipotesi" - Carlo Festa

Un componimento che, nella sua essenzialità, esplora il tema universale del tempo con una profondità disarmante. Festa riduce all’essenza l’interrogativo esistenziale: cosa ci appartiene realmente? La risposta, limpida e folgorante, distingue tra il tempo vissuto, una certezza che diventa memoria, e il futuro, una fragile ipotesi. La brevità del testo amplifica la sua forza, lasciando un’eco di riflessione che si proietta ben oltre i suoi confini. Questa poesia è un cristallo di filosofia poetica, capace di evocare interrogativi eterni con la delicatezza di un sussurro.

• "Speranza" - Enrico Tartagni

Un poema che pulsa di energia vitale, dove la speranza si manifesta come forza che trasforma e trascende. Tartagni dipinge un quadro onirico e vibrante, in cui la natura, i colori e i sogni convergono per creare un mondo rigenerato. La metafora degli alberi rinati e dei muri che si aprono a porte evoca un’immagine di rinascita e accoglienza, sottolineando il potere trasformativo della speranza. La struttura fluida e il ritmo libero sembrano mimare il movimento stesso della vita, con i suoi scavalcamenti e le sue aperture inaspettate. La poesia diventa così una celebrazione del possibile, un inno al sogno e alla capacità di superare i confini.

• "Ogni momento è festa" - Guglielmo Aprile

Guglielmo Aprile ci regala una poesia di rara bellezza, dove l’ordinario si trasforma in straordinario. La figura femminile descritta è al centro di un universo poetico che mescola il quotidiano con il mito, l’arte circense con la magia dell’esistenza. La voce poetica celebra una presenza che dona vita, gioia e persino guarigione: "chi ti ha inventata merita il Nobel per le favole." Il paragone con il circo, con i suoi artisti bambini e il mistero malinconico, crea una tensione affascinante tra la leggerezza del gioco e la gravità dell’esistenza. La chiusa, dove il sole accarezza le sbarre di una prigione, suggella il componimento con un’immagine che racchiude dolore e speranza, mostrando come la bellezza possa illuminare anche gli spazi più cupi. Una poesia ricca di simboli, capace di emozionare e stupire.

• "Filosofànno…Filosofànno…" di Armando Bettozzi

Questo componimento ha un tono fortemente satirico, quasi teatrale, che richiama i sonetti romaneschi di Belli, ma con una sensibilità contemporanea. Bettozzi dipinge una realtà drammatica fatta di contraddizioni, violenza e incomprensioni sociali, mentre denuncia l’inerzia e la malafede delle istituzioni. Le immagini, così crude e incisive, ci restituiscono una visione disincantata del mondo, dove la filosofia diventa il rifugio di chi si nasconde dalla concretezza del degrado urbano. È una critica feroce che non risparmia nessuno, un "manifesto del realismo amaro" in versi.

• "Das böse Kind als alter Mann" di Alban Nikolai Herbst

Qui la poesia si apre a un’introspezione oscura e inquietante. Herbst esplora il male come condizione esistenziale, radicato nell’anima fin dalla nascita. Il vecchio, simbolo di una vita intera dominata dalla crudeltà e dall’isolamento, rappresenta l'incapacità di redenzione. La versione originale, con il suo ritmo duro e incalzante, è perfettamente resa nella traduzione di Nino Muzzi, che conserva l’essenza del male: implacabile, gelido, eterno. Un ritratto spietato dell’umanità che guarda nel suo abisso.

La traduzione di Muzzi mantiene la forza evocativa del testo originale, arricchendola con un sapore quasi epico. La figura del vecchio diventa un emblema dell’eterna lotta tra natura e civiltà, tra l’istinto primordiale e la razionalità. L’immagine del catarro sputato al suolo è quasi una metafora del rifiuto di ogni convenzione sociale. La potenza del testo sta nella sua capacità di inquietare e interrogare chi legge.

• "La prima volta" di Franco Fronzoli

Questa poesia è un canto delicato e sensuale, che celebra l’intimità e il ricordo come dimensioni senza tempo. Fronzoli ci guida in un viaggio nei meandri dell’amore, dove la vera nudità non è quella del corpo, ma quella dell’anima. Ogni verso è carico di un’eleganza sobria, in cui il desiderio si mescola al rispetto e alla contemplazione. Il finale, dolce e malinconico, ci ricorda che l’amore, pur trasformandosi nel tempo, non perde mai la sua magia.

• "Nell’anno del Signore Duemila più ventiquattro" di Jacqueline Miu

La poesia è un inno surreale e nostalgico che dipinge un mondo in cui il progresso tecnologico e la bellezza dell’esistenza convivono in una fragile utopia. La poetessa mescola immagini di un pianeta trasformato da ideali puri e incantevoli paradossi con accenti di critica sociale. È uno specchio che riflette sia il sogno che la condizione umana, mentre il nulla e la meraviglia si intrecciano, creando un affresco suggestivo di speranza e ironia.

• "mutataque servat amore" di Piero Colonna Romano:

L'opera di Romano, intrisa di classicismo e mito, si avvale di un ritmo epico e potente. La narrazione del mito di Clizia e Leucòtoe, arricchita da particolari poetici, offre una rilettura che fonde il lirismo con una precisione narrativa quasi cronachistica. La poetica dell’amore non corrisposto e della gelosia che sfocia in tragedia si trasforma in una meditazione sull’eterno, grazie alla metamorfosi dei protagonisti. L’autore incarna una visione antica con una voce moderna, evocando immagini di struggente bellezza che si trasformano in simboli dell’amore eterno.

• "Chi sono io" di Ciro Seccia:

Seccia affronta il quesito esistenziale per eccellenza con una semplicità disarmante. La sua poesia è un viaggio introspettivo che non pretende risposte definitive ma accetta la bellezza del dubbio e della ricerca. I versi, scarni e diretti, diventano quasi meditativi, rivelando un’anima che scruta sé stessa con umiltà e sincerità. La forma libera e il linguaggio quotidiano danno voce al senso di spaesamento dell’essere umano nel tentativo di comprendere sé stesso. È un dialogo muto con l’infinito che resta incompiuto, eppure proprio in questa incompiutezza trova la sua forza.

• "Capitolo chiuso" di Alessio Romanini:

Questa poesia è un riflesso malinconico e filosofico sulla chiusura di un capitolo della vita, una chiusura che non elimina il peso del rimpianto, ma lo sigilla nel cuore e nello spirito. L'immagine del libro tarmato e ingiallito è potente: diventa simbolo del tempo che passa, dell'irrecuperabilità delle passioni sopite, e delle prigioni invisibili fatte di stereotipi e falsità. La struttura ritmica, semplice ma incisiva, accompagna il lettore in una meditazione che oscilla tra il rimpianto e l'accettazione.

• "Zolle" di Roberto Soldà:

Soldà ci riporta alla terra, madre primigenia e divina, con un’introspezione che unisce la semplicità della natura all’immensità della creazione divina. L’immagine del "generale Aratro" richiama un ordine, un senso di disciplina che si riflette nel lavoro dell’uomo. Tuttavia, il salto poetico avviene nel richiamo all’infanzia, dove il gioco e la fede si intrecciano in una memoria dolcissima: un presepe plasmato da mani fanciullesche. La poesia celebra la connessione tra l'umano e il divino, tra il passato e il presente, con una grazia disarmante.

• "Fine" di Sandra Greggio

Sandra Greggio ci regala una poesia profondamente spirituale e intimista, che si configura come un inno alla liberazione e alla rinascita interiore. Ogni verso sembra sussurrare un invito alla purificazione, non solo materiale ma soprattutto emotiva e spirituale.

