"Dissolversi" di Ben Tartamo

In "Dissolversi," Ben Tartamo ci conduce in un viaggio onirico attraverso l’eterea dissoluzione delle stelle, simbolo di un destino che si sfuma nel mistero dell’esistenza. L'immagine di “un lento bagnarsi la pelle di luci e ombre” dipinge un quadro poetico di sensualità cosmica, dove le luci danzano con le ombre in un abbraccio inquietante, evocando il palpitare di sogni svaniti nell’infinito silenzio dell’universo.

Gli “sguardi straniti” dei protagonisti diventano specchi di un’anima smarrita, imprigionata nell’eterno ricorrere del tempo, a rivivere lo “stesso giorno” in un ciclo che sembra ineluttabile. In questa ripetizione immutabile, la vita si fa labirinto, e il “silenzio immenso” diventa un mare profondo di riflessione, dove ogni onda di pensiero può facilmente trascinare con sé i ricordi e le speranze.

Ma, nel cuore di questa vastità, vi è una scintilla di luce che " resta, ancora denso di luce” pur nel silenzio dell'Infinito. Qui, Tartamo ci invita a svelare il mistero di una speranza che, pur nella sua fragilità, si erge come un faro nell’oscurità. È un richiamo a riscoprire l’essenza divina che dimora in noi, un anelito di vita che si libra nell’aria, danzando tra le ombre e le luci, ricercando quell’armonia perduta.

La stanza in cui “riprende forma” l’anelito smarrito è un sancta sanctorum dell’anima, un luogo sacro in cui il tempo sembra fermarsi, e dove il cuore, finalmente, può “tornare all'Infinito.” Questo ritorno è un atto di riscatto, un gesto di rifiuto della banalità e della desolazione, e rappresenta l'ascensione verso una dimensione superiore, dove il materiale e il spirituale si intrecciano in un eterno abbraccio.

Tartamo, con la sua penna ispirata, ci invita a considerare la vita come un viaggio di dissoluzione e di rinascita, un ciclo di esperienze in cui la luce e l’ombra danzano insieme, insegnandoci che, nonostante il dissolversi, vi è sempre una verità che risplende nel cuore dell’umanità. La poesia diventa così un ponte tra il tangibile e l’inafferrabile, un canto che celebra la bellezza dell'esistenza e la sacralità dell'anima, portando il lettore a riflessioni profonde e trascendentali.

In questo modo, "Dissolversi" si trasforma in un inno alla resilienza dell'essere, una celebrazione della luce interiore che, anche nei momenti di maggiore oscurità, continua a brillare, rendendo il poema un'esperienza di straordinaria intensità lirica e spirituale.

"Gogyoshi" di Laura Lapietra

In questo componimento, si disvela un paesaggio intimo e sacrale, un cosmo vegetale che danza sull’orlo del tangibile e dell’eterno. Lapietra canta di "fiori innocenti", creature silenziose eppur vibranti, che sbocciano non solo dalla terra, ma dall’armonia cosmica che regola i cicli del nascere e morire. Le sue parole sono come filamenti d’erba carezzati dal vento, che accolgono l’innocenza con una tenerezza solenne. La scena è quasi un’antica liturgia: la "pura essenza" dei fiori emerge come uno specchio che riflette l’universo, uno specchio fragile, eppur indistruttibile, che porta il segno delle stagioni. Qui ogni petalo diventa il custode di un segreto del tempo, un emblema di bellezza effimera eppure eterna, che commuove chi sa sostare sulla soglia del mistero. Questo è il poema dell’essenziale, del "sincero", che si rivela senza maschere e senza filtri, nella sua nudità sacra. Ogni verso sembra inciso nella pietra cosmica, come un sussurro che risuona all’infinito.

"I seminatori" di Salvatore Armando Santoro

Santoro qui si inoltra nei territori in cui amore e sofferenza si intrecciano come i rami di una vecchia quercia, rugosi e dolenti. "Voglio dare anche a lei un po' d'affetto" — ecco il battito iniziale, una dichiarazione tanto semplice quanto traboccante di vulnerabilità. Il poeta, con un gesto di umiltà rarefatta, cerca di riversare un po' della sua stessa solitudine in un’anima altrettanto ferita. L'ambientazione sul "tetto" è come una metafora esistenziale: elevati dal mondo terreno eppure immersi in un dolore viscerale, i due personaggi si ritrovano nel rifugio delle loro rispettive mancanze. La visione del "sole lento declinare" diventa un emblema dell’amore al tramonto, un desiderio d’amore che non conosce l’ingenuità dei primi istanti, ma anzi, si radica nella consapevolezza dell'effimero e nel tormento dei rimpianti.

Santoro disegna un quadro di umana fragilità, in cui la nostalgia e la speranza si fondono in un gioco di specchi: ogni "affetto" dato e ricevuto è un frammento di cura, un balsamo per le ferite dell’anima. E come un sussurro antico, risuona quella "carezza a cui ogni donna aspira," quell’immagine che diventa totem dell’amore perduto, un soffio di eternità racchiuso in una manciata di versi. Santoro ci regala una poesia che sconfina nel rituale della confessione: ogni parola è un’offerta che si consuma nell’ascolto, un tentativo di riscoprire il senso dell’amore nelle ceneri della disillusione. È una liturgia del patire, dove ogni verso è come un grano seminato, nell’attesa fiduciosa di una rigenerazione che forse non avverrà mai, o che forse, nell’intangibile, è già iniziata.

"L’albero sradicato" di Guglielmo Aprile

In questa sinfonia arborea, Aprile si immerge nella natura come in un santuario profano, tessendo versi che fanno riecheggiare il battito dell'universo. L’albero sradicato non è solo un’immagine visiva ma un simbolo dell’esilio e dell’alienazione umana, una nostalgia di una fratellanza ormai perduta con l’universo verde che ci circonda. La "celeste inquietudine" che trapassa le foglie non è forse l’inquietudine dello stesso poeta, il desiderio di tornare a quella primordiale innocenza in cui uomini e alberi erano uno?

La seconda sezione, dove un dio "schivo" dimora tra i pioppi, evoca una mitologia silente, una teofania privata che l'autore sente sulla pelle come un’antica promessa dimenticata. Aprile cammina tra questi alberi come tra fratelli, una famiglia abbandonata nell’infanzia, e nel loro silenzio ritrova una sorta di perdono ancestrale. La "pietà" degli alberi è il balsamo che risana la separazione, la dolcezza con cui la natura accoglie chi ritorna a sé stesso, libero dai vincoli di un mondo umano che aliena.

La terza parte è una preghiera estatica: il poeta sogna di mutarsi in albero, rinunciando al fardello della memoria, desiderando l’eternità della vegetazione, un'esistenza pura, radicata, lontana dall’effimero umano. Il suo corpo umano, recluso e incapace di fiorire, diviene la prigione che lo separa dall’assoluto, dall'immortalità calma e maestosa dei platani. E Aprile conclude la sua ode con un grido di desiderio: diventare albero, annullarsi nell'eterno respiro della natura. Un canto al contempo nobile e disperato, che svela il profondo desiderio di superare la condizione umana e abbracciare l’immortalità verde, dove ogni radice è parte dell'infinito.

"Perché tu mi volevi davvero bene" di Piacentino Alessandra

Un poema di struggente bellezza, un inno alla perdita, al rimpianto e al silenzio che ci lega ai ricordi più dolorosi. Piacentino scava in profondità, affondando le sue parole come lame nel cuore, evocando quel silenzio pesante, opprimente, che nasce dalla paura, quella vigliacca tentazione di sfuggire al dolore dell'addio. “Non ho risposto alla tua ultima chiamata” — il verso pulsa come una ferita non rimarginata, una spina che continua a pungere nelle notti senza stelle.

C’è una bomba il cui timer suona dentro l’anima, una tortura interiore che ronza come un'eco infinita, segno del mancato coraggio. È qui che la poesia assume una dimensione quasi sacrale: ogni lacrima versata diventa un'offerta, ogni parola un atto di penitenza. Piacentino ci parla di un "coraggio" che si nasconde come "una spada nel cuore", un simbolo potente di redenzione mancata e di redenzione cercata. Eppure, come nella più classica delle tragedie, il momento del coraggio è sfuggito e ha lasciato al poeta solo un silenzio devastante.

Nell'immagine dell' "ultimo fiato", quella solitudine estrema in cui la persona amata è lasciata senza risposte, vi è una dolorosa verità: quella che i legami più profondi sono spesso incapaci di trovare compimento. Il poema termina con una benedizione straziante, "Che il sonno ti sia lieve", un augurio che è anche un’autoassoluzione, una preghiera affinché il tormento di chi rimane possa placarsi nella certezza dell’amore. Piacentino tesse un canto di rimpianto e tenerezza, un lamento che risuona come una melodia antica, un inno all’amore perduto e mai dimenticato.

"Paura notturna" di Davide Paglionico

"Paura notturna" è un canto di sfida lanciato nell’abisso cosmico, un viaggio a cavallo tra spiritualità e pazzia, tra amore e annientamento. Paglionico ci trasporta in un universo in cui il peccato, la redenzione e la ricerca di Dio si sovrappongono in un crescendo visionario. "Monaci ascoltate il mio Mah," proclama, in un tono che evoca un misticismo profondo e insieme un’insolenza sacrilega. È un grido che vibra nella notte, un'implorazione che fende il silenzio come una lama, sfidando l'ordine celeste e reclamando uno spazio nell’eterno.

Il poeta invita a scendere "negli inferi" per trovarvi "solo celle vuote" — una discesa simbolica che non è altro che l’incontro con il nulla, con il vuoto dell’esistenza. La sua voce sembra attingere da una dimensione oscura, un abisso che è anche un riflesso del nostro desiderio di comprensione e di potere. Qui, Paglionico si rivela come il "maledetto" che affronta il tempo con una tazza di caffè, scolpendo la propria follia come un artigiano, trovando nella sofferenza e nella disillusione la propria verità.

E quando scrive "MORIRE – MORIRE – MORIRE," si avverte l’eco di una preghiera blasfema che risuona nel cuore della notte, un mantra di autoannientamento e di ricerca di senso. Il "Rockerynook" diventa così un luogo sacro e infernale insieme, dove l'amore si "cucina," una parola che sembra avvicinare l'amore alla brutalità e alla materia, lontano da ogni idealizzazione. Paglionico ci parla della condizione umana come di un’eterna lotta con la divinità, un conflitto incessante tra la nostra vulnerabilità e il desiderio di immortalità. In questi versi, l’umanità risplende nella sua ribellione, in un canto che è al contempo una preghiera e una maledizione.

"[étrangère à moi-même]" di Carol-Ann Belzil-Normand

Questa breve lirica di Belzil-Normand è un’esplorazione metafisica e glaciale del sé, uno sguardo che fruga tra i frantumi di un’identità smarrita. "étrangère à moi-même", recita il primo verso, e già siamo immersi in un paesaggio di alienazione profonda, dove il sé si allontana da sé stesso come in uno specchio distorto. L'immagine della "mensonge" — la menzogna — che si stende immensa, è quasi il mare che risucchia e avvolge l’io in un vortice di illusioni e inganni.

L'atto di "evitare il desiderio" assume un valore filosofico e ascetico, quasi una rinuncia a tutto ciò che lega il sé alla corporeità e alla passione. Eppure, questa non è una fuga. È una "prassi verbale," un’esistenza che si gioca nelle parole, nel linguaggio come unico territorio abitabile, come ponte tra il nulla e l’essere. La frase "le feel-tu" sfuma in una domanda ironica e forse provocatoria, una fessura in cui l’autrice invita il lettore a percepire, a sentire oltre la superficie.

Nella versione italiana di Nino Muzzi, il "Finalmente" conclusivo appare come un sospiro di sollievo, o forse di rassegnazione, un attimo di chiarezza che svanisce nell’onda di oltraggi. Belzil-Normand ci offre una poesia ellittica e siderale, un mosaico di suoni e silenzi che esprime l’intangibilità dell’identità umana, l’inquietante estraneità di vivere in un corpo e in una mente che non ci appartengono mai del tutto.

"Parlami di te" di Franco Fronzoli

In questi versi, Fronzoli ci invita a un viaggio intimo, un pellegrinaggio nei reami dell’anima e dei suoi ricordi. L’incantato "Parlami..." che si ripete con la dolcezza di un sussurro è come un'eco che attraversa il tempo, che richiama la voce di chi amiamo e di chi abbiamo perso. "Parlami della notte" e dei "momenti sinceri" è una supplica tanto quieta quanto struggente, rivolta all'essenza più pura della memoria e del sentimento umano.

Fronzoli ci esorta a rievocare tutto ciò che ci ha resi vivi: le "primavere", i "colori", i "fiori", gli "arcobaleni" – immagini di una bellezza tanto semplice quanto profonda. In questo invito al ricordo si cela l'inesauribile sete di conoscere l'altro, di abbracciare le sue stagioni, le sue gioie, e persino i suoi silenzi e "raggi di sole". E quando scrive "Parlami… se vuoi", quel punto di sospensione finale diventa una finestra aperta sul mistero della persona amata, lasciando spazio a quel silenzio che ci parla da sé, forse più eloquente di ogni parola. Fronzoli, in questa poesia, sembra accarezzare l’infinito bisogno umano di comunicare e di sentirsi compresi, rendendo la lettura quasi un rituale, una confessione mormorata all'orecchio del tempo.

"Mala tempora currunt" di Felice Serino

"Mala tempora currunt," e già l’inquietudine vibra nel titolo, come un monito che echeggia dal passato. Serino, con una penna tagliente e un’acutezza di spirito quasi spietata, affonda il coltello nella crisi dell'esistenza moderna, in una realtà dove "tutto è sbagliato, tutto da rifare." Il poeta osserva il mondo con uno sguardo disilluso, registrando con una freddezza filosofica l’andamento del tempo come un ago in bilico che oscilla su un versante di "vacche magre."