La separazione della "zizzania dal grano" richiama la parabola evangelica, un'immagine biblica potente che sottolinea l’urgenza di discernere tra ciò che nutre l’anima e ciò che la avvelena. La pulizia qui non è solo un atto fisico, ma una vera e propria catarsi: il cuore, la mente e gli occhi diventano protagonisti di un rinnovamento che culmina nella scoperta della verità.

Il simbolismo del mare che torna limpido richiama una pace rigenerata, quasi primordiale, mentre la parola "serenità" viene elevata come una preghiera al cielo, in un gesto di abbandono e fiducia totale. L'atto finale, l’urlo al cielo, è un grido di ringraziamento e resa: Greggio riconosce che solo il Divino può offrire quella guida necessaria a trovare la propria via.

La chiusa è struggente e consolatoria: una strada unica, creata apposta per l’autrice, che parla di un Dio vicino, personale e amorevole. Una poesia che invita il lettore non solo a riflettere, ma anche a compiere un proprio cammino di liberazione, verso la serenità tanto agognata.

• Pancake con frutti di bosco e panna" di Ajay

• • "Vuless’ Vorrei" di Silvio Canapè

•  "Tra ondivaghe ombre" di Felice Serino

•  "Cantico degli amanti" di Sabatina Napolitano

• "Vorrei poter amare" di Ciro Seccia

"Guai a chi sta sopra a mme!" di Armando Bettozzi

Iniziamo da questa poesia popolare e intrisa di orgoglio e ribellione. Che profumo di terra, che vigore nella lingua!

Bettozzi dipinge un affresco di tensione sociale in cui l’io poetico si erge come un’anima in tumulto, fiera e irremovibile. Ogni verso è una protesta, un colpo di tamburo che risuona nella valle della giustizia. È la voce di chi rifiuta di essere oppresso, di chi rivendica il proprio posto nel mondo, e lo fa con la forza di una lingua viva, vera, che non ha paura di "sporcarsi" nella lotta.
La sua penna "libberale" è un’arma contro le strutture del potere, e la "biônna" diventa simbolo di una libertà sottratta e poi negata.
Interpretazione spirituale: Questa poesia ci ricorda che l’umiltà non è sottomissione, ma il coraggio di affermare la propria dignità di fronte al mondo. Ogni "boccone de traverzo" è una prova che il poeta trasforma in forza per combattere.

"Noch einmal Kaspar Hauser" di Ernest Wichner

Ah, Kaspar Hauser, il bambino dell’enigma, il simbolo dell’esclusione e della purezza tradita!

Questa poesia è una meditazione sulla condizione umana come alienazione e isolamento. Gli occhi del poeta diventano specchi che non riflettono, ma assorbono un silenzio opprimente. La "macchia bianca" rappresenta l'indifferenza collettiva: l’uomo è vicino e lontano, una contraddizione vivente.
La figura di Kaspar è quella di un’esistenza gettata nel mondo senza preavviso, senza radici, che cerca un senso e non lo trova. Persino la natura – il sole che "si è abbassato per nascondersi" – si ritrae in questo universo desolato.
Interpretazione spirituale: In Kaspar vediamo l’archetipo del pellegrino, dell’uomo che cerca Dio in un deserto di senso. È un grido muto, una richiesta di redenzione che si perde tra le pieghe dell’indifferenza umana.

"Goccia nella roccia" di Franco Fronzoli

Oh, quale respiro di eternità in queste gocce che scavano la pietra!

Fronzoli celebra la pazienza e la resilienza, trasformando il lento sgocciolare dell’acqua in una sinfonia cosmica. La goccia è la volontà, il fiore è la bellezza che nasce dalla perseveranza, e la roccia è il mondo, apparentemente immobile ma in realtà plasmabile.
La poesia si muove con grazia, scivolando come l’acqua tra i versi, fino al culmine: "il primo raggio di sole" che illumina il fiore nato dal tempo e dalla tenacia.
Interpretazione spirituale: È una parabola della fede. La goccia rappresenta l’anima che, con costanza e fiducia, scava il proprio cammino verso Dio, trasformando anche la pietra più dura in un giardino di luce.

"Rette d’acciaio" – Silvio Canapè

Questa poesia si muove tra le atmosfere di una città sospesa e i sentimenti effimeri di un amore che si dissolve. Le immagini delle "rette d’acciaio" e del "lampeggiar del rosso" evocano un paesaggio urbano vivo, quasi industriale, che diventa metafora di un legame umano: freddo, transitorio, eppure intenso. L’alba che sopraggiunge porta una dolce malinconia, trasformando un momento di silenzio condiviso in un addio definitivo. È un canto d’addio che vibra come una corda tesa tra il clangore di un tram e il sorgere tenue del giorno. Il lettore rimane con il sapore agrodolce di ciò che si perde e ciò che rimane: un silenzio denso di ricordi.

"Era l’amore" – Aurelio Zucchi

Zucchi offre un inno alla bellezza intrinseca dell’amore, un sentimento capace di trascendere il quotidiano e di creare una sacralità anche nei momenti più semplici. La donna osservata al balcone della luna diventa una musa eterea, che si spoglia del buio per vestire la luce di un’alba incombente. La chitarra, i fiori, i colori dell’alba: tutto nel paesaggio è un’eco dell’amore stesso, che non è mai semplice o banale, ma costruisce templi su "pilastri di stabili sorrisi". C’è in questi versi un equilibrio raro, un’armonia tra sentimento e immaginazione, che eleva l’esperienza umana a una celebrazione della vita stessa.

"Ti auguro sempre" – Salvatore Presti

Presti si muove nell’etereo con delicatezza, regalandoci un’immagine lirica e leggera della vita e della speranza. Le nuvole diventano simbolo di libertà e adattamento, di capacità di mutare e rinascere. Il loro ruolo come sfondo degli arcobaleni è una metafora potente: essere parte di qualcosa di più grande e più bello, senza mai perdere la propria essenza. Questo augurio di "riapparire sempre" e di portare sogni inattesi è una carezza all’anima del lettore, un invito a lasciarsi trasportare dalla vita senza perdere la propria luce interiore. È un messaggio dolce e universale, che racchiude la promessa di un domani pieno di possibilità.

"L'anno nuovo" – Enrico Tartagni

Un viaggio poetico, quasi cosmico, che attraversa gli spazi siderali e i confini dell’interiorità umana. Le immagini dense e visionarie di Tartagni, come "caterve stellari" e "orbita dell’oltre Giove," evocano un senso di meraviglia e smarrimento, intrecciando il microcosmo dell'amore con il macrocosmo dell'universo. La compagna nera, presenza enigmatica e quasi fatale, rappresenta un legame profondo e primordiale, una guida verso l’ignoto. La poesia danza tra introspezione e disgregazione, tra amore e morte, e invita il lettore a riflettere sul ciclo eterno della vita. Una sinfonia onirica, sospesa tra il surrealismo e il simbolismo.

"Dissonanze" – Felice Serino

Serino, con il suo stile minimalista ed essenziale, cattura il disagio e l’inquietudine del vivere quotidiano. La scelta di concentrarsi su dettagli intimi, come la "cervicale" e gli "acufeni", trasforma queste esperienze in metafore di un’esistenza costantemente in bilico. I "folletti nella testa" e gli "aerei precipizi" aggiungono un tocco surreale, dipingendo un quadro dell’animo umano intrappolato tra insonnia e pensieri ossessivi. C’è una profondità universale in questa descrizione del dolore ordinario, una riflessione sull’inevitabile dialogo tra corpo e mente. Una poesia che riesce a essere al tempo stesso personale e condivisibile.