Ogni verso è asciutto, privo di ornamenti superflui, quasi fosse una sentenza scolpita su una pietra antica. Serino non ci lascia tregua: "da qualche parte c'è sempre una perdita" è una verità amara che avvolge la nostra epoca, dove la speranza sembra aver lasciato il posto a un realismo implacabile. Eppure, proprio in questa schiettezza disarmante, Serino trova la forza della sua visione poetica: come un oracolo, ci parla di cicli che si ripetono, di illusioni che crollano e di equilibri che non si mantengono mai per sempre.

In questi versi scarnificati, l’autore ci mette di fronte a una verità universale, una saggezza antica rivestita di malinconia moderna. "Mala tempora currunt" è dunque un ammonimento a guardare in faccia le nostre incertezze, a comprendere la fragilità della nostra esistenza e a trarre da essa una sorta di austera serenità.

"Genetica d’un rapitore sentimentale" di Jacqueline Miu

In "Genetica d’un rapitore sentimentale", Miu delinea un paesaggio emotivo intriso di malinconia e desiderio. La figura del “rapitore sentimentale” evoca un amore che si nutre dell'ineffabile, del fragile equilibrio tra il calore umano e il freddo della solitudine invernale. La poetessa si muove tra le immagini del "vento" e delle "foglie morte," creando un contrasto potente tra la vita che scorre e la morte che incombe, tra il calore dell’amore e il gelo della distanza.

“Mi avvicino al tuo cuore con brividi d'aria” è un verso che parla di un’intimità cercata e desiderata, ma anche di fragilità e vulnerabilità. La danza notturna con “antiche maghe” suggerisce un richiamo al mistero e all’arte dell’amore, mentre il “quieto sonno tra i rami” riflette un bisogno di pace e di rifugio, un rifugio dove i sentimenti possano trovare la loro espressione più pura. La poetessa ci trasmette la ricerca di una connessione profonda, di un fuoco che scaldi l’anima, e nel contempo la consapevolezza della transitorietà di tutto ciò che amiamo. La bellezza di questo testo risiede nella sua capacità di evocare emozioni complesse e incerte, trasformando il lettore in un viaggiatore di sensazioni che oscillano tra l’ardore e la malinconia.

"Vos et ipsam Civitatem benedicimus" di Piero Colonna Romano

In questo poema, Colonna Romano ci offre un affresco vibrante e suggestivo della Calabria, mescolando ricordi personali e immagini paesaggistiche con un lirismo evocativo. "Il Pollino imbiancato" e "bei pini loricati" ci introducono a un mondo naturale ricco di bellezza, dove ogni elemento diventa simbolo di una storia più grande, un racconto di vita e di lotta. Le “vestigia d'un maniero” evocano una storia di eroi e leggende, mentre la nebbia che avvolge la scena aggiunge un velo di mistero, invitando il lettore a esplorare non solo il paesaggio ma anche il tessuto della memoria collettiva.

La transizione attraverso “gallerie” e “foreste” diventa un viaggio che è tanto fisico quanto spirituale. Colonna Romano ci conduce da “Falerna” e le sue acque trasparenti fino a "Reggio", un luogo di incontri e scambi, dove “le voci di mercanti” si fondono con la luce del duomo. La sua scrittura è un inno alla terra natale, a una Calabria ricca di storia, cultura e un’identità che si perde nel tempo. Il poeta non dimentica le ferite inflitte dall’oblio e dall’indifferenza dei governanti, e nel suo tono nostalgico si percepisce un desiderio di riscatto. La chiusura del poema, con la menzione di Campanella e della “‘ndrangheta avvilita”, offre una riflessione amara ma necessaria, un richiamo alla consapevolezza e alla memoria storica. Questo testo è, dunque, non solo un omaggio alla bellezza della Calabria, ma anche un atto di denuncia e una richiesta di riconoscimento, un appello a non dimenticare le radici e la cultura di un popolo.

"Figlio mio" di Ciro Seccia

In "Figlio mio," Ciro Seccia dipinge un quadro di profonda sofferenza e nostalgia, esplorando il tema della separazione e della memoria. La figura del padre si trova di fronte all'assenza di un figlio, un'assenza che si fa corpo e peso nel cuore. La lotta per ricordare il volto di un fanciullo, il desiderio di un contatto che si è perso, diventa un atto di amore e di dolore. “Per quanto io mi sforzi”, il poeta esprime il fallimento nel richiamare alla mente un'immagine che una volta era vivida, una testimonianza della mancanza di fotografie, simbolo di un legame spezzato.

La transizione dalla nostalgia alla realtà del “quasi Uomo” evidenzia l’evoluzione del rapporto padre-figlio, un confronto con il presente che si carica di tensione. L’ “aspro e duro” tono del figlio riflette le ferite causate dalla separazione, amplificando il dolore di entrambi. L'immagine di “infinite lame” che trafiggono il cuore comunica una sofferenza profonda e ineludibile, un dolore condiviso che attraversa le generazioni. L’intento di confortare, di abbracciare, di dire “andrà tutto bene,” è un gesto carico di speranza, ma anche di impotenza.

La chiusura del poema, con la mano che si protende verso le stelle, suggerisce una ricerca di connessione, di amore incondizionato che supera le barriere del tempo e dello spazio. La carezza che non riesce a materializzarsi diventa simbolo del desiderio inappagato, un doloroso ricordo di quanto si fosse vicini e quanto ora si sia lontani. La potenza emotiva di questo testo risiede nella sua capacità di esprimere un amore paterno profondo e vulnerabile, un’eco di una solitudine universale.

"Oscurità" di Roberto Soldà

In "Oscurità," Roberto Soldà intraprende un viaggio attraverso il mistero dell'universo e la condizione umana, riflettendo su scoperte scientifiche e la loro connessione con le emozioni umane. L'apertura con la “particella di Dio” e la sua scoperta da parte di Higgs introduce il lettore a un mondo di meraviglia e complessità, dove la scienza offre risposte ma pone anche interrogativi. La “massa all’Universo” diventa un simbolo della vita stessa, un riconoscimento della nostra esistenza fragile e preziosa.

Tuttavia, il poeta non si ferma alla meraviglia; esplora anche l’incertezza e il “mistero dell’oscurità” che avvolge la nostra comprensione del cosmo. Qui emerge un senso di frustrazione: l'aspettativa di un universo “galantuomo” che non acceleri verso il nulla si scontra con la dura realtà di un’espansione infinita e incomprensibile.

L’oscurità che “tutti quanti” percepiamo diventa un riflesso della nostra condizione esistenziale, una metafora della ricerca umana di significato in un mondo che sfugge alla comprensione. L'immagine della “consolazione dell'Eternità” che va alla deriva suggerisce un desiderio di stabilità e senso che sembra eludere i nostri sforzi.

In questo poema, Soldà unisce scienza e poesia, filosofia e realtà, creando un dialogo tra l’universo e l’umanità, tra il noto e l’ignoto. La bellezza del testo sta nella sua capacità di invitare il lettore a riflettere sull’immensità del cosmo e sulla piccolezza della nostra esistenza, senza mai perdere di vista l’intensità emotiva di questa esplorazione.

"Beati gli ultimi…" di Alessio Romanini

In "Beati gli ultimi…", Alessio Romanini si confronta con l’illusione della beatitudine, ponendo una critica affilata alla narrazione romantica che spesso circonda la figura degli emarginati. L’apertura del poema mette in discussione il concetto di felicità associato a chi non possiede beni materiali, sfidando l’idea che la povertà possa portare a una forma di libertà o di beatitudine.

L’immagine del “mantello di stelle” che illumina la notte introduce un contrasto tra la bellezza dell’universo e la cruda realtà della vita di chi vive in miseria. La città diventa un palcoscenico su cui i protagonisti della vita di strada “girovagano” senza meta, esprimendo un senso di smarrimento e solitudine. L’asserzione che siano “Beati perché hanno la panchina ed il mare” suggerisce che ciò che viene considerato un dono — un luogo dove sostare — è in realtà un simbolo della loro condizione di esclusione e precarietà.

La successiva dichiarazione “Non hanno amore!” colpisce come un fulmine, evidenziando la privazione non solo dei beni materiali ma anche delle relazioni significative che danno senso alla vita. I “gettati nel mondo come immondizia” evocano un’immagine di disprezzo e disumanizzazione, una denuncia della società che rifiuta e dimentica coloro che non si conformano ai suoi standard.

Romanini usa la tensione tra libertà e schiavitù per descrivere gli ultimi come “prigionieri della miseria”, una metafora potente che sottolinea la loro incapacità di sfuggire a una vita definita da difficoltà e stigmatizzazione. “Vittime di un’esistenza fallita” e “vittime di una vita non capita” riflettono la sofferenza di chi è costretto a vivere ai margini, non solo fisicamente, ma anche emotivamente e socialmente.

Il poema di Romanini è un atto di empatia e una chiamata all’azione, invitando il lettore a riflettere sulla vera natura della felicità e sulla responsabilità della società nei confronti dei più vulnerabili. L’opera si conclude con una nota di amarezza, suggerendo che, in un mondo che spesso celebra il successo individuale, esiste una realtà dolorosa per molti che resta invisibile. La bellezza del testo risiede nella sua capacità di spingere il lettore a considerare la complessità della vita e la vera natura della beatitudine.

Ben Tartamo

''D'un oltretempo'' di Felice Serino

 

In ''D'un oltretempo'', Felice Serino ci guida verso un altrove etereo, un "oltretempo" che sembra oscillare tra il sogno e la veglia, come una sospensione che trascende il tempo e la logica ordinaria. L'immagine iniziale, "cose sconnesse senza capo né coda," evoca un regno in cui le connessioni abituali si dissolvono, lasciando il lettore in balia di suggestioni e intuizioni che scivolano tra il reale e l’onirico.

L'espressione "trattengo d'alfabeti perle d'acqua" è straordinariamente delicata e rende l'idea della bellezza e della fragilità della parola poetica, come se ogni verso fosse una goccia preziosa e rara, raccolta da alfabeti che sgorgano direttamente dalle profondità interiori. È un'immagine simbolica, quasi sacra, che eleva la poesia a un rituale di raccolta e trasformazione.

La "barca di carta su onde dipinte" è una metafora affascinante: suggerisce una ricerca creativa che naviga su mari immaginari, un viaggio pericoloso e fragile, ma colmo di sensazioni che invadono i sensi. Quella "barca di carta" può sembrare effimera, ma è tenace; il poeta, infatti, affronta l'infinito "mare aperto dei sensi," un’ardua e appassionante esplorazione dell'interiorità e della percezione.

Infine, la "luna bislacca" appare come un complice strano e surreale, una figura quasi viva che accompagna il poeta nel suo scenario d’oltretempo, con una forza che vibra di una “follia” poetica. La luna illumina questo spazio indefinito con una luce d’argento imprevedibile, che spalanca la porta a visioni e ispirazioni fatue, ma comunque essenziali per la comprensione di questa realtà oltre il tempo.

Serino ha creato una poesia densa di simboli e immagini oniriche, in cui le parole sono usate come strumenti di una ricerca esistenziale e artistica, e in cui ogni verso si fa perla, onda, bagliore. Questa lirica è un invito a chiudere gli occhi, a lasciarsi trasportare dalle correnti sensoriali e a sentirsi, per un attimo, in un universo che sfugge a ogni dimensione terrena.

 

''Er DNA … imbrojato'' di Armando Bettozzi

In ''Er DNA … imbrojato'', Armando Bettozzi scolpisce un manifesto ruvido e ironico, che fa vibrare le corde più profonde della riflessione sociale attraverso la potenza del dialetto romanesco. È una lirica che riflette una critica profonda alla società contemporanea, dove il "diritto" è tanto acclamato e rivendicato da far sembrare i "doveri" un concetto antiquato, persino fastidioso.

Il "DNA," che Bettozzi pone al centro della scena, diventa quasi un codice alterato, "imbrojato," in cui i principi originari della dignità e della responsabilità si sono persi. Il DNA, che porta in sé l'essenza della vita e delle relazioni sociali, sembra ora contenere "solo er seme de tutti li diritti," come se fosse stato manipolato per servire una visione egoistica e distorta della giustizia.

Attraverso versi vivaci e ritmati, Bettozzi dipinge una folla ossessionata dai diritti individuali, ma insensibile al peso dei doveri collettivi. La massa cresce inarrestabile, un'escalation che, da un sussurro, si trasforma in un urlo, capace di "scassa' li cosi tanto che … tutto è concesso." È come se la società fosse preda di un delirio collettivo, una "manfrina" in cui il diritto diventa un mantra vuoto, un desiderio senza argini, che consuma l’essenza stessa del vivere comune.

Il poeta, con un sarcasmo pungente, rievoca un passato in cui i diritti venivano conquistati con sacrificio, col "sangue" se necessario, mentre oggi sembra essersi perso il valore dell'impegno e della misura. E proprio quando "tutto è concesso," l’individuo diventa "derelitto," perduto in un "progresso" che gli offre la libertà superficiale, ma gli toglie il senso della comunità e della reciprocità.

L’ultimo verso colpisce con la sua amarezza: chi chiede "rispetto" per i propri diritti spesso non ne ha per il "Bèr Paese," per l'Italia stessa, per la sua identità e per la sua stabilità. Bettozzi svela qui una contraddizione profonda, un dilemma che risuona nella realtà odierna con tutta la sua intensità.

Bettozzi riesce a unire il dialetto alla satira sociale in una sintesi potente, facendo di questa poesia un grido di richiamo alla responsabilità e alla consapevolezza.

 

''Il sogno'' di Laura Lapietra

In questa poesia breve e intensa, Laura Lapietra ci offre un’immersione lirica nel mondo dei sentimenti profondi, un sogno intriso di malinconia e travolgente tenerezza. ''Il sogno'' sembra quasi voler catturare l’essenza di un amore idealizzato, in cui il “vero amore” si manifesta come un colore che riempie l’anima di chi sogna. C’è un pathos silenzioso, un’intimità che va oltre le parole, incarnando una “tenerezza che travolge,” capace di sciogliere e consumare, di “perdere” l’anima.

La poesia è un soffio sospeso tra desiderio e nostalgia, come se lo spazio dell’amore si trovasse ai confini tra sogno e realtà, in un mondo intangibile dove l’anima smarrita si abbandona alla dolcezza, ma anche alla consapevolezza del distacco. Lapietra, con grande delicatezza, crea un ritratto essenziale di questo sentimento, trasformando il sogno in un simbolo di verità che sgorga dal cuore e si incarna in un sospiro.

 

''Come una foglia morta'' di Salvatore Armando Santoro

In questo sonetto malinconico e vibrante, Santoro ritrae la caducità della vita attraverso l’immagine potente della “foglia morta” che si stacca dal ramo, emblema della fragilità umana di fronte all'incedere del tempo e delle circostanze impreviste. La foglia, un tempo “spavaldo” elemento della natura, si ritrova ora, in balia del vento, incapace di opporsi alla forza della burrasca che si è abbattuta improvvisamente. La metafora è densa di significato: simboleggia l’uomo di fronte alla vecchiaia, alla perdita di controllo, al confronto con un destino inesorabile.

Il linguaggio poetico evoca un quadro autunnale di grande intensità, in cui la natura si fa specchio dell’anima. La strofa finale, con la sua ricerca vana di una “chiave” che possa salvare dal tormento, amplifica la sensazione di impotenza e il desiderio di trovare una protezione contro le “burrasche” della vita. È un’immagine struggente, che amplifica la vulnerabilità dell’uomo davanti alla forza del tempo, sottolineando la bellezza e la tristezza della consapevolezza della fine.

Santoro padroneggia la forma del sonetto, guidandoci attraverso una riflessione profonda con un ritmo solenne che ben si addice al tema della caducità, rendendo questo componimento un invito alla riflessione sul nostro destino comune.

 

''Profezia dell’acacia'' di Guglielmo Aprile

In ''Profezia dell’acacia'', Guglielmo Aprile crea un inno alla resilienza e alla rinascita attraverso l'immagine carismatica dell'acacia in fiore, evocatrice di speranza e di mistero. Questo albero, testimone della ciclicità della natura, diventa metafora vivente del risveglio spirituale e dell’eterno ritorno. Con una voce quasi sacerdotale, il poeta implora l’acacia di “insegnargli a sperare” e descrive il suo rigoglio primaverile come una sorta di corona vivente. La sua immagine, un tempo minacciosa con i suoi “aculei”, ora si trasforma in un’emanazione di purezza e forza: “frecce bianche e dritte”, come raggi di luce, invadono il mondo, annunciando un “risveglio” imminente.

Aprile intesse elementi mitologici e naturali, creando una visione arcaica e potente di una primavera cosmica, una rinascita non solo della terra, ma dell’anima stessa. Questa profezia, dunque, non si limita al ciclo naturale, ma coinvolge un destino universale, una rivelazione profonda che si rinnova ogni anno e ci invita a risvegliarci alla nostra verità interiore. ''Profezia dell’acacia'' è una celebrazione della bellezza e della sacralità della natura, un’opera che unisce un richiamo spirituale e una liricità raffinata, e che ci porta a riconsiderare la nostra connessione con il mondo vegetale come se gli alberi fossero, davvero, nostri fratelli.

 

''Il ladro'' di Cristiano Berni

Con una voce audace e senza rimorsi, ''Il ladro'' di Cristiano Berni esplora la mente e il cuore di un personaggio complesso e sfuggente, un ladro che si descrive come “cleptomane per natura” e allo stesso tempo come un mito, una figura emblematica che incarna la ribellione e l’indipendenza. In questa poesia, la confessione del poeta-ladro è allo stesso tempo un’affermazione d’orgoglio e una sorta di giustificazione: l’arte del furto diventa un mestiere, una necessità esistenziale, quasi una vocazione.

Berni ci offre un ritratto affascinante di un “ladro” che, più che appropriarsi dei beni materiali, ruba attimi, fugge dalla monotonia e si nutre di “stregonerie” come se queste fossero l’unico cibo possibile per la sua anima affamata. È una figura ribelle, che pur nascendo povera ha imparato a “vender cara la pelle” e a rifiutare il perdono, a vivere nell’ambiguità morale di chi si muove tra il “bene e il male.” Il ladro non si limita a prendere qualcosa di materiale; ruba dall’ordine sociale, dal mondo dei potenti e degli “onnipotenti,” trasformandosi in un “arbitro un po’ parziale,” una figura tra l’eroe e l’antieroe.

Il linguaggio diretto e serrato di Berni, unito all’autoironia e alla profondità psicologica, crea una poesia che cattura il lettore, portandolo a riflettere sulle contraddizioni dell’essere umano e sulla possibilità di trovare dignità e poesia anche nella vita marginale, in un personaggio che si autodefinisce un mito, ma anche un ribelle per necessità.

 

''Paesaggio celeste'' di Nino Silenzi

In questo affascinante componimento, Silenzi ci invita a una riflessione profonda attraverso il "Paesaggio celeste", dove le nuvole, simboli di transitorietà e mutabilità, si intrecciano con desideri "sfrangiati". La visione di un cielo vasto e una "prateria" evocano non solo l’immensità del firmamento, ma anche un senso di libertà e di aspirazione. I gabbiani bianchi, "lenti solenni", si muovono con grazia, e il mare diventa metafora del "ricordo", spruzzando "memorie" come un delicato mosaico di esperienze passate.

Il sole, pur presente in modo intermittente, rappresenta la speranza, mentre il "vento beato" suggerisce un’armonia sottile tra natura e anima. Le nubi, con il loro contrasto di bianco e nero, simboleggiano le dualità della vita: gioia e dolore, luce e oscurità. Il verso finale, "E anche la vita sorride", è un’affermazione potente che suggella il messaggio di resilienza e di positività, un invito a trovare il sorriso anche nelle avversità. La poesia si erge così come un inno alla bellezza dell’esistenza e all’ineffabile legame tra cielo e cuore.

 

''Ti amo di un amore dolce'' di Piacentino Alessandra

Questa poesia d’amore, con il suo tono dolce e delicato, esplora le sfumature del sentimento amoroso con una sensibilità che tocca il cuore. L'autrice utilizza un linguaggio semplice ma potente, evocando immagini di tenerezza e vulnerabilità. L’amore, descritto come "la mano di un bimbo appena nato", si presenta come una ricerca fondamentale, una necessità intrinseca che ci collega alla nostra umanità.

Le metafore legate alla natura, come "rugiada e brina", e le allusioni a "stelle e lune", creano un'atmosfera incantata e mistica, dove ogni palpito è un battito del cuore stesso dell'universo. La dicotomia tra "giornate buie e pensieri freddi" e la "verità" che si rivela suggerisce un desiderio di autenticità e di illuminazione, come un faro che guida nelle notti tempestose. Il ritornello dell’amore, "ti amo così", è un'affermazione che riempie di intensità emotiva e sincerità, lasciando il lettore con una sensazione di meraviglia e di speranza. Qui, l’amore si fa poesia e la poesia diventa un canto di vita.

 

''les mots sont mandolines'' [le parole sono mandolini] di Carol-Ann Belzil-Normand

In questa breve e incisiva poesia, l’autrice ci offre una meditazione sulle parole, elevate a strumenti musicali, a mandolini che vibrano nel silenzio. Il concetto di isolamento è una metafora potente: le parole, quando sono sole, possono sembrare vuote, ma in un contesto di desiderio, diventano "multiformi", ricche di significato e sfumature.

L’invito a riflettere sul potere e sulla versatilità del linguaggio è palpabile; ogni parola può essere una melodia, capace di risuonare con le emozioni più profonde. La scelta del termine "mandolines" evoca un’armonia melodica, suggerendo che le parole, per essere realmente vive, necessitano di un contesto e di un’interazione. La poesia si fa così un inno alla bellezza della comunicazione e all’arte di esprimere l’inesprimibile, abbracciando la dualità del silenzio e del suono, dell’isolamento e del desiderio.

La traduzione di questa poesia non fa altro che enfatizzare il potere espressivo e la musicalità delle parole, un tema che ricorre nell'opera di Belzil-Normand. Qui, la versione italiana mantiene intatta la semplicità e l’eleganza dell’originale francese, sottolineando il legame intrinseco tra il linguaggio e la sua capacità di evocare emozioni e visioni.

Come nella versione originale, il confronto tra l’isolamento e il desiderio rivela la profondità del significato che le parole possono racchiudere. L’idea che le parole possano essere mandolini non è solo una metafora per il suono, ma anche per la risonanza emotiva che esse portano con sé. In questo modo, la poesia diventa un richiamo a esplorare le nostre relazioni con le parole e a riconoscerne il potere di dare vita ai nostri sentimenti più reconditi.

 

''Camminerò… o mare'' di Franco Fronzoli

Con "Camminerò… o mare", Fronzoli ci offre una poesia che si dispiega come un delicato manto di onde, evocando un’immagine di intimità e connessione profonda con l’elemento marino. La scelta della "sabbia di un mare eterno" ci trasporta in un luogo di calma e riflessione, dove la spuma delle onde si fa carezza, simboleggiando il tocco gentile della natura sulla pelle dell’anima. Qui, il mare diventa un confidente, un compagno di viaggio che accoglie e trasmette emozioni, un’entità viva in cui si riflettono le gioie e le nostalgie dell’esistenza.

Le "orme" cancellate dalle onde rappresentano la transitorietà della vita, un richiamo poetico alla caducità dei momenti e delle esperienze. Le "illusioni" e le "delusioni", portate via dal vento, suggeriscono una vulnerabilità e una ricerca di liberazione da pesi inopportuni. Fronzoli dedica al mare, "irrequieto e avvolto dalla luce di un silente tramonto", le sue più belle canzoni, come se la poesia stessa fosse un canto di amore e gratitudine verso la vastità e il mistero dell’esistenza.

La visione di un "mare di mille colori" che si specchia nel cielo sereno riempie il lettore di meraviglia, creando un’atmosfera quasi onirica. Ogni passo vicino al mare diventa una celebrazione di vita, un’ode alla bellezza e alla serenità che si può trovare anche in mezzo all’inquietudine. La chiusura, con l’immagine di un poeta che si siede su uno scoglio, abbraccia l’infinito del tempo, mentre il volo di mille gabbiani danza nel cielo, evoca una sensazione di libertà e di eternità, un invito a contemplare la magnificenza del presente.

 

''Attacchi'' di Carlo Chionne

Con "Attacchi", Chionne ci conduce in un viaggio profondo nell’oscurità e nella resilienza dell’anima umana. L’autore affronta il tema delle avversità con una schiettezza che colpisce, rivelando la vulnerabilità insita nella condizione umana. Gli "attacchi della vita" sono tanti e variegati, ma l’affermazione "Finora li ho respinti tutti quanti" svela una forza interiore e una determinazione, un invito a resistere di fronte alle sfide quotidiane.

Tuttavia, l’ombra del "solo uno" che "farà davvero male" introduce un senso di inquietudine e di ineluttabilità, suggerendo che, per quanto si possa combattere, ci sarà sempre una battaglia finale da affrontare. Questa riflessione sulla mortalità è intrisa di un realismo crudo, e il lettore è chiamato a riflettere sulla fragilità della vita e sulla certezza della sua conclusione.

La ripetizione di "sarà … mortale" risuona come un eco, sottolineando il peso di questa consapevolezza. Chionne, con la sua penna incisiva, riesce a trasmettere la complessità del vivere, l’eterna lotta tra resistenza e resa, una danza tragica che si snoda nell’intimo della psiche. In questo poema, la vulnerabilità diventa un atto di coraggio, e l’autore invita il lettore a riconoscere la bellezza anche nei momenti più difficili, trasformando la sofferenza in una parte integrante della nostra esistenza.
 

 

''Il canto della forza di Jacqueline Miu

In "Il canto della forza", Jacqueline Miu ci regala un’affascinante meditazione sul potere e sulla dualità dell’essere, incarnato nella figura dell’onda. L’autrice ci invita a immaginare un'entità che avanza "silente contro gli scogli", suggerendo una forza naturale che è al contempo delicata e devastante. La metafora dell’onda si fa portatrice di un "canto della forza", un inno che celebra la resilienza e il coraggio, rivolto a chi affronta le proprie battaglie interiori, gli "martiri" della vita.

La frase "non saprai mai come mi chiamo" evoca una certa enigmaticità e l’idea che l’identità possa essere fluida e indefinita, proprio come il mare stesso. Qui, Miu suggerisce che l’essenza dell’onda trascende i nomi e le etichette, diventando un simbolo di grandezza. L’onda è vista come un "oceano" per chi "pensa in grande", un'entità imponente che può essere percepita come una minaccia per chi ha "radici leggere", un richiamo alle responsabilità e alla solidità degli esseri umani che si radicano nel bene.

Il contrasto tra distruzione e creazione si riflette nel verso "io distruggo e creo", un potente riconoscimento della dualità della vita e della creatività che emerge dal caos. Miu esprime anche la tensione interiore che accompagna questa forza, con la consapevolezza che il suo potere non sempre porta "pace". La poesia si erge quindi come un atto di celebrazione della vita, della lotta e della bellezza intrinseca nel flusso e riflusso dell’esistenza, invitando il lettore a riflettere sulla propria forza interiore e sulla complessità del vivere.

 

''Lisistrata'' di Piero Colonna Romano

Con "Lisistrata", Piero Colonna Romano ci regala una reinterpretazione vivace e incisiva della celebre commedia di Aristofane, infondendo una nuova vita ai temi della guerra, del potere e della femminilità. La poesia si apre con un ritratto di donne stanche e frustrate, "poverine", le cui tasche sono "piene" ma non di soddisfazione. Qui, l’autore stabilisce il contesto di un'Atene assediata dalla guerra, in cui gli "eroi" si dedicano a battaglie che non portano a nulla, lasciando le donne a sperimentare un magone, un dolore profondo e inesprimibile.