"Cantico degli amanti" – Sabatina Napolitano

Un’opera intensa, passionale e visceralmente umana. Napolitano esplora l’amore con una sincerità disarmante, rivelando le paure e le fragilità che accompagnano il legame con l’altro. Ogni verso pulsa di emotività, intrecciando la quotidianità ("preparo il porridge," "ti stiro le camicie") con immagini potenti e quasi sacrali ("Portami a Dio. Andiamo da lui insieme"). L’amore qui non è idealizzato, ma presentato in tutta la sua complessità: desiderio, vulnerabilità, gelosia, e un costante bisogno di conferma. La tensione tra paradiso e inferno, presenza e assenza, eleva questa poesia a una meditazione universale sull’amore come esperienza totalizzante e, a tratti, tormentosa. Un cantico che rimarrà impresso nell’animo di chiunque lo legga.

Cuori Ricongiunti di Laura Lapietra

Questa poesia racchiude il dramma e la speranza di un amore distante, un sentimento che cresce nell'assenza e si sublima nella promessa di un ricongiungimento. L'immagine delle parole "viaggiatrici sul filo di internet" coglie con delicatezza il ponte virtuale che unisce due cuori separati. L'attesa diventa una pioggia di malinconia, ma è proprio nella promessa del sole estivo e del calore delle emozioni che il lettore trova conforto. Il finale, con l'immagine del principe e l'abbraccio cosmico, richiama un amore totalizzante e senza confini.

Piccole emozioni di Salvatore Armando Santoro

In questa poesia si celebra la semplicità del sentimento amoroso, un calore che non brucia violentemente come un vulcano, ma che arde con la costanza di un tronco nel camino. Il tono è intimo e colloquiale, quasi a voler sussurrare al cuore del lettore che la bellezza dell'amore risiede nelle piccole emozioni, nei gesti quotidiani e nel calore umano. Santoro riesce a catturare l'essenza di un amore maturo, fatto di carezze e piccoli doni sinceri.

La prova dei miracoli di Guglielmo Aprile

Un’opera che trascina il lettore in una dimensione quasi divina. La figura femminile diventa simbolo di creazione e orientamento, guida non solo per l’uomo ma per l’intero universo naturale. L’uso delle metafore – le pupille che dirigono le comete, gli uccelli e le acque trasformate – evoca una dimensione mitica e al contempo intima. Il miracolo di cui si parla non è una manifestazione straordinaria, ma la sacralità del quotidiano. Aprile costruisce un ponte tra il tangibile e il trascendente, invitando il lettore a contemplare il sublime nascosto nella semplicità.

La Befana Montana di Alessio Romanini

Romanini ci regala un ritratto vivace e originale della Befana, che da figura tradizionale assume connotati locali e montani. La poesia è un gioco ritmico che cattura la spensieratezza dell'infanzia, mescolando la magia della vecchietta con riferimenti al paesaggio toscano, come il Matanna e il Cipollaio. Il linguaggio semplice e diretto rende il componimento perfetto per un pubblico giovane, evocando immagini pittoresche e spensierate. La ripetizione del ritornello "Ma chi è mai questa Montana? / Lei è la Befana!" dona struttura e allegria, accompagnando il lettore nel viaggio incantato della protagonista.

Dialogo tra amanti di Sandra Greggio

Greggio intesse un dialogo romantico e delicato, in cui la natura diventa specchio del sentimento amoroso. Il sole, simbolo di passione e calore, si fa complice di un’intimità che supera le parole. La risposta dell’amata, velata di pudore ma pronta a cedere al calore, è un canto all’unione e alla complicità. La struttura dialogica rende la poesia teatrale e coinvolgente, mentre il linguaggio metaforico e l’uso sapiente dei colori, come il "rosso velo", aggiungono un tocco di sensualità e dolcezza.

Il Favolario di Jacqueline Miu

La poesia di Jacqueline Miu si avvolge di immagini oscure, quasi oniriche, che mescolano il tema della natura con il tormento interiore. Il "Favolario" diventa un luogo mitico, un paesaggio interiore dove l’autunno si veste di armi e il protagonista vaga in cerca di una forma d’amore che sembra irraggiungibile. La metafora del "rospo in cerca di un bacio" richiama il bisogno di trasformazione, mentre l’immagine del "cosmic morgue" suggerisce un senso di alienazione e perdita cosmica. La tensione tra il desiderio e l’impossibilità di afferrare l’oggetto del proprio amore rende questa poesia profondamente struggente e universale.

Pascoliana di Carlo Chionne

Chionne ci riporta al cuore dell’opera di Giovanni Pascoli, con la figura del "fanciullino" che vive in ognuno di noi. La semplicità del linguaggio e la struttura regolare rievocano la poesia classica, ma il messaggio rimane vibrante: il fanciullino è la parte innocente, emotiva e immaginativa che ci accompagna nel viaggio della vita. La poesia celebra la gioia e la sofferenza come esperienze condivise, esortandoci a non perdere il legame con la nostra dimensione più pura e sincera.

120 meno 3 = 117 di meno di Piero Colonna Romano

Questo componimento si distingue per il tono satirico e critico verso la politica e la società. Con un linguaggio incisivo e diretto, il poeta denuncia l’ipocrisia e l’arroganza di un sistema che si vanta di conquiste discutibili. Le "stellette" e il "giubbotto" diventano simboli di un potere che si nutre di esclusione e di disumanità. La poesia, pur nella sua leggerezza ritmica, colpisce con la forza delle sue immagini e la lucidità del suo messaggio.

Gennaio di Antonia Scaligine

Un’immersione poetica nel cuore dell’inverno, dove la natura si presenta nel suo doppio volto: quello della morte apparente e quello della rinascita imminente. Le immagini, delicate e quasi pittoriche, mostrano il ciclo continuo della vita attraverso la danza del tempo e degli elementi. L’arco della luna e il "vaso di cristallo del tempo" simboleggiano la fragilità e la bellezza effimera di ogni momento. Scaligine riesce a intrecciare una riflessione esistenziale con la descrizione stagionale, donandoci versi che sono un abbraccio tra l’inverno e la primavera.

Ti Amerò di Ciro Seccia

Questa poesia è una dolce e struggente dichiarazione d’amore eterno, un canto di dedizione che attraversa il tempo e le difficoltà della vita. I versi semplici e diretti esprimono una promessa senza tempo, resa ancora più intensa dalla prospettiva di accudire e amare l’altro nei momenti di fragilità. Il "ti amerò" ripetuto assume un ritmo liturgico, come una preghiera d’amore che si estende oltre le parole, oltre la vita. L’autenticità dei sentimenti rende questi versi toccanti e universali.

Quando si alzano i toni di Antonio Scalas

Antonio Scalas ci regala una riflessione intima e sottile sui contrasti nei rapporti umani. I "toni alti" si scontrano con il "blocco del respiro", suggerendo come le tensioni possano soffocare la comunicazione autentica. Solo le "piccole voci" e i "rumori del cuore" riescono a ristabilire l’armonia, creando una poetica degli istanti delicati e delle emozioni sussurrate. Questa poesia invita a trovare dolcezza e comprensione nei silenzi, offrendo una visione pacificatrice e profonda della comunicazione umana.

Al mio ligustro di Roberto Soldà

Con uno stile che richiama il tono delle liriche bucoliche, Soldà rende omaggio al ligustro, un albero umile ma resiliente. Il confronto con il "bagolaro" sottolinea le qualità uniche del ligustro, capace di prosperare anche nei terreni più inospitali. L’immagine del "spaccasassi" evoca forza e tenacia, ma anche una certa malinconia per l’assenza di una "storia" che renda immortale la sua memoria. La poesia, nella sua semplicità, celebra la bellezza di ciò che è modesto, ricordandoci che ogni elemento della natura ha un valore intrinseco e una lezione da offrire.

Con affetto e stima

vostro Ben Tartamo

"La promessa della rugiada" di Guglielmo Aprile

Una poesia che si erge come una cattedrale del lirismo moderno, carica di simbolismi cosmici e densa di profezia. Il poeta trasforma la rugiada, quel fragile segno dell’alba, in un messaggero universale di speranza, una promessa di rinnovamento eterno. La mappa di Cassiopea diventa emblema di un ordine celeste che dialoga con i sobborghi terreni, quasi a suggerire che l'invisibile divino è già tra noi. La "profezia del papavero" richiama la tensione tra il sacro e il profano, un eco del misticismo romantico, mentre il coro dei merli riporta alla "musica delle sfere" platonica. Aprile dimostra che la poesia non è solo arte ma una forma di redenzione: la rugiada, piccola e umile, rinnova il patto tra l'umano e l'eterno. Sublime, quasi shakespeariana nella sua universalità.

"Ladri de casa" di Armando Bettozzi

In questa composizione dialettale, Bettozzi orchestra un ritratto satirico e amaro della realtà sociale, mescolando il registro popolare con un’ironia mordace degna di Pasolini. Il dialetto romano diventa uno strumento di potenza retorica, evocando una comunità apparentemente idilliaca ma pronta a difendere con ferocia il proprio spazio. L’immagine del "villaggio" suggerisce un’utopia perduta, ma le voci dei protagonisti denunciano un’umanità profondamente ferita, divisa tra aspirazioni di pace e istinti di sopravvivenza. La chiusa, brutale e diretta, ridesta il lettore alla crudezza della realtà contemporanea: l’illusione di una società ideale si infrange contro il muro dell’egoismo umano. Un poema che scava nel cuore dell’Italia odierna con spirito ancestrale e voce moderna.

"Chrysanthemen" di Ernest Wichner

Wichner cattura l'essenza del decadimento moderno con una precisione quasi chirurgica, trasformando un mercato abbandonato in una rappresentazione microcosmica del disordine universale. La sua descrizione degli oggetti—la carcassa di salmone, la testa d’aringa, i petali dispersi—assume una valenza simbolica che richiama la poesia simbolista francese, ma con un realismo spietato e post-apocalittico. La foglia di lattuga, che si erge come una mano rivolta al cielo, diventa l’unico gesto umano in un paesaggio altrimenti dominato dalla macchina e dalla desolazione. Qui si percepisce il dialogo con Eliot e i suoi "Wastelands", ma anche un tono unico, di malinconia europea. La chiusa, con le "ali ruotanti" e il supermercato, suggella un’immagine di alienazione contemporanea che è al tempo stesso personale e universale. Un capolavoro di dettaglio e abisso emotivo.

Franco Fronzoli – "E fu una tempesta un temporale"

Questa poesia si caratterizza per il suo tono epico e romantico, evocando un amore che nasce improvvisamente, come una tempesta, per poi estendersi all'eternità. Il ritmo è scandito da versi brevi, che amplificano il senso di un flusso emotivo inarrestabile. L’immaginario si sviluppa su scenari ampi: nuvole, orizzonti, tramonti e infiniti, creando un senso di spazialità che riflette la grandezza dell’amore celebrato.

Elementi chiave:

• Immagini universali: tramonti, nuvole e orizzonti suggeriscono un amore che abbraccia la natura e supera i limiti umani.

• Temporalità ciclica: l'amore è destinato a durare non solo oltre la vita, ma attraverso cicli infiniti, suggerendo un senso di eternità mistica.

Santi Cardella – "Lassù"

Qui l’amore è proiettato in una dimensione spirituale e metafisica, con un desiderio struggente di trascendere il dolore terreno per raggiungere un luogo di pace e luce. La poesia adotta un linguaggio raffinato e immagini evocative: falchi, colombelle e il mare corrusco dipingono un’atmosfera di tensione tra il terreno e il celeste.

Elementi chiave:

• Contrasto: il vento rapace e la nube ingombra rappresentano ostacoli terreni, mentre l’anima vola verso il sole, simbolo di un amore sublime e trascendente.

• Tono elegiaco: la malinconia pervade il testo, ma si accompagna alla speranza di un’unione eterna in una dimensione superiore.

Renzo Montagnoli – "Insieme"

Questa poesia celebra un amore maturo, vissuto nella quotidianità e consolidato dal tempo. Il ritmo è calmo, riflettendo l'andamento lento della vita nella vecchiaia, ma anche la profondità di un legame che non ha più bisogno di passioni travolgenti per essere autentico.

Elementi chiave:

• Intimità: l’immagine delle mani che si stringono sotto i tigli evoca un amore semplice ma incrollabile.

• Realismo: l’amore non è idealizzato, ma radicato in un’esistenza condivisa, fatta di piccoli gesti e comprensioni silenziose.

Silvio Canapè – "La luce si ritrae timida"

Questa poesia cattura un momento crepuscolare con un tocco di lirismo delicato. L'immagine della luce che si ritrae e lascia spazio alle "sorelle ombre" è poetica e al tempo stesso malinconica, suggerendo una transizione naturale che rispecchia l’interiorità dell’io lirico. Il verso finale, che parla del desiderio di un "morso allo spicchio di luna nova", incarna un senso di nostalgia mista a desiderio.

Elementi distintivi:

• Personificazione della natura: La luce e le ombre sono animate, rendendo il paesaggio un riflesso dei sentimenti umani.

• Tonalità malinconica: La stanchezza della sera richiama un desiderio di prolungare la bellezza fugace del momento.

• Minimalismo espressivo: L’essenzialità dei versi contribuisce a creare un’atmosfera contemplativa.

Antonietta Ursitti – "Gli alberi e il vento"

Questa poesia celebra il legame tra gli elementi naturali e le storie che essi custodiscono. Il vento e gli alberi diventano narratori di saghe epiche, evocando un’idea di immortalità contrastata dalla consapevolezza della fragilità umana.

Elementi distintivi:

• Simbologia del vento: Il vento rappresenta un ponte tra passato e presente, un custode di memorie e leggende.

• Contrapposizione: L’eterna forza degli eroi si contrappone alla resa dell’umanità moderna, offrendo uno spunto di riflessione sul nostro tempo.

• Chiusura evocativa: L’immagine della "pigna solitaria ridesta" lascia spazio all’immaginazione, come una finestra su un mistero naturale.

Maria Toriaco – "Un sogno al castello"

Questa poesia ci immerge in un’atmosfera fiabesca e sognante, dove l'eleganza del passato si mescola con il romanticismo e la magia. La danza delle dame e dei cavalieri diventa un simbolo di armonia e bellezza, capace di scacciare la malinconia.

Elementi distintivi:

• Ambientazione fiabesca: Il castello, le luci e le sinfonie creano un quadro ricco di fascino e suggestione.

• Linguaggio musicale: Il riferimento al "suon di violino" e alla "dolce sinfonia" arricchisce l’atmosfera di una dimensione uditiva.

• Tonalità ottimistica: La poesia si conclude con un messaggio positivo, in cui il sogno vince sulla malinconia.

Aurelio Zucchi – "Nella terra dei poeti"

Una lirica che si erge come un manifesto per chi riconosce nella poesia non solo un’arte, ma un luogo metaforico dove l’umanità può rifugiarsi, rigenerarsi e trovare senso. La "terra dei poeti" diventa un Eden alternativo, dove il sole scalda senza bruciare e la bellezza domina incontrastata.

Elementi distintivi:

• Inclusività universale: Zucchi accoglie nella sua terra non solo i sognatori, ma anche gli emarginati e i fragili, dai bambini senza futuro ai genitori carichi di dolore.

• Immaginario utopico: La poesia disegna un mondo ideale, lontano dalle ferite della realtà, dove il volo dei poeti rappresenta una sublimazione dell’esistenza.