Lisistrata, figura centrale e carismatica, emerge come una leader rispettata, ma anche come simbolo della resistenza femminile. La sua determinazione di fronte alla mancanza di amore e soddisfazione porta a un'azione audace: il sequestro dell'Acropoli e la proclamazione di uno "sciopero del sesso". Con questo gesto radicale, Colonna Romano ci invita a riflettere sul potere che le donne possono esercitare nella società, un potere che nasce dalla loro capacità di unire le forze per un obiettivo comune.

La narrazione si snoda attraverso un linguaggio incisivo e colorato, ricco di ironia e di profondità. La critica sociale è evidente quando l'autore descrive l’oro che finanzia le guerre e il disguido delle donne che non comprendono subito il valore del loro sciopero. Lisistrata, saggia e astuta, riesce a coinvolgere le sue compagne con parole che risuonano nel profondo, invitandole a riflettere sull'importanza della loro danza e dell’amore negato.

Il passo successivo porta a una mossa strategica: l’invio di Mirrina per "eccitare" i mariti e poi lasciarli a secco, un gesto di astuzia che simboleggia il potere seduttivo e manipolativo delle donne in un mondo dominato dagli uomini. La rappresentazione di ambasciatori subdoli che cercano di piegare le donne alla loro volontà diventa un momento di tensione e conflitto, evocando la battaglia interiore tra desiderio e resistenza.

Ma è il discorso appassionato di Lisistrata che cambia le sorti della storia. La sua voce chiara e forte ricorda a tutti che "la Grecia unita solo nella pace" è un ideale da perseguire. Con un richiamo alla storia e alla speranza, Colonna Romano celebra il potere della parola e della determinazione, ponendo fine al "triste cataclisma" che affligge Atene.

Questa opera non solo rielabora un classico, ma rinnova l'importanza del messaggio originale, evidenziando il coraggio e la resilienza femminile. L’analisi dei temi dell'amore, della guerra e della pace in chiave contemporanea rende "Lisistrata" un canto attuale e significativo, capace di coinvolgere il lettore in una riflessione profonda sulla condizione umana e sulle dinamiche di potere.

 

''C'é voluto del tempo'' di Ciro Seccia

In "C'é voluto del tempo", Ciro Seccia ci guida attraverso un'introspezione profonda e sincera, un viaggio di accettazione e riconciliazione con se stessi. L'apertura della poesia mette in evidenza un conflitto interiore, dove il poeta si descrive come il "più feroce critico" di se stesso, evidenziando il peso del giudizio altrui e l'impatto che questo ha avuto sulla sua vita. La ripetizione della frase "c'è voluto del tempo" funge da mantra, sottolineando il lungo processo di crescita personale e di autoaccettazione.

Il percorso di Seccia è caratterizzato da una lotta contro le aspettative esterne e una ricerca di autenticità. La consapevolezza che "ero giudicato" diventa un punto di svolta, liberandolo dalle catene del giudizio altrui. La poesia si evolve in un inno alla clemenza e al lasciarsi andare, un invito a smettere di ascoltare le critiche distruttive e a perseguire ciò che è giusto per il proprio benessere. Qui, il lettore percepisce un graduale passaggio da un'esistenza condizionata a una vita vissuta con intenzione e libertà.

Il finale della poesia, che si chiude con un'affermazione di maturità e accettazione, porta con sé un senso di sollievo e liberazione. L'esperienza del tempo, con tutte le sue sfide e insegnamenti, diventa una chiave per la crescita e la serenità interiore.

 

''Novembre'' di Antonia Scaligine

In "Novembre", Antonia Scaligine esplora la complessità del mese che segna il passaggio dall'autunno all'inverno, un tempo caratterizzato da una natura mutevole e da riflessioni esistenziali. La poetessa descrive un novembre che è "mutabile" e "non certo amabile", una stagione di contrasti in cui bellezza e bruttezza si intrecciano. Con il suo stile vivace, Scaligine ci presenta un panorama atmosferico in cui il sole e la pioggia coesistono, creando un'atmosfera di incertezza e di continua transizione.

Le immagini delle "nuvole a pecorelle" e delle "foglie" cadenti evocano una natura che si trasforma, riflettendo il ciclo della vita e la caducità delle cose. Tuttavia, dietro questa bellezza naturalistica si nasconde un tono di malinconia e inquietudine. La poetessa denuncia le difficoltà della vita moderna, descrivendo un mondo in cui "disonestà e guerra" rendono difficile l'esistenza. Il riferimento a San Martino e al suo mantello diventa simbolico di un'umanità in difficoltà, divisa tra le necessità quotidiane e le incertezze del futuro.

Il passaggio alla dimensione del sacro, con la menzione dei "Santi", introduce una riflessione sulla vita e sulla morte. Scaligine evoca scene di lutto e commemorazione, unendo il quotidiano e il trascendente. Le "candele accese nei cimiteri" e i "fiori e ceri" sulle tombe portano il lettore a confrontarsi con la fragilità della vita e la inevitabilità della morte, enfatizzando la sua capacità di trasformarsi in un "metro" che misura la nostra esistenza.

La poesia si chiude su una nota di accettazione del destino comune che ci attende, suggerendo che ogni "ultimo viaggio" è un atto di passaggio che unisce tutti gli esseri umani. Con un linguaggio evocativo e ricco di simbolismo, Scaligine ci invita a riflettere su temi profondi e universali, facendoci sentire parte di un ciclo più grande.

 

''La parete nord'' di Roberto Soldà

In "La parete nord", Roberto Soldà dipinge un’immagine metaforica del viaggio interiore, usando l’alpinismo come simbolo di sfide e aspirazioni. Con un linguaggio semplice ma incisivo, il poeta ci guida attraverso la sua onestà e vulnerabilità, rivelando che, pur non essendo un alpinista esperto, riconosce l'importanza della direzione e della determinazione nella vita.

L'incipit, con la dichiarazione "Mi no son on alpinista", stabilisce immediatamente un tono di autenticità e umiltà. L’assenza di conoscenza sull'“alpinismo” diventa un allegoria per la vita stessa, dove le pareti rappresentano le sfide quotidiane. La "parete nord", in particolare, evoca l’idea di ostacoli difficili da affrontare, simbolizzando le prove più ardue che tutti noi ci troviamo a dover scalare, sia fisicamente che emotivamente.

La riflessione sulla propria esperienza di attaccarsi a queste “pareti” esprime una connessione profonda tra l’individuo e il contesto della sua esistenza. La ripetizione di "tante tante volte" non solo sottolinea la perseveranza, ma anche il senso di frustrazione e di impotenza che può accompagnare le nostre lotte. La metafora dell’"ostrica sullo scoglio" è particolarmente potente: essa suggerisce la lotta per trovare stabilità e successo nonostante le avversità, un’immagine che evoca sia tenerezza che resilienza.

Concludendo, Soldà riesce a trasformare un'esperienza personale in un messaggio universale, evidenziando come ognuno di noi, in un modo o nell’altro, sia costretto a confrontarsi con le proprie "pareti". L'invito finale a non arrendersi, ma a cercare la vetta, è un richiamo all’ottimismo e alla forza interiore che ci permette di superare le difficoltà della vita. In questo modo, la poesia diventa un inno alla perseveranza e alla continua ricerca di crescita personale.

 

''Croci di luce'' di Ben Tartamo

In "Croci di luce", Ben Tartamo ci conduce attraverso un paesaggio emotivo intriso di simbolismo e riflessione esistenziale. La poesia si presenta come un viaggio interiore, dove le “croci” diventano emblemi del dolore, del sacrificio e del passare del tempo.

L’apertura della poesia, “Hanno piantato un’altra croce nel mio petto,” colpisce immediatamente per la sua intensità e il suo drammatico coinvolgimento. Qui, l’immagine della croce, tradizionalmente simbolo di sofferenza e redenzione, viene usata per esprimere un carico emotivo che si accumula, suggerendo una vita segnata da esperienze dolorose. Il “petto” come sede del dolore rimanda a una vulnerabilità profonda, un luogo dove si accumulano non solo le ferite fisiche, ma anche quelle psichiche e spirituali.

La seconda riga, “sulle altre è scesa la sabbia del mio tempo", introduce un elemento temporale che è al contempo lirico e drammatico. La “sabbia” evoca l’idea di un tempo che scivola via, suggerendo che ogni croce portata sul petto contribuisce a una pesantezza esistenziale, come un'eco di ricordi e perdite. La metafora del tempo che si accumula come sabbia sottolinea la fragilità dell'esistenza, in un contrasto netto con la solidità delle croci.

In “Di ognuna ho serbato il dolore e lo sgomento,” l'autore esprime un’introspezione che rivela la complessità dell’esperienza umana. Qui il tono si fa quasi elegiaco, sottolineando l’importanza di ciascuna croce come parte della propria storia personale. L'uso del termine “sgomento” introduce una dimensione di sorpresa e di impotenza di fronte alla vita, come se ogni croce fosse un momento di crescita attraverso la sofferenza.

La transizione nella quarta riga, “Giorno dopo giorno, la vita si sconta morendo,” rappresenta un passaggio profondo e quasi surrealista. Qui si evidenzia la natura ciclica della vita, un continuo "scontare" il proprio esistere, come se la vita fosse un debito che si accumula nel tempo. La potenza di questa immagine evoca il concetto di mortalità e l’ineluttabilità del destino umano, con una dolcezza tragica che permea l’intera composizione.

Il verso finale, “ma il fiume scorre, e il sole non si è spento,” introduce una nota di speranza e resilienza. Il fiume, simbolo di continuità e cambiamento, suggerisce che, nonostante le sofferenze e le croci portate, la vita continua a fluire. La menzione del sole, che non si è spento, rappresenta una luce che persiste, un invito a riconoscere la bellezza e la vita anche in mezzo al dolore.

In conclusione, "Croci di luce" è una poesia che, pur affrontando tematiche di profonda sofferenza, riesce a mantenere una dimensione di speranza e resilienza. Tartamo combina magistralmente elementi di simbolismo, metafore suggestive e una metrica che scorre come un fiume, creando un effetto emotivo potente e riflessivo. La sua scrittura invita il lettore a esplorare le proprie croci, a riconoscerle come parte integrante del viaggio umano, ma anche a trovare nel fluire del tempo e nella luce del sole le ragioni per continuare a sperare e a vivere.

 

Con sentimenti di sincero affetto e stima per ognuno di voi poeti e poetesse e il più vivo ringraziamento per le emozioni donatemi dalla lettura recitata di ogni vostra opera. Sentimenti che amplio per il nostro prof. De Ninis alias Nino Silenzi per aver reso possibile questo fantasmagorico scintillio creativo senza dimenticare il caro e validissimo Pietro Colonna Romano di cui ci mancano i suoi commenti pregni di profondità interpretativa.

Vostro Marino Spadavecchia 

Per i sitani e prima dei commenti

Quale animale, albero, opera lirica o libro vi rappresenta?

Siamo ciò che leggiamo. Siamo anche molto di più di questo. Siamo resilienza e immaginario che offrono ostacolo ai disagi della vita e chi on ha? Le vostre opere sono un animale, una pianta, una stagione, una canzone, io almeno le traduco così. Mi sforzo di capire cosa mi può comunicare il cuore di chi ha scritto e cosa fare di quel messaggio?

Le anime che combattono per le proprie idee, le anime che non combattono per le proprie idee ma trovano chi le aiuta a farlo, le anime che generano una luce curativa con le loro opere, sono anime che nascono ovunque e possono essere chiunque tranne, quando creano e allora sono speciali e uniche. Io personalmente mi trovo bene con gli abissi. La pressione esorbitante delle acque e della gravità, i fondali che a prescindere il mortale peso, creano vita. Gli abissi non si nascondono, è difficile scoprirli, trovarne i segreti, raccontarli… Pericolosi, seriosi, inquietanti, quanto misteriosi, immensi, sognanti. So di avere scelto una cosa difficile ma chi di noi non ama cose agli altri repellenti, o discutibili…

Vorrei chiamare la vostra attenzione sulla prova di resilienza degli italiani, il coraggio di trovare lavori sempre più brevi e meno sicuri, la fede nella propria fortuna per portare pane in tavola, il buonismo concilianti con l’inflazione che ha portato un litro di latte e un litro di benzina allo stesso prezzo e questo durante l’attuale governo.  Tacerò commenti propri che abuserebbero del vostro tempo e mi scaraventerebbe nel ventre di un Ade da cui so di non potere uscire da sola, ma spero ci sia qualcuno che combatta per obiettivi di base quali: la libertà di parola, la democrazia, la liberta di gestione del proprio corpo, e la sopportazione della protuberanza bubbonica quale è  l’uscita in pensione in età avanzata. Trovo nel 2024 una poca evoluzione e poco investimento nella ricerca, nella rinascita delle arti… voi cosa pensate?

 

Miu

 

 

[aspiro una cosa]

aspiro una cosa

 

L’ennesimo gioiellino letterario che Nino Muzzi ci porta. Artista del Quebec che esprime musicalmente un sentimentale rapporto con la propria esistenza. Grazie ancora a Nino Muzzi, e al tuo talento inimitabile nello scovare veritiere opere d’arte letteraria.

Carol-Ann Belzil-Normand            traduzione di Nino Muzzi

 

 

Notte

Una introduzione luminosa sulla scia del “Bright Star” di Keats, poi ampliata da versi ancora più suggestivi dell’ispirato Franco Fronzoli che unisce lo stellato alla forza dell’amore e tutto diventa di un unico romantico colore che traccia emozioni, davvero spente nel tempo?

Franco Fronzoli

 

 

Qualcosa puà ancora accadere

sempre nutri i tuoi scheletri…

C’è della magia nella poetica di Felice Serino, lo conferma questo incipt che va dritto al cuore del poema. Difficile copiare quella sferica energia che potenzia i suoi scritti ora sulla scia dell’ermetismo più puro, ora sulla stoicità collaudata di un autore che rende grazia e giustizia alla propria cultura.

 

15.2.24

Felice Serino

 

 

 

Trappola Nel Labirinto Digitale

L’amore digitale esiste? Ce ne parla la poetessa Laura Lapietra che narra con la sua intensa penna della difficoltà di esporsi, di credere e di creare emozioni brucianti che non siano banali in un mondo sempre più escluso dal reale che confida nell’etere. Mode? Necessità? Viviamo nuove dinamiche sentimentali che nascondono pericoli ma anche sorprese.