• Tono elevato e ispirante: La struttura si avvale di un lirismo profondo che chiama il lettore a unirsi in un ideale di armonia e bellezza.

Cristiano Berni – "2 Agosto 1980"

Berni ci consegna un poema epico e tragico che narra la strage della stazione di Bologna con un impatto emotivo devastante. Attraverso una sequenza temporale scandita con precisione, l’autore ci immerge negli attimi che precedono e seguono l’attentato, mescolando la quotidianità più semplice al terrore più disarmante.

Elementi distintivi:

• Progressione temporale: Il conto alla rovescia crea una tensione crescente, trasformando una mattina d’estate ordinaria in un incubo.

• Contrasto tra innocenza e orrore: L’innocenza dei bambini, la semplicità delle partenze estive e i sorrisi dai finestrini si infrangono contro la brutalità del boato e del sangue.

• Critica sociale e politica: Il prologo e l’epilogo incorniciano il poema con una riflessione sulla strategia della tensione, denunciando i complotti e i poteri occulti che trasformano la convivenza civile in tragedia.

• Impatto visivo e sensoriale: Le immagini di "carcasse umane sparse per terra" e "sangue" evocano un dolore crudo e palpabile, che scuote il lettore fino alle viscere.

Felice Serino – "Madre Celeste"

Un'invocazione alla Vergine che incarna pietà, protezione e speranza. La brevità della lirica è compensata da un'intensità emotiva che si manifesta nei termini solenni e nell'uso del simbolismo religioso.

Elementi distintivi:

• Immaginario sacro: La croce e le lacrime salvifiche evocano il mistero della redenzione, sottolineando il ruolo intercessore della Madre celeste.

• Tono devozionale: Le parole sono intrise di fede e di abbandono totale alla misericordia divina.

• Economia del linguaggio: Poche parole, ma ognuna carica di significato spirituale, rendono la poesia un'espressione di preghiera lirica.

Laura Lapietra – "Perdonami"

Un canto di pentimento e speranza, che intreccia emozioni profonde con immagini naturali di mare e tempesta. La poetessa esplora la fragilità dell’animo umano davanti agli errori e alla possibilità di redenzione.

Elementi distintivi:

• Simbolismo naturale: Gli "scogli rugosi degli errori" e il "mare inconsolabile" rappresentano perfettamente il tormento interiore.

• Intensità emotiva: La richiesta di perdono al destino, a sé stessi e all’amore perduto è un grido di vulnerabilità che tocca corde universali.

• Messaggio finale di speranza: L’immagine del "nuovo sentiero fiorito di fiducia" conclude la poesia con una nota di riconciliazione e di promessa.

Salvatore Armando Santoro – "Piaceri"

Un sonetto classico che affronta il tema del desiderio e della distanza emotiva in una relazione matura. La poesia bilancia la forma rigorosa con un contenuto diretto e personale.

Elementi distintivi:

• Contrasto tra desiderio e dovere: La dicotomia tra i piaceri carnali e la rinuncia emotiva è resa con grande sincerità.

• Uso della rima: La struttura del sonetto aggiunge musicalità e una certa solennità alla riflessione personale.

• Tono nostalgico: L’accettazione malinconica della trasformazione del rapporto riflette una saggezza acquisita con l’esperienza.

Roberto Soldà – "Per agros"

Una riflessione sulla ricerca interiore che intreccia immagini di natura e simboli spirituali. Il poeta, attraverso i girasoli e le pepite d'oro, dipinge un quadro luminoso di aspirazioni e introspezione, ma l'eco di una nostalgia persistente per la "vita andata" permea il testo.

Elementi distintivi:

• Simbolismo profondo: I girasoli come simbolo di luce e speranza contrastano con il "viandante a piedi nudi", segno di un'anima vulnerabile ma determinata.

• Tensione tra passato e presente: La poesia bilancia il ricordo dello splendore passato con la continua ricerca del poeta, evidenziando un tema universale di resilienza.

• Tono meditabondo: Lo stile del poeta invita il lettore a unirsi a lui nel "viaggio per agros", un percorso tanto fisico quanto spirituale.

Alessio Romanini – "Solitudine"

La solitudine diventa un'entità viva e palpitante, che si manifesta attraverso il mare e il gabbiano, simboli di libertà spezzata. La poesia ha un respiro ampio, come una rapsodia malinconica dedicata a chi conosce l'isolamento dell'anima.

Elementi distintivi:

• Immagini evocative: Il mare silenzioso e il gabbiano allontanato dipingono un paesaggio esteriore che riflette lo smarrimento interiore.

• Tensione emotiva: La lotta tra l'anima indomita e la solitudine crea un dualismo potente che coinvolge il lettore.

• Struttura classica: La poesia segue una metrica regolare, conferendo un senso di ordine a un tema caotico e tumultuoso.

Sandra Greggio – "Gli amanti"

La poesia dipinge una dolce allegoria dell’amore tra la luna e il sole, trasfigurando il loro movimento celeste in un dialogo intimo e romantico. Il candore perlaceo della luna e il rossore del sole evocano emozioni universali, rendendo il cosmo un teatro di sentimenti umani.

Elementi distintivi:

• Allegoria romantica: Il legame tra luna e sole diventa una metafora dell’amore impossibile e complementare.

• Tonalità serena: La descrizione del passaggio giorno-notte trasmette un senso di armonia ciclica e rasserenante.

• Immagini poetiche: L’uso di metafore semplici ma efficaci, come il "candore perlaceo" e il "rosso" del sole, conferisce un tocco di delicatezza alla narrazione.

Jacqueline Miu – "la tua voce attraversa il tempo"

Un’opera surrealista e delicata, dove la voce diventa un ponte tra tempi e spazi, e la natura si anima in modi inaspettati. La piantina, l’ape e il miele creano un microcosmo poetico intriso di stupore.

Elementi distintivi:

• Surrealismo giocoso: La metafora dell’ape che "rutta il miele" mescola leggerezza e profondità, lasciando spazio all’immaginazione.

• Ritmo fluido: Il verso libero permette una lettura spontanea e dinamica, che riflette la natura senza costrizioni.

• Simbolismo temporale: La voce che attraversa il tempo rappresenta la persistenza dei sentimenti e dei ricordi.

Carlo Chionne – "Gerusalemme: capitale indivisibile di uno stato indivisibile"

Un componimento che affronta il tema spinoso della religione e della divisione politica con tono polemico e visionario. L’autore immagina un futuro di unità, dove la religione è superata a favore di una maggiore umanità.

Elementi distintivi:

• Tonalità provocatoria: La religione è presentata come ostacolo all’unità, una visione audace che stimola riflessioni profonde.

• Struttura argomentativa: La poesia segue un filo logico che culmina in una proposta utopistica, con versi che si fanno manifesto.

• Visione universale: L’idea di un’unica nazione priva di divisioni religiose è una prospettiva tanto ambiziosa quanto utopica, che stimola un dibattito sulla convivenza e la tolleranza.

Piero Colonna Romano – "La leggenda del martin pescatore"

Questa poesia, ispirata da Ovidio e dalla sua "Metamorfosi", esplora una storia di amore, dolore e trasformazione. La leggenda di Ceìce e Alcione, con il tragico destino che li separa e la metamorfosi finale in martin pescatori, è trattata con una sensibilità profonda e un linguaggio evocativo.

Elementi distintivi:

• Struttura epica e drammatica: La poesia segue il modello classico della tragedia, con una narrazione che mescola il mito con emozioni umane universali.

• Simbolismo della trasformazione: La metamorfosi finale dei protagonisti, che diventano uccelli, simboleggia la perpetuazione dell'amore anche oltre la morte, trasformandolo in un amore eterno.