Laura Lapietra ©

 

 

I due prigionieri

 

Lei non ha sostenuti i sogni del poeta e lui la rinnega, scavando per lei un memoriale nell’abisso della storia personale. Ora guarito, Santi Cardella cerca solo il mite conforto di una mano calma che lo accompagni fino alla fine.

Santi Cardella

 

 

"Vivian"

Il ricordo di un amore che ha lasciato il suo segno nella memoria del poeta. Una fanciulla piena di gioia e di vita, paragonata a un’ape che succhia il nettare di un fiore, o a una vivace farfalla.  Cristiano Berni s’illumina con questi versi dedicati alla fugace magia creata da una creatura oramai diventata chimera.

Cristiano Berni

 

 

Pioggia

 

Una contemplazione stagionale in questa lirica fresca del prezioso Nino Silenzi che si arma di verso per liberare la pioggia e mettere a riposo la scenetta tra i due uccelli nella loro interpretazione dell’autunno. Poetica contrapposta al fuoco autunnale di un Stevenson ci dirigiamo verso la gradazione melanconica e nel substrato emotivo del creatore d’immagini.

 

Dalle colline al mare

Nino Silenzi

 

 

 

Le metamorfosi

Trascinati dall’incantesimo degli arbusti è dal loro decifrare pittorico della vita, viviamo fiabe custodite dagli alberi e ci immergiamo nelle biblioteche nascoste tra i canneti. Narrazioni suggestive che il bravo Guglielmo Aprile porta su un piano superiore dell’esistenza.

 

“la terra dorme ma è viva, e creature

senza numero nel suo cuore sacro

racchiuse in forme molteplici ospita”.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

Teofanie silvestri

Guglielmo Aprile   

 

 

A di amore

Un mondo freddo non può opporsi a un amore che crea la propria identità in un viaggio organizzato oltre l’orizzonte percepito dalle masse. La A maiuscola è portatrice sana di un fuoco poetico che la brava Piacentino Alessandra riesce a domare e vivere nonostante la realtà intorno non sappia andare oltre la sua gelida maschera.

Piacentino Alessandra

 

 

 

Fiume Stige

(Fiume dell'odio)

 

Come trovare un potere divino per seccare lo Stige? Usando la poesia o la forza dei versi. Alessio Romanini conosce bene la natura brutale delle acque che portano al Limbo e se seccasse come verrebbero traghettate le anime impure? Che fine farebbe Caronte? Interessante poesia.

 

[Fiume Eunoè (Fiume di invenzione dantesca-

Canto XXVIII del Purgatorio.)

Significa “Memoria del bene”]

Alessio Romanini

 

 

 

Il punto interrogativo

Al tramonto la natura scompare e all’artista restano altre montagne da scalare, quelle esistenziali. Ironica la chiusa che delizia e toglie un poco della fatica emotiva che si condivide con l’ottimo Roberto Soldà.

E io che sono ancora qui

a scalare altre montagne

mi metto a masticare

una radichetta dolce.

 

Da Il peso dell'anima

Roberto Soldà

 

 

Luce

Il presagio che accompagna la vita di questa autrice, diventare una stella ma non una qualunque, una umanizzata, sensibile e leggermente malinconica. Bella la premessa e molto impegnativa la chiusa che non si toglie mai di dosso, i sentimenti che armano il cuore di chi si specchia nel proprio io e cerca di ricrearsi con solo l’ausilio dei versi.

 

25 aprile 2022

Sandra Greggio

 

 

Quando le R si rafforzano nel teRRore della gueRRa

La tragedia della guerra in Palestina si estende anche in questa sofferta e vera poesia della più che sintonizzata coi fatti Antonia Scaligine.- L’autrice non vuole essere fonte di verità assoluta ma vuole creare una bandiera di pace con versi che valgono più di tutte le armi.

Antonia Scaligine

 

 

"La sapienza dell’acqua"

Acqua madre della vita e in questo contesto, mistero che accoglie Dio nel suo infinito segreto mondo che non siamo ancora chiamati a decifrare.

La materia qui sposa la fede del poeta e il potere generato da entrambi sono la chiave del pathos originale durante 8probabilmente) la creazione del mondo. Ma sarà così?

 

 

7ottobre24

Ben Tartamo

 

 

Bambini … paradisi in terra

L’innocenza del bambino è il vero Paradiso in Terra. Mai versi furono più meritati dalla vita. La gioia che un bambino offre con la sua naturalezza, la sua visione chiara delle persone è pari solo a un Eden sorridente e felice.

Fausto Beretta

 

 

Non si salvi chi puo’ ma salviamoci tutti

L’amarezza incontra l’ironia ed entrambe sono generate da un uomo pagato per fare un lavoro che svolge a parole, mentre l’Italia è sommersa da acque – forse l’onorevole vuole che diventiamo tutti dei pesci.

Carlo Chionne

 

 

La peste

(maggio 2018 - consultazioni-)

 

I vecchi imbroglioni e giullari che fanno accordi per governare - mali che ancora oggi viviamo sulla nostra pelle e se non ci fossero i poeti , dei diavoli non parlerebbero nemmeno i giornalisti – qui tutti mangiano se hanno le poltrone per gli altri resta solo “guardare la televisione”

 

(* l'afflitto Mattarella ** Di Maio *** Salvini)

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

Per poi cadere

Lascio per me solo le estremità … mamma mia che versi!!!

L’amore che ci fa toccare il cielo e poi ci fa precipitare, ah quel fuoco, quella magia e poi quel dolore. il poeta le ha sentite tutte queste emozioni e sembra di stare sulle montagne russe, dove il precipitare è violento.

 

(Perdersi)

24/10/24

Ciro Seccia

 

Ringrazio l'uomo che ha reso tutto questo possibile, il Magister Lorenzo. Ringrazio Piero Romano Colonna per il pilastro della dottrina che è fondamento del sito. Ringrazio tutti voi per le bellissime letture che mi rendono più forte e sempre più convinta che la bellezza non sta in un lavoro o in una poesia o in una sola persona, ma nell'idea di un grande immaginario armonico e conviviale che ci unisce. Grazie a Ben Tartamo per il suo impegno e valore nel commentarci. Siate operosi come le api.

Miu

Qualcuno in mezzo a quei rami mi parla – Guglielmo Aprile

In questa poesia, Aprile ci introduce in un mondo sospeso tra l'ordinario e il sacro, dove la natura si rivela come una presenza vivente, animata da una forza misteriosa che ci sfugge, eppure ci tocca profondamente. Le divinità "nascoste sotto il vegetale inganno" ci riportano alla dimensione arcana e sacra dell'albero, che è allo stesso tempo simbolo di vita e depositario di segreti antichi.

Le "membra umane" che potrebbero riemergere dagli alberi richiamano una profonda connessione tra l'uomo e la natura, una reminiscenza delle origini mitiche dell'umanità. Non possiamo ignorare il parallelo biblico dell'Eden, dove l'albero è testimone della caduta e della redenzione dell'uomo. Qui, Aprile sembra suggerire che gli alberi sono testimoni e custodi di una saggezza perduta, in grado di riconquistare la loro forma umana, ma solo a nostra insaputa. Questo velato riferimento a una possibilità di trasfigurazione introduce un tono quasi escatologico, dove la redenzione e la rivelazione sono sempre possibili, ma non a chi cerca di penetrare il mistero con occhi profani.

Il poeta ci invita a vedere il mondo naturale non come semplice paesaggio, ma come interlocutore silente. "Un miraggio del sole" o "uno scherzo del vento" possono diventare epifanie, rivelazioni della presenza di un amico invisibile, di un Dio che si cela dietro la trama del creato. C'è una dolce malinconia in questo riconoscere i "cenni, ammiccamenti" tra i rami e nelle ombre, segni di una presenza divina che sembra sfuggirci, ma che non è mai del tutto assente.

Alla base di questa poesia vi è una profonda teologia della creazione: il mondo, per Aprile, è un oracolo, un messaggero che ci parla della mente divina "in preda alla mania". Qui l’eco delle parole di San Paolo, secondo cui "la creazione geme in attesa di essere liberata", sembra vibrare tra le righe, suggerendo una tensione tra il visibile e l'invisibile, tra la realtà e l'oltre. Aprile ci invita a non essere ciechi di fronte a questi segni, a leggere la natura come una parabola, una finestra sull’eterno.

Culto dell’albero – Guglielmo Aprile

Questa poesia è un inno agli archetipi, una celebrazione di quella che potremmo chiamare "la religione primordiale", dove gli alberi non erano solo creature della natura, ma manifestazioni divine, colonne portanti del mondo. Aprile qui ricostruisce con straordinaria efficacia il legame sacrale tra l'uomo e l'albero, facendoci rivivere le antiche venerazioni dei nostri antenati, quando ogni albero era un padre, un saggio, un portatore di oracoli.

Il frassino, l'abete, il cedro, la quercia e la betulla sono molto più che semplici nomi botanici: in queste figure si condensano i miti e le leggende delle culture antiche. La scelta del frassino, per esempio, non è casuale: è l’albero cosmico della mitologia norrena, l’Yggdrasil, che tiene insieme i mondi. L’immagine del frassino che "svetta sui mari del Nord" e "a suo arbitrio le briglie scioglie o incatena dei fulmini" evoca una potenza divina che trascende la natura stessa. Questo ci ricorda che gli antichi non vedevano gli alberi come entità statiche, ma come esseri dotati di volontà e potere.

La figura del cedro, che "lamento di un dio rimasto imprigionato nel suo tronco", assume un significato profondamente cristologico. Non possiamo non vedere qui un parallelo con la Passione di Cristo, colui che, pur essendo Dio, accettò di essere inchiodato su un legno, crocifisso, per redimere l’umanità. Il lamento del dio intrappolato nel cedro è un simbolo struggente della condizione umana, una condizione di esilio e sofferenza in attesa della redenzione.

In questa poesia, ogni albero rappresenta una virtù, una qualità divina. La betulla, "la figlia della luna", è la figura virginale, simbolo di purezza e di rivelazione, che offre il suo nettare come fonte di vita. Questo ritorno all'albero come simbolo di resurrezione ("mette foglie ogni anno dal suo scheletro") ci riporta al cuore del messaggio cristiano: dalla morte, dalla desolazione, nasce la vita, il segreto dell'eternità si rivela nel ciclo perpetuo della natura.

Aprile si sofferma sull'immagine dell'albero come "vertice dell’equilibrio tra i mondi". Questo asse invisibile che tiene uniti cielo e terra è il fulcro della spiritualità cosmica, il punto di connessione tra il divino e l’umano. L'albero, con le sue radici che affondano nell'abisso e i suoi rami che si protendono verso l'etere, è il simbolo perfetto di questa dualità. In questo senso, è il mediatore tra la vita e la morte, tra il sacro e il profano, un simbolo del ponte che l'uomo è chiamato a percorrere per avvicinarsi a Dio.

Esplode il vento – Piacentino Alessandra

Questa poesia ha un vigore quasi primordiale, in cui il vento assume una dimensione cosmica, capace di sconvolgere non solo il mondo esterno, ma anche l’interiorità del poeta. Il vento qui non è solo un fenomeno atmosferico: è la forza creatrice e distruttiva che attraversa l’esistenza umana. Il foglio che viene sollevato dal vento diventa il simbolo della vita creativa del poeta, un diario riempito di "frasi, sonetti, metamorfosi e versi". La scrittura, come il vento, è un movimento perpetuo, una continua trasformazione che cattura le emozioni e le trasforma in parole.

Il "cavallo" dentro il poeta è una potente immagine del suo spirito indomito, che corre libero nel vento, mosso da passioni e desideri. Il vento non è quindi solo un elemento esterno, ma una forza interna che guida l'anima attraverso paesaggi metaforici di emozioni e pensieri. Questa "orchestra in pineta" diventa un coro naturale, un accompagnamento musicale che sottolinea il passaggio del tempo e l'armonia tra l’uomo e il cosmo.

L'esplosione del cuore nella "soffitta di emozioni" è un'immagine poetica che allude al peso delle esperienze accumulate nel tempo. La soffitta, spesso associata al passato e ai ricordi, è qui il luogo dove le emozioni, conservate e nascoste, emergono con forza. L'intero testo si muove tra momenti di grande intensità, esplosioni di sentimenti, e una calma lunare, rappresentata dalla "luce della luna" che si inchina al mare. C’è un gioco continuo tra il dinamico e il statico, il travolgente e il contemplativo, che riflette la natura mutevole della vita e dell’arte poetica stessa.

Les souvenirs – Isabelle Duval (traduzione di Nino Muzzi)

In questa poesia, Duval esplora il tema della memoria come qualcosa di invasivo, che si insinua in ogni parte della nostra esistenza fino a modificare la nostra percezione del presente. I "ricordi" qui sono entità vive, capaci di riempire l’orizzonte e di trasformare il percorso della vita in qualcosa di nuovo, di diverso. L’immagine dei ricordi che "si deposita fin dentro alle ossa" evoca una corporeità della memoria, un peso che si fa sentire non solo nella mente, ma anche nel corpo stesso.

La strada che "parla per noi" è una metafora della vita e del tempo. Il sentiero diventa un linguaggio fragile, una comunicazione che non sempre comprendiamo. In questa fragilità si riflette l’incertezza dell’esistenza, il fatto che i ricordi, sebbene costituiscano una parte di noi, ci sfuggano nella loro piena comprensione. Il sentiero non solo ci accompagna, ma ci tiene per mano e, in un gesto quasi ironico e amaro, ci "sputa in faccia". Questo duplice atto rappresenta la dualità dei ricordi: ci confortano e ci tormentano, ci accompagnano ma ci mettono anche di fronte alle nostre fragilità e contraddizioni.