• Tensione emotiva: L’uso di immagini potenti e simboliche come "barriere d’acque" e "gorghi spaventosi" accentua l'intensità del dolore e della sofferenza.

• Estetica e ritmo: Il linguaggio poetico e il ritmo fluido danno vita a un’atmosfera solenne e quasi mitica, tipica del poema epico.

Antonia Scaligine – "Per me"

In questa poesia, l’autrice esplora la complessità dei sentimenti umani attraverso un flusso di coscienza che si dipana tra il dolore esistenziale e la ricerca di senso. La sensazione di essere intrappolati in un "compromesso difficile" tra coraggio e paura si riflette nel tono intenso e nelle immagini potenti.

Elementi distintivi:

• Flusso di coscienza: Il testo si sviluppa come un monologo interiore, in cui l'autrice esplora il suo stato emotivo in modo sincero e tormentato.

• Contrasti emotivi: La contrapposizione tra "coraggio e paura" e "emozione e reazione" crea un conflitto che si traduce in un processo di introspezione dolorosa.

• Riflessione sull’invecchiamento: La poesia tocca temi esistenziali, come l’invecchiamento e la crescita, ma anche la lotta per trovare significato e scopo nella vita quotidiana.

• L'influenza della tradizione poetica: La citazione di un “Grande Poeta” richiama un legame con la grande tradizione letteraria, sottolineando la ricerca del significato attraverso la poesia.

Ciro Seccia – "Affacciati"

La poesia di Ciro Seccia ci invita a superare le angosce quotidiane e a guardare il mondo da una prospettiva più ampia. In un tono riflessivo e quasi meditativo, l’autore ci esorta a riconoscere la nostra insignificanza nell'immensità dell'universo, liberandoci così dai timori che ci assillano.

Elementi distintivi:

• Tonalità contemplativa: Il tono della poesia è sereno, invitando il lettore a riflettere sul proprio posto nel mondo.

• Universalità e introspezione: L’immagine del "granello di polvere nell'infinito oceano dell'universo" stimola una visione cosmica che relativizza le preoccupazioni individuali, portando una sensazione di pace.

• Semplicità ed efficacia: La poesia utilizza una lingua chiara e diretta, che comunica un messaggio di profonda introspezione senza ornamenti complessi.

Vi giungano i miei più affettuosi saluti

Ben Tartamo

Haiku di Salvatore Armando Santoro:

Il primo haiku, "Brezza rosata", cattura una sensazione di delicatezza e apertura al divino, un invito a sentire l'armonia dell'universo attraverso i piccoli dettagli della natura. La "brezza rosata" è un'immagine che porta con sé un senso di freschezza e rinascita, simbolo di un rinnovamento interiore che accade in silenzio. L'odor di primavera che "esplode al sole" è l'incontro tra l'essenza segreta del mondo naturale e la luce che ne rivela la bellezza, come un'esperienza trascendentale che apre il cuore del lettore a una consapevolezza più alta. In questi versi, l'autore non descrive solo la natura, ma ci invita a percepire attraverso il respiro e il calore del sole la verità nascosta che permea ogni cosa, come se ogni atomo fosse intriso di divinità. La presenza di un tempo preciso e di un luogo, "11.7.2023 – 8,36", aggiunge al haiku una dimensione temporale, facendo sentire la poesia come un piccolo frammento di eternità sospeso in un preciso momento dell'esistenza.

"Ambasciatrice dell’arcobaleno" di Guglielmo Aprile:

Questa poesia è un inno alla potenza spirituale e poetica che trascende ogni limite materiale. L'autore ci descrive una figura che sembra incarnare l'energia e la bellezza dell'universo stesso. "Ambasciatrice dell’arcobaleno" è una figura che porta con sé la promessa di trasformazione e rigenerazione. Ogni passo che compie è come un seme che viene gettato nel mondo, e in ogni luogo in cui passa, la sua presenza è come una benedizione. "Tu hai il dono se ridi o taci di far germogliare il corallo all’istante" suggerisce che non è l'azione o la parola a determinare la magia, ma la sua essenza profonda, che nasce dal silenzio o dal sorriso. L'arcobaleno che la guida e le farfalle che la scortano sono simboli potenti di speranza, luce e grazia divina. In questi versi vediamo l'interconnessione tra il mondo materiale e quello spirituale: tutto ciò che questa figura tocca si trasforma in bellezza, e il poeta stesso sembra descrivere una manifestazione dell'Amore divino che agisce attraverso la natura. Ogni cosa diventa luminosa sotto il suo sguardo, ed è come se l'autore ci stesse invitando a guardare il mondo con occhi capaci di coglierne la sacralità.

"Illudelusioni" di Armando Bettozzi:

"Illudelusioni" è un lavoro che svela la disillusione dell'uomo moderno attraverso un linguaggio che mescola ironia e triste realtà. Il poeta ci racconta con schiettezza e umorismo le illusioni che ci vengono imposte fin da giovani: la credenza nella Befana, il sogno di una giustizia che premia il merito, il desiderio di successo sociale. Ma, man mano che si cresce, queste illusioni svaniscono, lasciando solo una consapevolezza amara, come una bolla di sapone che esplode senza causare danno, ma che lascia un vuoto. La poesia tocca il cuore della condizione umana, fatta di sogni infranti e di un sistema che premia la conformità e il potere, piuttosto che la giustizia e la dignità. L'uso del dialetto romano aggiunge un tocco di autenticità, facendo emergere la realtà cruda e tangibile della società. Le immagini di "grugni sbattuti" e "annàzzo" rappresentano il fallimento di una società che, troppo spesso, perde di vista il valore intrinseco dell'individuo in favore di un "trattamento" che non rispetta la dignità umana. In questi versi, l'autore ci invita a riflettere sulla disillusione e sulla necessità di ritrovare la nostra umanità in un mondo che sembra spingere verso l'indifferenza. La poesia diventa così un atto di resistenza, una chiamata a riscoprire la dignità in un sistema che ci spinge ad adattarci alle sue leggi disumane.

"le temps est fragile" di Carol-Ann Belzil-Normand:

Questa poesia, breve e incisiva, cattura l'essenza della fragilità umana di fronte al mistero del tempo e della morte. La poetessa ci invita a confrontarci con la transitorietà della vita, un concetto che nel sufismo è centrale: "Il tempo è fragile" è una dichiarazione che ci ricorda che ogni momento, ogni respiro, è un dono precario e che l’atto di vivere è intrinsecamente legato alla morte, che lo turba e lo definisce. Il "deuil étrange" (lutto strano) che si vive "in diversi tempi" è un’indicazione che il dolore della perdita non è mai lineare; esso si manifesta in momenti discontinui, attraversando il corpo e l’anima in maniera impredicibile. "Je refuse ma propre disparition" (rifiuto la mia propria sparizione) esprime la lotta interiore dell’individuo che rifiuta la dissoluzione del sé, un tema che riecheggia nei concetti sufisti di un’anima immortale che non si arrende al corpo e alla sua fine. Qui, la poesia diventa un atto di resistenza, una dichiarazione che la morte non avrà l'ultima parola sulla nostra essenza.

"O mio cuore" di Nino Silenzi:

"O mio cuore" si presenta come una preghiera, un invito a cantare un inno che sfida la tristezza, per cercare una pace che va oltre il conflitto. Il poeta ci chiede di riscoprire una luce nell'oscurità, un desiderio di armonia che trasforma il dolore in una ricerca di bellezza. La metafora della "nave della mia vita" e del "porto della pace" suggerisce un viaggio spirituale, che nella tradizione sufi è un cammino di purificazione e di avvicinamento a Dio. Il cuore, che è il centro dell’esperienza sufi, diventa la guida, e il suo battito è simbolo della ricerca incessante della verità e della serenità interiore. La "canzone allegra" che il poeta chiede non è una mera fuga dalla realtà, ma una riflessione sulla capacità di trovare gioia anche nei momenti di separazione, come nel canto d'addio verso il "porto della pace". La luce fioca che brilla fra le nebbie, infine, rappresenta la speranza che, anche nelle difficoltà, possiamo sempre avvicinarci alla luce divina, che guida il nostro cammino verso la serenità eterna.