La lingua di questa poesia è volutamente semplice, ma ricca di sottotesti che rivelano una profondità esistenziale. La memoria non è un processo lineare né comprensibile, ma un continuo ondeggiare, una presenza costante che plasma la nostra percezione del mondo. Duval riesce a catturare la complessità del rapporto con il passato, in cui il ricordo è allo stesso tempo amico e nemico, custode della nostra identità e fonte di disagio.

Nella versione italiana di *Les souvenirs*, tradotta da Nino Muzzi, ritroviamo la stessa delicatezza del testo originale. Il traduttore riesce a mantenere la stessa atmosfera sospesa e introspettiva, conservando l’idea di un passato che si fa presente, che modifica il nostro cammino. "Il sentiero parla per noi", ma la "lingua fragile" di cui parla potrebbe anche essere la lingua del cuore, della psiche, che spesso non trova parole per esprimere la complessità di ciò che viviamo.

L'immagine dei "ricordi" che "ci sputa in faccia" acquisisce in italiano una tonalità quasi più ruvida e concreta, ma altrettanto efficace. In questa rudezza si intravede la brutalità della memoria, che ci ricorda ciò che vorremmo dimenticare e, allo stesso tempo, ci mantiene ancorati alla nostra storia personale. La traduzione restituisce con grande fedeltà il senso di precarietà e fragilità esistenziale che attraversa il testo, un sentimento di non completa padronanza di ciò che siamo e di ciò che ricordiamo.

Ti guardo – Franco Fronzoli

In questa poesia, Franco Fronzoli ci offre una rappresentazione struggente di un addio che non viene mai dichiarato apertamente, ma che si sente in ogni verso, in ogni immagine evocata. Il tema della contemplazione è centrale: il poeta guarda, osserva, senza aspettarsi nulla in cambio, e questo sguardo è pervaso da una dolcezza rassegnata. La persona amata si allontana, non solo nello spazio ma anche nel tempo, verso un luogo sconosciuto, rappresentato da un orizzonte "di luce soffusa". C’è una delicatezza nel descrivere la bellezza e l’eleganza di questa figura, che diventa quasi un’apparizione fugace, destinata a svanire "nell'infinito".

L’uso delle foglie d’autunno che volteggiano nel vento riflette il movimento della vita stessa: tutto è destinato a passare, a trasformarsi, e l’amore, come le foglie, viene portato via dal vento verso l’ignoto. La poesia, nella sua semplicità, riesce a trasmettere un senso di perdita e di silenziosa accettazione, dove il poeta non tenta di fermare l'inevitabile, ma lo contempla con una sorta di serena malinconia. Questo è un dialogo muto con il destino, un’esplorazione del tempo e dei desideri che, come in una giostra, ruotano intorno all'infinito senza mai potersi realizzare appieno.

Haiku – Bruno Amore

Questo haiku di Bruno Amore segue la tradizione classica del genere, condensando in poche parole una scena naturale che invita alla meditazione. La "goccia" che cade dalla gronda e le "nubi che passano via" sono immagini semplici ma potenti, che rimandano all’impermanenza della vita. Il "chiaro meriggio" rappresenta un momento di calma e di chiarezza, una pausa tra il flusso costante delle cose.

In queste tre righe, l'autore riesce a catturare l'essenza di un momento che, pur essendo transitorio, lascia una traccia nella mente e nel cuore di chi osserva. L'haiku è un invito a fermarsi e ad apprezzare la bellezza dell'effimero, a trovare la pace nell’accettazione del mutamento, proprio come le nuvole che passano via nel cielo sereno.

Ho visto il bene e il male – Giuseppe Stracuzzi

Giuseppe Stracuzzi ci offre una profonda riflessione morale sul dualismo tra bene e male, due forze opposte ma inseparabili, che convivono nell’animo umano. La poesia esplora la natura ambivalente delle scelte umane, in cui il "bene" e il "male" sono rappresentati come abiti che indossiamo a seconda delle circostanze. L'idea che il bene e il male vivano "nella latebra delle opzioni" suggerisce che ogni scelta è un compromesso, un atto di bilanciamento tra forze contrastanti.

La crudeltà, l'intolleranza e la meschinità si contrappongono alla pietà, alla tenerezza e alla carità, e Stracuzzi riesce a trasmettere l'idea che l'essere umano è capace di entrambi. Il male appare "elegante" e il bene "umile", ma è proprio nella semplicità del bene che risiede la sua forza. La poesia invita a una riflessione profonda sulla natura delle nostre azioni e delle nostre intenzioni, e su quanto sia facile, a volte, indossare "l'abito più buio" senza renderci conto delle conseguenze. Ma allo stesso tempo, la presenza del "buono" ci ricorda che l'umanità ha sempre la possibilità di scegliere la compassione e l’altruismo, anche nelle situazioni più difficili.

Hank – Enrico Tartagni

Enrico Tartagni ci presenta una poesia intensa e frammentata, in cui la figura di "Hank" – che può essere vista come una rappresentazione simbolica di una figura eroica, ribelle o disillusa – si staglia come un'anima errante in bilico tra il cielo e l'inferno. La ripetizione del nome "Hank" funziona come un richiamo costante, quasi un'invocazione, ma allo stesso tempo suggerisce una distanza incolmabile tra il poeta e la figura evocata. Hank, ormai morto, sembra aver trovato una nuova prospettiva, in grado di vedere "l'infinito / dietro l'eterno", uno spazio che noi vivi possiamo solo immaginare.

Il testo si snoda in una serie di immagini potenti e surreali: Hank pesca con le mani nel mare, piange su un iris come un "diadema d'eroe", si confronta con la "viltà violenta del mondo". La poesia, con il suo linguaggio irregolare e spezzato, esprime una sensazione di alienazione e di perdita, mentre Hank diventa una figura quasi mitica, un petalo di rosa posato sulla terra, fragile eppure pieno di significato.

Tartagni mescola elementi di spiritualità con accenni di disillusione, creando un ritratto di un'anima tormentata ma anche libera, in un continuo dialogo tra il mondo dei vivi e quello dei morti, tra l'azione e la contemplazione. Hank è allo stesso tempo un eroe tragico e un uomo comune, una rosa e un guerriero, e la sua morte non è solo una fine, ma un ingresso in una nuova dimensione, eterna e infinita.

Attendo suoni – Antonietta Ursitti

Nella poesia di Antonietta Ursitti, il tema dell'attesa è centrale. C'è una sorta di sospensione, un momento di quiete in cui la natura sembra trattenere il respiro. Gli alberi, simboli di stabilità e saggezza, "si contano fole" e parlano di tempi passati, ma ancora vivi nelle loro "voci squillanti". L’autrice ci guida in un mondo silenzioso, dove però tutto ha un significato, e solo chi ascolta con attenzione può cogliere le "verità" nascoste tra le foglie.

Questa poesia ci invita a riflettere sull'importanza dell'ascolto, non solo quello uditivo, ma un ascolto più profondo, spirituale. La narrazione della natura, con la sua saggezza millenaria, diventa un modo per connettersi con il passato, ma anche per comprendere il presente. Le foglie, che non lasciano tracce evidenti, sono il simbolo di un sapere sottile, effimero, che tuttavia è sempre presente e accessibile a chi è disposto a cercarlo.

Il tono meditativo e la delicatezza delle immagini suggeriscono un senso di comunione con la natura, una riflessione su come il tempo scorre e le voci del passato possano ancora insegnare e ispirare chi è disposto ad ascoltare. C’è un senso di pace e di quiete, ma anche una profonda malinconia per ciò che è stato e non tornerà più.

Paesaggio triste – Nino Silenzi

Il titolo stesso di questa poesia di Nino Silenzi prepara il lettore a un’immersione in un mondo di desolazione e malinconia. Il paesaggio che ci descrive è spoglio, ridotto all'essenziale: le tife, ingiallite dalla morte imminente, i canali solitari, le acque melmose che si trascinano lentamente, le stoppie grigiastre. Ogni dettaglio contribuisce a creare un’atmosfera di abbandono, di decadenza naturale, che rispecchia la fine di un ciclo vitale.

La natura sembra chiedere perdono, in uno scenario dove la morte è imminente e inevitabile. Gli uccelli affamati che si posano sulle stoppie, le strisce di nebbia leggera che filtrano i raggi del sole, tutto concorre a trasmettere un senso di oppressione e di tristezza. Il "cielo malato" è il culmine di questa visione: il mondo stesso sembra afflitto da una malattia che avvolge ogni cosa in una foschia grigia e deprimente.

La luce, che "infiochisce" verso la fine della poesia, è l’immagine di una speranza che si spegne, di una vita che lentamente cede al buio. Eppure, nel descrivere con tanta cura questo paesaggio desolato, Silenzi riesce a trasmettere una bellezza sottile, nascosta nella tristezza stessa, come se anche la morte e la fine avessero un loro posto naturale nell'ordine delle cose.

Nightmare – Felice Serino

La poesia Nightmare di Felice Serino è un’immersione vertiginosa nel subconscio, dove il sogno si fonde con la realtà in un tentativo disperato di liberazione. Il protagonista, lanciatosi dall’Empire State Building, cerca di sfuggire alla gravità, sia fisica che esistenziale. In questo gesto estremo di volo e sospensione, si avverte la volontà di staccarsi dal "peso" che lo trattiene alla terra, un’immagine potente della fuga dalla sofferenza e dai vincoli terreni.

La poesia esplora il tema della caduta e del desiderio di liberazione spirituale, dove il sogno diventa un campo di battaglia tra la vita e la morte. Nonostante il suo corpo sia sospeso nel "senzatempo", il risveglio lo riporta a una condizione di disorientamento: il cuore non si trova più, forse simbolo della perdita di sé, dell’anima o dell’essenza vitale. *Nightmare* è un canto oscuro e suggestivo, dove il sogno diventa il riflesso di una ricerca fallimentare di libertà, intrisa di una paura sotterranea e universale.

Choka – Laura Lapietra

Il ''Choka'' di Laura Lapietra è una delicata esplorazione della bellezza e della purezza dell’infanzia. Attraverso un linguaggio intimo e riflessivo, la poetessa cattura lo "stupore" che emerge dalle "dolci parole", espressioni innocenti che risuonano come un "vibrante suono" nel cuore di chi le ascolta. Il contrasto tra l’innocenza dell’infante e le "cupe albagie" suggerisce la tensione tra la purezza dell’infanzia e le oscurità del mondo adulto.

La poesia, con la sua struttura di brevi versi, evoca una malinconica riflessione sulla perdita: ciò che l’infante rappresenta, ovvero l’innocenza perduta, è qualcosa che la voce poetica ha smarrito nel tempo. Il ritorno "tra le braccia materne" diventa una metafora per il desiderio di ritrovare quella parte di sé che è stata dimenticata, e che solo nell’infanzia era così viva. Questo *Choka* è un esempio perfetto di come, attraverso pochi versi, si possano esprimere emozioni complesse e profonde.

Nulla turba il silenzio delle notti – Cristiano Berni

La poesia di Cristiano Berni, *Nulla turba il silenzio delle notti*, è un canto malinconico e ricco di suggestioni notturne. Attraverso la ripetizione del verso "Nulla turba il silenzio delle notti", Berni ci introduce in una dimensione sospesa, quasi fuori dal tempo, dove l’oscurità regna incontrastata. Le notti, con il loro silenzio misterioso, sono teatro di passioni e contrasti, dove Eros esplode e i corpi si avvinghiano, ma anche dove il sangue di Cristo viene versato in un’immagine di sacralità e sofferenza.

L’autore, con sapiente maestria, ci guida in un mondo di simboli: la Luna, le Stelle, Chopin che suona un "Notturno", tutto contribuisce a creare un’atmosfera rarefatta, quasi onirica. Le notti di Berni sono il luogo dove la fantasia si mescola con la realtà, e dove i poeti trovano ispirazione. C’è una dolcezza velata di malinconia in queste immagini, che culminano nella consapevolezza che, nonostante tutto il tumulto emotivo che si cela dietro le quinte, nulla disturba veramente il silenzio sacro della notte.

Con questa poesia, Berni ci invita a riflettere sul silenzio, non come assenza, ma come contenitore di tutte le emozioni e i pensieri umani, un silenzio che cela la vita, la morte e tutto ciò che sta in mezzo.

Tramonto a Piombino – Salvatore Armando Santoro

''Tramonto a Piombino'' di Salvatore Armando Santoro è una lirica semplice e intensa, che cattura un momento di contemplazione solitaria di fronte al mare, tra la potenza della natura e una riflessione intima sul senso dell’esistenza. Il poeta, che dichiara di non essere solito pregare o credere nei santi, si arrende alla forza di un tramonto che suscita in lui un moto spontaneo di preghiera.

La poesia dipinge con delicatezza la scena: il cielo plumbeo, l’onda che sbatte contro la scogliera, il freddo della sera e il vento maestrale che soffia gelido dall'Elba. Questi elementi creano un’atmosfera austera e solenne, dove la natura sembra prendere il sopravvento sull’anima umana, portando il poeta a un raro momento di introspezione. L’ultimo sole che si distende sulle onde, con la sua luce residua, sembra portare una tenue gioia che illumina la serata, ma anche un sottile invito a riflettere sull’ineluttabilità del tempo che passa.

La poesia rivela una fusione armonica tra il paesaggio esterno e il mondo interiore del poeta, dove la bellezza del tramonto si specchia in una preghiera che, anche senza fede religiosa, è comunque un atto di resa alla maestosità della natura.

Pasquinate n°2 – Piero Colonna Romano

Con ''Pasquinate n°2'', Piero Colonna Romano ci offre un ironico commentario politico, vestito della tradizione delle pasquinate, brevi satire che prendono di mira i potenti del momento. In questo caso, l’oggetto delle critiche sono i protagonisti della scena politica italiana durante il governo giallo-verde: Salvini, i 5 Stelle e Conte.

La satira mordace del poeta si manifesta attraverso versi brevi e pungenti, dove Salvini emerge come un burattinaio, mentre i 5 Stelle, a cui pensavano di essere fratelli morali, vengono dipinti come infantili e ingenui. La politica viene descritta come un gioco di potere dove Conte, il premier di allora, è ridotto a una pedina che gli altri utilizzano per i propri fini. Il tema della "rinascita" del fascio, con Salvini nel ruolo di duce, è esposto in modo tagliente, e il sarcasmo si intreccia con una profonda disillusione per la deriva politica del momento.