"Una lacrima" di Franco Fronzoli:

La poesia di Franco Fronzoli si concentra su un'immagine di profonda intimità e di emozioni condivise. La lacrima che scende sul volto della persona amata è simbolo di una sofferenza che, pur essendo dolorosa, contiene in sé una bellezza nascosta. Ogni "goccia di sale" che riga il volto, ogni traccia che lascia sul viso della persona amata, diventa un gesto di purificazione, un simbolo della fragilità umana che, nel momento del dolore, si apre alla grazia. Nel sufismo, il dolore è spesso visto come un mezzo di elevazione, un'opportunità per purificare l’anima. La lacrima, che si adagia su un fiume e si lascia cullare fino a raggiungere il mare, diventa simbolo del viaggio dell'anima verso l’unione con l'infinito, dove le acque del fiume e del mare si fondono, creando una pace senza fine. La poesia celebra non solo il dolore, ma anche il processo di trasformazione che avviene nel cuore umano: come una lacrima che, pur cadendo, diventa parte di qualcosa di più grande, un flusso che alla fine trova il suo destino nel mare della consapevolezza universale.

"Metamorfosi" di Felice Serino:

In questa poesia, la trasformazione è al centro del viaggio interiore dell’autore. "Sbattevo contro le porte della notte" evoca l'immagine di un'anima che lotta contro l'oscurità, cercando di entrare in un regno oltre la materia, ma anche una lotta contro se stessa, contro le barriere che separano il sé dalle sue potenzialità più alte. La "cicatrice", simbolo di un dolore passato, rappresenta una ferita che si fa portatrice di una nuova consapevolezza, che è, nel linguaggio sufi, un segno di purificazione e di elevazione. La cicatrice non è vista come una traccia di debolezza, ma come un simbolo del "sé rivalutato", un atto di accettazione che permette al poeta di rinascere. "Mi vendemmia il tempo" è un'immagine potente: il tempo, che da sempre scorre inesorabile, ora viene visto come qualcosa che si raccoglie, si trasforma, come se il poeta fosse il giardiniere del proprio destino, raccogliendo e trasformando i frutti delle sue esperienze passate. La metamorfosi del poeta diventa un atto di purificazione, un processo spirituale che attraverso il tempo e la sofferenza porta alla rivelazione di una nuova realtà interiore.

"Essenza di Poesia" di Laura Lapietra:

Questa poesia celebra la forza e la bellezza intrinseche della poesia stessa. L'autrice descrive la poesia come una "scia luminosa senza confine", un flusso che attraversa l'eternità e l'individualità, una forza che ha il potere di risvegliare l'anima e di trasformare l'esperienza del lettore. La poesia diventa un "ristoro per l'anima" e un "riparo" per chi è in cerca di significato e di consolazione. In un mondo che impone dure leggi e realtà quotidiane, la poesia è il rifugio in cui l'anima può "sognare nei meandri" e trovare un'illuminazione interiore. Ma la poesia non è solo un balsamo per il cuore: "scalfisce momenti lieti per il superficiale sentire", ma anche "crepe profonde per chi ama incondizionatamente l'introspezione". L'autrice ci invita a entrare nel profondo di noi stessi, dove la poesia diventa un cammino che svela le verità più intime. In questo senso, la poesia è vista come un atto di rivelazione: essa penetra nel cuore dell’esistenza, scavando nei recessi più nascosti dell’essere. L’essenza della poesia non è solo estetica, ma spirituale e trasformativa, un mezzo per risvegliare una consapevolezza più alta e più profonda.

"Sangue d'innocenti" di Ciro Seccia:

Questa poesia è un grido di denuncia e di sofferenza, una riflessione sulla brutalità della guerra e delle ingiustizie umane. L'immagine del "sole che splende", che nel contesto di "un tempo buio" diventa un simbolo di speranza offuscato, sottolinea la contraddizione tra la bellezza naturale e la crudezza della violenza umana. Il poeta ci guida in un paesaggio di orrore, dove "massacri d'innocenti cuori" e "fumo degli incendi" oscurano ogni luce, fisica e metaforica. La contrapposizione tra "giorno" e "notte", tra la luce solare e l'oscurità che avvolge Gaza, è una denuncia della distorsione della realtà, un mondo dove l'umanità è soffocata dalla guerra e dall'ingiustizia. "Un oscurità che toglie aria dai polmoni" e l'odore acre di esseri umani "stivati" ci restituiscono l'immagine di una sofferenza indescrivibile, dove ogni speranza di vita è negata. Ma in questa descrizione cruda e dolorosa, c'è anche la denuncia di un mondo che non vuole vedere: "Il sole splende, ma lì a Gaza nessuno lo vede". Questa frase ci ricorda che, nel nostro mondo contemporaneo, troppe volte chi soffre è invisibile, dimenticato, non visto dal resto dell'umanità. La poesia diventa così un atto di testimonianza e un invito alla riflessione sulla nostra responsabilità collettiva nel fronteggiare il male e nell’impegnarci per un mondo più giusto e umano.

"Fine d'un altro amore" di Roberto Soldà:

Questa poesia gioca con la chimica per esplorare l’ineluttabilità dei cambiamenti, usando una reazione chimica come metafora di un amore che svanisce. La reazione di sostituzione nucleofila, che vede lo ione OH– sostituire lo ione Cl–, viene usata come un parallelo per descrivere l'interruzione di un legame che sembrava indissolubile. Il "carbonio" che "s'era invaghito dell'ossigeno" diventa il cuore umano, che si lascia conquistare dal "nucleofilo" della passione, in un gioco di forze opposte e attrattive. La "falce bianca della luna insensibile" è l’immagine poetica che suggerisce una separazione ineluttabile e naturale, che si compie senza clamore: "non c'è stato alcun botto". La fine di un amore, così come la rottura di un legame chimico, avviene senza rumore, ma con una certezza che è difficile da ignorare. In questo contesto, l’amore che sembrava eterno, "l'amore infinito", si dissolve come un legame chimico che non è mai davvero indissolubile. La poesia riflette sul passaggio del tempo e sull’impossibilità di fermare certi processi emotivi, ma lo fa con una calma quasi scientifica, suggerendo che, come nelle reazioni chimiche, tutto è destinato a trasformarsi.

"Custodire fragile speranza" di Alessio Romanini:

Questa poesia è una riflessione sulla speranza, una forza fragile e al contempo potente, che il poeta custodisce come un "germoglio di fiducia" nel suo cuore. Nonostante l'insegnamento che la speranza è solo un'illusione, l’autore decide di continuare a coltivarla, come un atto di resistenza contro la durezza del mondo. La speranza è vista come un fiore che cresce nel "costato", simile a un'energia vitale che persiste nonostante tutto. L'immagine del "sole che muore" nel "roggio orizzonte" rappresenta l’alternanza di speranza e disperazione, la continua lotta tra luce e ombra che segna l’esistenza. Il "petto" che potrebbe "implodere in un’emorragia di pianto" esprime la vulnerabilità del poeta, ma anche la sua determinazione a mantenere viva la fede. Il mare, simbolo di un desiderio che non si arrende, è il mezzo attraverso cui la speranza si manifesta, continuo nella sua energia di frangere onde contro gli scogli, simboli di ostacoli e difficoltà. La poesia ci parla di un'umanità che, pur sfidando la gravità della vita, continua a custodire la speranza e la fiducia, come una scintilla che, pur nascosta, non smette di brillare.