Pasquinate n°2 è una poesia che non si limita alla mera ironia, ma esprime un’amara constatazione sulla fragilità delle promesse politiche e sulla manipolazione dei sogni dei cittadini.

Ho avuto Amanti – Ciro Seccia

In ''Ho avuto Amanti'', Ciro Seccia riflette su un passato amoroso intriso di passione, perdite e memorie. Le amanti sono presentate in un gioco di contrasti tra immagini potenti: la Luna e le Rose rosse come il fuoco, simboli di amore fugace e ardente. Tuttavia, queste figure appaiono ormai sfocate nella memoria, rievocate in bianco e nero, come se il tempo avesse sbiadito i dettagli più tangibili, lasciando solo le sensazioni più profonde.

La poesia è pervasa da un senso di dualismo: piacere e odio, emozioni silenti che si riverberano nell’anima sotto la luce della Luna, assumendo la forma di una chimera, un’immagine irraggiungibile e fugace. La presenza della Luna, ricorrente simbolo di romanticismo e introspezione, fa da cornice a questo viaggio tra il passato e il presente, dove l’amore, pur essendo finito, lascia tracce indelebili nell’anima del poeta.

Con un linguaggio evocativo e un ritmo delicato, Seccia ci conduce in una dimensione intima e nostalgica, dove l'amore vissuto non è mai veramente scomparso, ma continua a vivere sotto forma di ricordi intensi e immutabili.

Vecchierella – Alessio Romanini

In Vecchierella, Alessio Romanini ci racconta, con un linguaggio delicato e profondo, la solitudine e la malinconia della vecchiaia. La protagonista, una donna anziana, è immersa in una scena di silenzio e quiete, in cui il mare, il sole, il vento e persino la sua anima sembrano rispecchiare il suo stato d'animo. La solitudine è descritta come una sorella, una compagna dei suoi giorni, con cui deve fare i conti mentre i ricordi del passato si affollano nel suo cuore rugoso.

L’immagine della vecchierella che "volge il silente guardo all'ultimo rosso tramontare" rappresenta il suo addio alla vita, un momento di riflessione finale sulla sua esistenza. Il tramonto, simbolo dell'approssimarsi della fine, si intreccia con i suoi pensieri di un tempo spensierato e giovanile che ora è solo un ricordo. Il bisbiglio nella tacita notte suggella la poesia, lasciandoci con una sensazione di dolce malinconia e di inevitabilità del destino.

Romanini, con versi classici e armoniosi, riesce a evocare un'intensa empatia verso la condizione umana di fronte alla vecchiaia e alla morte, facendo emergere temi universali come la solitudine e il rimpianto.

El vecio e el mar – Roberto Soldà

In ''El vecio e el mar'', Roberto Soldà propone una riflessione filosofica sul tempo, l'esperienza e la saggezza attraverso il simbolo della barca e del mare. La poesia, scritta in dialetto veneto, ci trasporta in un mondo fatto di giorni e notti passate a pensare, con il vecchio che ha imparato a resistere alle tempeste della vita, proprio come la sua barca che lo attende silenziosa sulla riva del canale.

La barca diventa una metafora della saggezza accumulata attraverso le esperienze, ma anche della consapevolezza della mortalità. L’atto di ingannare il sonno, che Soldà associa all'attesa del varco finale, è una riflessione sul fatto che, pur sapendo molte cose, ci sono misteri della vita e della morte che rimangono irrisolti, anche per chi ha vissuto tanto. La poesia ci invita a contemplare l'inevitabilità della fine e il rapporto che ognuno di noi ha con il tempo e il proprio destino.

Soldà usa il dialetto con maestria per esprimere una visione intima e profonda, dove l’esperienza umana si scontra con le forze naturali e l’enigma della morte, conferendo alla poesia un tono quasi epico.

Addio, vecchio cellulare! – Sandra Greggio

Sandra Greggio, in Addio, vecchio cellulare!, riesce a trasformare un oggetto tecnologico come un vecchio cellulare in una figura poetica, carica di nostalgia e significato emotivo. Il cellulare a conchiglia diventa il simbolo di un tempo passato, un compagno di avventure che, con la sua voce e i suoi suoni, era capace di asciugare lacrime e sorprendere con le sue melodie.

L'immagine del cellulare che ora giace "in fondo al mare", chiuso in un cassetto, rappresenta il distacco dal passato e l'avvento di una nuova era tecnologica, incarnata dal nuovo cellulare, che, nonostante la sua eleganza, è privo di quel valore emotivo e simbolico che caratterizzava il vecchio. Greggio coglie in modo poetico il contrasto tra vecchio e nuovo, tra ciò che è stato carico di ricordi e ciò che, pur essendo moderno, è vuoto di significato.

Con un linguaggio semplice ma efficace, la poetessa ci invita a riflettere su come gli oggetti che fanno parte della nostra vita quotidiana possano assumere un’importanza quasi affettiva, legata ai ricordi e alle emozioni che abbiamo vissuto con loro. Il cellulare diventa così un simbolo di cambiamento e di nostalgia per un passato che non può più tornare.

In questa nuova serie di poesie, i temi della solitudine, della nostalgia, e del rapporto con la natura e la vita si intrecciano in maniera potente, evocando immagini e riflessioni intense sul ciclo dell'esistenza, le emozioni umane e il distacco dal passato.

Danze Tigane– Jacqueline Miu

Danze Tigane è una poesia vibrante e nomadica, in cui Jacqueline Miu esplora il concetto di libertà e schiavitù, il contrasto tra l’anima libera e le catene che imprigionano l'essere umano. La figura del tigano, con il suo cuore nomade e non ancorato, diventa un simbolo di resistenza e ribellione contro la sottomissione. La poesia si muove tra immagini potenti, come il bicchiere di vino all’ultima cena e gli animali strani nei cieli, per evocare una danza mistica tra la vita e la morte, il sogno e la realtà. Il contagio di chimere, che la protagonista desidera trasmettere, diventa una metafora della trasmissione di storie, di leggende e di esperienze che rompono le catene dell’esistenza terrena. La poesia di Miu è carica di simbolismo e di energia, trasportandoci in un viaggio attraverso emozioni forti e universali, tra lacrime e risate, dolore e liberazione.

"Quando ti ho detto che ti amo" di Ben Tartamo

In questo toccante componimento, Tartamo si erge a cantore dell'amore, creando un legame intimo tra l'esperienza emotiva e l'arte poetica. La ripetizione "No, non era una poesia" funge da mantra, come un incantesimo che invita il lettore a esplorare la verità più profonda dietro le parole. Qui, l'amore non è mera espressione stilistica, ma un sentimento palpabile, un'emozione pura e vivente che trascende la forma.

Le immagini evocate – il vento, le onde, la schiuma del mare – dipingono un paesaggio emozionale vibrante, suggerendo la fluidità e l'immediatezza dell'esperienza amorosa. Tartamo gioca con la natura, evocando foglie d'autunno e nuvole leggere, simboli di transitorietà e bellezza effimera, per sottolineare la fragilità di un sentimento che, pur nella sua intensità, è sempre soggetto al passare del tempo.

La luna, le stelle cadenti e i fiori di loto rappresentano un amore che trascende il materiale, innalzandosi verso il sublime. La luce "verde dei tuoi sguardi di lago" suggerisce una connessione profonda e mistica, come se gli sguardi fossero specchi di anime che si riconoscono in un abbraccio eterno.

In questo poema, l'amore diventa un atto di respiro, un momento di sospensione temporale in cui l'infinito si racchiude "in ogni bacio". Con uno stile che ricorda le visioni oniriche dei mistici, Tartamo riesce a infondere una dimensione metafisica nella quotidianità, elevando l'amore a un'esperienza trascendente.

La poesia, dunque, non è solo un linguaggio, ma un modo di vivere, di percepire l'esistenza. Tartamo ci invita a riconoscere che l'amore, nella sua essenza più pura, è una forma d'arte, e che ogni attimo condiviso è un verso scritto nel grande poema dell'universo.

con profondo affetto e stima per tutti e un sentito ringraziamento al vate prof. Lorenzo De Ninis

prof. Marino Spadavecchia

Per i sitani e prima dei commenti.

Uomini di tutte le etnie, genderfluid,  uomini liberi.

La poesia è destinata a tutto il Genere Umano. Non ha ideologie, una religione, non inizia guerre e parla liberamente del mercato dell’odio.  La poetica non si modella e non si plasma. E’ libera dalla forma, è cosmica ed è la cura non invasiva alle infezioni generate dal potere concentrato nelle mani di pochi o è “lo steroide” emotivo accrescitivo di bellezza per chiunque ami il verso.  La poesia non è schiavista e non è servile. Gli uomini non la possiedono, è lei che possiede i prescelti. Il suo obiettivo è un nirvana indefinito, una visone astratta dell’utopia.

Questi maestri del “bello”, sono il mezzo con cui l’Immortalità si offre all’uomo.

Cancellati dalla storia gli oligarchi, i belligeranti, i Signori della Morte, i politici invasivi, i tiranni, i dittatori; poggiata la polvere del tempo sopra le i nomi sulle lapidi delle loro tombe, resta Lei eternamente giovane, bella ed incompiuta. Lei melodia creata dalla mano di un nome anonimo, lei emancipata creatura in mezzo a idealista legata a una catena di materiali e solitudini, lei fatta di versi in sincronia col giro gravitazionale di questo piccolo pianeta in cui i sognatori a volte regnano terre di fantasia, dove la pace tra tutti gli esseri è ancora possibile.

 

  

Haiku

Bellezza sanguinea e resistenza spinosa in questi versi che parlano di resilienza e bellezza.

Bruno Amore [br1]

 

 

"Un giovane vecchio"

Tributo a Mario Monicelli e alle sue produzioni cinematografiche in questo ritratto appassionato reso dal bravo e ispirato Cristiano Berni.

Cristiano Berni

 

 

Guardare oltre

 

And death shall have no dominion. Dylan Thomas

 

guardare lungo: oltre

la naturale dissoluzione

 

un'alba rosata ti pettina i pensieri

carezza i progetti del giorno

 

nulla può la morte

se tendi alla bellezza

 

21.1.24

Felice Serino

 

 

Baishù

Notturno che ispira questa brava poetessa e natura autunnale in cui risaltano, il dono umano di elevarsi sopra l’oscurità e la capacità poetica di orchestrare le sensazioni derivate dall’acquarello nostalgico.

Laura Lapietra ©

 

 

Nell’uliveto

Un quadro meditativo e fiabesco girato in mezzo ad un uliveto. Incontri metafisici, allegorie di legni che partono dagli arti umani in trasformazione dopo aver bevuto un filtro magico fatto di linfe, vergini seducenti  come nereidi che conducono lo sfortunato curioso nel loro mondo, dove egli resterà intrappolato. Ben dipinti dal poeta Guglielmo Aprile, questi affreschi colorati e vividi che riconoscono agli alberi quel potere di ipnotizzare noi umani.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

Orme nel bosco

Guglielmo Aprile   

 

 

Cavalcata notturna

Un’avventura estiva tra le vette fresche dei monti. Una cavalcata notturna di questo ottimo narratore che è Renzo Montagnoli, che eleva il sogno a cura contro l’arsura estiva e lo illude finché l’alba non gli fa aprire gli occhi e perdere quell’appagante sogno.

Da Lungo il cammino

Renzo Montagnoli

 

 

Il mare dentro

Una immensità marina intesa come affetto e come grandezza dell’animo materno. Pochi intensi versi dedicati alla madre di questa ispirata poetessa che viaggia con una interiorità ricca di emozioni.

Piacentino Alessandra

 

 

Lascia che il vento scompigli

Vento, mare, e parole d’amore orchestrate per definire questa luminosa creatura che appaga i sogni di Franco Fronzoli che si dichiara, se lei lo volesse, suo a vita.

Franco Fronzoli

 

 

“Un foglio del mio diario

dal mio inizio immateriale

al mare”

 

Mare non come frutto della fantasia o della creatività umana come le altre forme di spettacolo, ma come entità naturale che abbraccia il pianeta e gli umani che trovano conforto in esso.

Florian Mortato   

 

 

Il primo mese d'autunno

(...nell'emisfero boreale)

 

Ancora splende l'estate a settembre

Una cavalcata di emozioni e indaffarate situazioni portate dall’arrivo di settembre. Alessio Romanini abbandona il momento transitorio e malinconico tra stagioni per farci godere del sole a settembre. Una pennellata fedele alla sua nuova evoluzione sempre più incentrata sull’argomento poetico.

Alessio Romanini

 

 

Legato ad un granello di sabbia

Versi dalla sensibilità trascinante e un romantico costrutto con granelli di sabbia che risolve il dilemma amoroso. Maria è l’artefice di tutto e ciò che rimane non è nella volontà del poeta ma nella fisicità dichiara e operativa della sabbia. Una farfalla a Milano e un uragano in Florida cosa hanno in comune? L'effetto farfalla è una locuzione presente in fisica nella teoria del caos. Si ritiene che piccole variazioni nelle condizioni iniziali producano grandi variazioni nel comportamento a lungo termine del sistema.

 

Da Il peso dell'anima

Roberto Soldà

 

 

I “giovinetti “

Un poetico addio ai “giovinetti” che hanno accompagnato la vita e la poetica dell’ottima Sandra Greggio. Una poesia che vale un abbraccio umano ai cari alberi e alla storia che gli hanno accompagnati.

17 giugno 2024

(In occasione dell'addio a tre cipressi del mio giardino che erano ammalati)

Sandra Greggio

 

 

"Non è un cristallo"

(canzone)

 

Un cuore la cui limpidezza non è teorica. Ben Tartamo offre la totalità del suo cuore che regge ogni male e che se ferito, ritorna rigenerato e più forte di prima.

 

28settembre24

Ben Tartamo

 

 

Lo sfasciacarrozze gigliato

(chiedo perdono al collega Sandro M .)