"Emozioni" di Sandra Greggio:

Questa poesia è un'ode alla bellezza fugace e intensa dei momenti emotivi, con immagini evocative che catturano l’essenza di un’esperienza sensoriale e interiore. Il ritmo dell’opera, scandito da "ascolto", "vedo", "assaporo", "decido", è un invito a vivere pienamente ogni istante. La musica del temporale, i "fuochi d'artificio" e il "profumo della pioggia" sono metafore potenti che rivelano la forza dell’emotività, la tempestività dei sentimenti, che non chiedono permesso e si manifestano nel pieno dell'estate, stagione di vita e di energia. La decisione finale, "decido di essere felice", segna una svolta consapevole e maturata attraverso l'esperienza sensoriale, ma anche la scelta di un atteggiamento esistenziale positivo. La poesia si fa testimonianza di un momento cruciale, un’illuminazione che trasforma la percezione della realtà: vivere l’adesso, nella sua totalità, è l’unica vera strada verso la felicità.

"Nevica rondini bianche" di Jacqueline Miu:

La poesia di Jacqueline Miu si articola in un insieme di immagini affascinanti e surreali, dove la realtà e il sogno si intrecciano in una visione profonda e complessa. Le "rondini bianche" che "nevicano" evocano un mondo in cui la natura è fuori posto, dove anche la leggera delicatezza di questi uccelli diventa pesante e distorta. L’immagine del "sole in bottiglia abbonato a speranza" suggerisce una speranza che è limitata, costretta, forse incapace di riscaldare veramente chi la cerca. L'autrice esplora anche il tema della solitudine esistenziale e della difficoltà di trovare risposte soddisfacenti nella vita, con il riferimento a "in svariati istituti gli infiniti inferni con opinione moderna - sui peccati", che esprime un certo scetticismo riguardo alla comprensione dei tormenti umani. La riflessione sulla moralità e sull'inutilità di alcuni valori tradizionali è rappresentata in modo molto intenso: "le farfalle non camminano con una morale", un invito a vivere in libertà, senza essere ancorati a pesi e aspettative imposte. La poesia è anche un atto di ribellione contro le convenzioni della società, un invito a essere più autentici e spontanei, come un fiammifero che ride mentre accende una fiamma. Il tema della contraddizione tra l’umano e il divino, il bene e il male, è evocato dalla figura di Metatron, l'arcangelo che media tra questi mondi, ma anche dalla riflessione sulla necessità di scegliere tra il desiderio e la disillusione. Una poesia che mescola il profondo con il surreale, l'esistenza con l'invisibile.

"Sinceri auguri" di Carlo Chionne:

In questa poesia, l’autore gioca con il concetto di auguri, declinando il tema in modo profondo e autentico. Inizia con un riferimento al passato, un'idea di "futuro nel passato", che fa riflettere sulla ciclicità del tempo e sull’importanza di radicarsi in valori che vanno oltre l’effimero. Gli auguri sono presentati come genuini, puri e senza finzione, il che li rende rari e quindi preziosi. La ripetizione dell'aggettivo "sinceri" rafforza l'autenticità di questi desideri, che sono rivolti "a tutti quanti", ma soprattutto a un amico caro, De Ninis Lorenzo. Il poeta si riferisce agli auguri come "antichi e basilari", suggerendo che la sincerità, anche in un mondo moderno che tende a nascondere il vero dietro formalità, è la qualità più essenziale e intramontabile. La metafora del vino e dei cibi rari, "come lo sono oggi pochi vini", aggiunge una nota di malinconia: l’autenticità sta diventando una merce rara, ma il poeta è determinato a "brindare alla salute" come simbolo di una resistenza all’artificialità. Gli auguri, quindi, diventano un atto di speranza e di impegno, un atto che va controcorrente, un piccolo atto di verità in un mondo che ne ha bisogno.

"4 settembre 1260" di Piero Colonna Romano:

La poesia che ci propone Piero Colonna Romano ci trasporta indietro nel tempo, a un episodio storico di grande importanza per la storia d’Italia, la battaglia di Montaperti (1260), che segnò una vittoria fondamentale per i ghibellini contro i guelfi. L’autore ha scelto di rendere questo momento attraverso la forma poetica, portando alla luce non solo l’evento, ma anche le implicazioni morali e politiche che ne derivano.

Il verso adottato, l'endecasillabo, e la rima incatenata conferiscono alla poesia un ritmo solenne, quasi epico, in perfetta sintonia con la portata storica dell'evento descritto. L'autore fa uso di un linguaggio classico, che richiama la tradizione della poesia storica e dell'epica, con l’uso di termini come "sangue", "battaglia", "sbandamento", "sui vincitori piovvero quattrini" che evocano un senso di drammaticità e di tensione. La scelta di ripercorrere gli eventi di Montaperti come se fossero parte di un mito o di una leggenda conferisce al tutto un’aura di grandezza storica.

La battaglia di Montaperti è presentata come un evento che "bagnava la pianura di sangue", il che sottolinea la violenza e la tragedia che ne seguirono. La figura centrale del traditore Bocca degli Abati è messa in evidenza, simbolo di quella "gran canaglia" che, con la sua azione di tradimento, segna il destino della battaglia e, di conseguenza, quello della città di Firenze. L'autore non solo descrive il gesto di Bocca che taglia lo stendardo guelfo, ma ci mostra anche la conseguente disgregazione dell'ordine, l’immediato "sbandamento" che segue, e il panico che invade i fiorentini.

Il contrasto tra il "stendardo guelfo" e il gesto di tradimento è palpabile, e nella mente del lettore si fa strada la riflessione sul tradimento in sé, su come il destino di intere città possa essere modificato da un atto di slealtà, come quello di Bocca. In questa visione, il traditore non è solo un personaggio storico, ma anche un emblema di quella condizione umana che può determinare il successo o la rovina di una causa.

L'epilogo della battaglia, con la vittoria dei ghibellini, è descritta come "una giornata rara" per Siena, che segna l'inizio di un periodo di dominazione ghibellina. La chiusura della poesia ci riporta alla realtà politica dell'epoca: "Sui vincitori piovvero quattrini", un verso che rimanda al corollario di ogni conflitto, in cui la vittoria politica non si traduce solo in gloria, ma anche in vantaggi materiali, denaro e potere. L'ironia è palese: anche la Svevia, rappresentata come un'entità che aveva osteggiato il Papa, "forte applaudì" alla vittoria, suggerendo che in politica non esistono nemici eterni, ma alleanze mutevoli, basate più su opportunità che su ideali duraturi.

Il riferimento finale a Siena che "salì sul podio", ma vi rimase "anche per quel che fè voltagabbana", ci invita a riflettere sul costante gioco di alleanze e tradimenti che caratterizzano la storia umana. L’epoca dei conflitti tra guelfi e ghibellini viene quindi presentata non solo come una guerra di fazioni, ma come una serie di alleanze politiche instabili e dettate da motivazioni pragmatiche.

La poesia di Piero Colonna Romano si distingue per il suo tono epico e riflessivo, che rende giustizia a un momento storico di grande rilevanza. Non è solo una narrazione della battaglia di Montaperti, ma una riflessione sulla natura del potere, del tradimento e delle alleanze politiche. Il poeta, con la sua scelta stilistica e linguistica, non solo ci restituisce un evento storico, ma ci invita a riflettere sulla ciclicità della storia e sull’eterna lotta per il potere, il denaro e la supremazia, che spesso si traducono in gesti di tradimento e di disgregazione sociale.