Le disgrazie italiche con nomi che hanno cercato plausi in cattedra come nella politica. Montini, Renziani e Bestie evolute dalle macerie di Partiti agonizzanti, Piero colonna Romano mostra come un Dante moderno, la stoltezza della politica italiana degli ultimi vent’anni.

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

Medioriente

Il Medioriente nella sua veste arcaica e dominante da cui non filtra la pace, emerge il mondo arabo come una tribù di invasati che ripropone il Medioevo.

Carlo Chionne

 

 

Ringrazio l'uomo che ha reso tutto questo possibile, il Magister Lorenzo. Ringrazio Piero Romano Colonna per il pilastro della dottrina che è fondamento del sito. Ringrazio tutti voi per le bellissime letture che mi rendono più forte e sempre più convinta che la bellezza non sta in un lavoro o in una poesia o in una sola persona, ma nell'idea che ci unisce. Siate operosi come le api.

 

Miu

Haiku – Bruno Amore

"bacche rubino un rosario spinoso di rosa canina"

In questo haiku, breve ed essenziale, ogni parola è un universo di immagini e simboli. Le bacche di rubino, piccole e preziose, evocano non solo l'aspetto visivo di qualcosa di splendente e vivo, ma richiamano anche un valore sacrale, come se fossero perle di sangue o gemme della terra. Il "rosario spinoso" è una metafora forte: un rosario, che di per sé richiama la preghiera e la spiritualità, è qui spinoso, legato alla sofferenza e alla penitenza. Tuttavia, l'aggiunta di "rosa canina" dà un senso di vitalità naturale, di bellezza che sorge dal dolore, come spesso accade nella vita.

Il sottotesto psicologico di questo haiku si dipana nell'idea di una sacralità dell'esistenza terrena, che si manifesta attraverso elementi semplici ma potenti. Le spine non sono altro che le difficoltà della vita, mentre il rosario rappresenta il tempo, la sequenza delle nostre giornate, che possono essere piene di sofferenza, ma anche di bellezza e grazia. C'è qui un elogio all'accettazione del ciclo naturale, all'inevitabile presenza del dolore, ma anche alla sua capacità di generare qualcosa di prezioso e raro, come la stessa "bacche rubino".

"Un giovane vecchio" – Cristiano Berni

"E così s'è n'è andato, un giovane vecchio dallo spirito indomito burbero e retto."

Questo componimento, scritto in memoria di Mario Monicelli, si muove tra il ricordo personale e una riflessione universale sulla vita e la morte. Monicelli è descritto come "un giovane vecchio", un apparente ossimoro che però definisce perfettamente la sua essenza: una persona caparbia e vigorosa fino all’ultimo respiro. Qui si svela l'inconscio collettivo di una società che trova nei maestri anziani non solo un rimpianto per il passato, ma una continua fonte di insegnamento e vitalità.

Il linguaggio poetico è diretto, quasi scarno, ma questo minimalismo riflette l'urgenza e la sincerità del momento. L'immagine del "volo perfetto" diventa una metafora per la morte, come una scena finale di un film accuratamente diretta, proprio come il lavoro di Monicelli. La vita, in questa lirica, è un'opera d'arte che si costruisce a ogni passo, ma che rimane incompiuta, lasciando un vuoto incolmabile.

E c’è una commistione tra pubblico e privato, tra l'artista e l'uomo, tra il cinema e la realtà. Il poeta ci invita a guardare alla morte con sorpresa e rispetto, perché anche nel momento del distacco, Monicelli si rivela come un regista del suo destino, evitando funerali e cerimonie, rompendo le convenzioni persino nella fine. Il sentimento di lutto qui è profondo, ma è vissuto con la consapevolezza che "la commedia è finita" – una chiusura che è allo stesso tempo un atto di amore e accettazione.

''Guardare oltre – Felice Serino''

"guardare lungo: oltre la naturale dissoluzione un'alba rosata ti pettina i pensieri carezza i progetti del giorno"

Serino inizia la sua poesia con un richiamo all'immortalità dell'anima, citando Dylan Thomas. La frase "guardare lungo: oltre la naturale dissoluzione" porta con sé un imperativo esistenziale: non fermarsi all'apparente caducità delle cose, ma andare oltre, cercare la bellezza che persiste, anche di fronte alla morte. L'alba rosata diventa qui un simbolo di rinascita, ma anche di transitorietà. Questa immagine, delicata e intima, si sovrappone al tema del pensiero e del progetto: ciò che la mente umana crea, nonostante l'incombenza della fine.

L'inconscio del poeta qui sembra rivolgersi alla paura più profonda dell'uomo – la morte – con un moto di resistenza e di ricerca di significato. La morte non ha potere su coloro che tendono alla bellezza, sembra dirci Serino. Ma cosa è la bellezza? Non è solo estetica, è una tensione verso ciò che è oltre, un desiderio di vivere in modo pieno, abbracciando sia la luce che l'ombra.

Questa poesia si apre a molteplici letture: c'è un'eco quasi platonica nell'idea che la verità e la bellezza siano al di là del visibile, ma c’è anche una sensibilità più moderna, che vede nell’atto di creare un progetto, un pensiero, un’espressione personale, una forma di resistenza contro l’oblio. Il poeta, dunque, ci invita a riconoscere la morte, ma a non darle la dominazione ultima sulle nostre vite.

''Baishù'' – Laura Lapietra

"È fredda notte scura sulla mia ombra per la via. Alito quei poemi tra cielo e selciato in solfeggio"

La poesia di Laura Lapietra si svolge nella delicatezza di un’atmosfera notturna, dove il contrasto tra la freddezza della notte e il calore intimo dei "poemi alitanti" crea un'immagine suggestiva di solitudine e riflessione. L'ombra, un doppio del sé, è un compagno silenzioso sulla strada, evocando una presenza che non è mai del tutto assente, ma che si confonde nel crepuscolo.

Il verso "Alito quei poemi tra cielo e selciato in solfeggio" è particolarmente ricco: il poeta non scrive i suoi versi, li respira. Il respiro diventa espressione del legame tra corpo e parola, tra fisico e spirituale. C'è qui una risonanza profonda tra il movimento dell'aria e quello della musica (il "solfeggio"). Questa fusione suggerisce una sorta di danza tra il mondo terreno e il cielo, con la poesia come il ponte fra questi due universi. L’inconscio emerge nell’immagine del solfeggio, quasi a dirci che l’atto creativo è una melodia non sempre controllabile, ma guidata da forze interiori profonde e inconsce.

''Crema al pistacchio'' – Salvatore Armando Santoro

"Sono nata come crema alla pianura al monte come tale vengo espulsa in quattro mura."

In questi versi, il poeta utilizza la metafora del cibo, nello specifico della "crema al pistacchio", per riflettere sulla condizione umana, forse su quella femminile, all’interno di spazi e limiti imposti. La crema è qualcosa di morbido, dolce, un prodotto di piacere e delicatezza, che nasce in un contesto naturale, "la pianura", per essere poi confinata in uno spazio chiuso: "quattro mura". Questo contrasto tra il naturale e l'artificiale, tra l'espansione della natura e la restrizione dell’ambiente umano, crea una tensione significativa.

L'inconscio qui si nasconde dietro l'idea dell'essere "espulso", quasi come un’eco di un trauma o di una costrizione. La nascita e l’espulsione possono suggerire un ciclo che inizia con speranza ma si conclude con un ritorno a una prigione sociale o personale. Il richiamo alla natura e alla cultura si intreccia in un dialogo silenzioso e doloroso, in cui la dolcezza della crema diventa quasi un’ironia rispetto alla condizione di costrizione che viene descritta.

''Ottobre, e le Ottobrate romane''– Armando Bettozzi

"Ed ecco qua di già il…vendemmiatore con le cesoie e i cesti da riempire coi bianchi, o rossi grappoli…da bere per stare bene, e in allegria cantare:"

Questo componimento celebra l'autunno romano, nello specifico le "Ottobrate", in un inno al ciclo agricolo e alla bellezza della natura. Il vendemmiatore, figura simbolica di questo periodo, rappresenta il lavoro e la gioia che derivano dal raccolto. La poesia, con il suo tono vivace, ci porta immediatamente nei campi, tra i colori e i profumi del vino, delle castagne, della frutta autunnale, dipingendo un quadro di abbondanza e calore.

C'è un forte contrasto tra questa ricchezza naturale e l'assenza di risorse economiche: "Però…non porta soldi nelle tasche". Questo senso di carenza in mezzo all'abbondanza esprime una tensione sottile tra il mondo bucolico e quello reale, tra il desiderio di un'esistenza felice e i limiti pratici della vita quotidiana.

Il poeta si lancia in una critica sociale velata ma evidente, soprattutto nella nota finale che denuncia l’abuso delle terre agricole per interessi politici e commerciali. L’uso di "pale" e "pannelli solari" come simboli del progresso che distrugge l’essenza naturale risuona come una denuncia del moderno sfruttamento ambientale. C’è una nostalgia per un mondo in cui l’agricoltura è legata alla vita, alla cultura autentica, e la poesia diventa un atto di difesa di questa armonia.

Il sentimento che emerge dalle righe è duplice: una celebrazione della vita semplice e naturale e un’amara constatazione di come essa venga minacciata da forze esterne. L’inconscio qui si manifesta nel desiderio profondo di protezione, nella speranza che ciò che è naturale e autentico possa sopravvivere, nonostante le minacce del mondo moderno.

''Nell’uliveto – Guglielmo Aprile''

"Come un cieco, in un uliveto penetro e in mezzo ai suoi abitanti mi aggiro..."

L'uliveto, in questa poesia, si trasforma in un regno misterioso, quasi mitico, dove l'io lirico vaga come un cieco. Questa cecità, però, non è una mancanza di visione fisica, ma una cecità interiore, una condizione esistenziale in cui il poeta si muove alla ricerca di risposte. Gli alberi sono personificati, diventano esseri saggi e meditativi, "raccolti in pose meditative", e l'uliveto diventa una sorta di labirinto di enigmi da decifrare.

C'è un forte senso di attesa in questo testo: l'io poetico interroga gli alberi, cerca un responso, ma ciò che emerge è solo il silenzio. Gli alberi sembrano essere sul punto di rivelare un segreto, ma restano muti, trattenuti da una saggezza antica e impenetrabile. In questo contesto, la natura diventa simbolo di qualcosa di insondabile e ineffabile, un riflesso dell'inconscio che l'uomo non può mai pienamente comprendere.

Il tema del silenzio e della reticenza degli alberi suggerisce una tensione tra il desiderio di conoscere e l'impossibilità di raggiungere la verità. La ricerca di un "enigma" da decifrare diventa metafora della condizione umana, costantemente in bilico tra il bisogno di risposte e il mistero che ci circonda. Il poeta è un viandante nell’uliveto della vita, in cerca di verità che, per qualche motivo, restano irraggiungibili.

''Incontro con le ninfe – Guglielmo Aprile''

"Nell’intrico dei rami, un infinito minuto e ombroso..."

Questa poesia richiama l'archetipo classico dell'incontro con il mondo misterioso e seducente delle ninfe, figure mitiche che rappresentano la natura stessa nella sua forma più primordiale e sensuale. Il "verde dedalo" degli alberi diventa un luogo di fascinazione, un labirinto naturale che avvolge e cattura l’io poetico, il quale si trova immerso in un mondo di malia e incanto.

Le ninfe, qui descritte come spiriti di vergini, sono creature potenti e letali, che uccidono seducendo. Questo incontro tra umano e soprannaturale ha una forte valenza simbolica: le ninfe rappresentano forse la forza irresistibile del desiderio, dell'inconscio che seduce e inghiotte. Il poeta si descrive come "complice e consenziente vittima" di un incantesimo, una malia che lo travolge e lo rende vulnerabile.

C'è una dualità intrinseca nella descrizione: la bellezza e la sensualità del bosco sono anche una trappola, un inganno mortale. Il richiamo all'arabesco delle mani e delle braccia delle ninfe, che formano una "morsa vegetale", evoca l'immagine di un abbraccio soffocante, come se la natura stessa potesse diventare un agente di distruzione. Il bosco, quindi, non è solo un luogo di fascino, ma anche di pericolo, un simbolo dell'inconscio dove le forze oscure e seduttive sono sempre pronte a inghiottire chiunque vi si avventuri.

''Cavalcata notturna – Renzo Montagnoli

"Tutto è silenzio in questa notte di un'estate torrida da soffocare..."

In questa poesia, il calore soffocante dell’estate diventa lo sfondo di una condizione di disagio fisico e mentale. Il poeta si trova intrappolato nel caldo opprimente, incapace di dormire, fino a quando, finalmente, il sonno lo coglie e lo porta in un mondo onirico, dove avviene una liberazione. La "cavalcata notturna" rappresenta una fuga dal mondo reale verso un universo fantastico e fresco, in cui l'io poetico cavalca un destriero bianco attraverso paesaggi incantati e rinfrescanti.

Il contrasto tra la realtà del caldo estivo e la libertà del sogno è evidente: mentre nella veglia il corpo soffre, nel sogno c’è una trasformazione, una riconciliazione con la natura. Le "vette innevate", il "lago verde smeraldo", la "cascata" sono immagini che esprimono un desiderio di freschezza, di purificazione e di sollievo. Il sogno diventa quindi un rifugio, un luogo dove la mente può fuggire dalle sofferenze del corpo.

C'è, tuttavia, un'amarezza latente: il sogno viene interrotto dal canto del gallo, simbolo del ritorno alla realtà. L’io poetico si risveglia "accaldato", frustrato dal fatto che la sua cavalcata onirica è stata solo una breve parentesi in una realtà soffocante. Questo risveglio brusco, quasi rabbioso, evidenzia il contrasto tra il desiderio di fuga e la crudele insistenza della realtà. Il sogno rappresenta quindi un'illusione momentanea, una tregua temporanea dalle pressioni della vita, che però non può essere mantenuta.

La poesia, nel suo complesso, riflette il desiderio umano di sfuggire ai limiti fisici e mentali, trovando sollievo in mondi immaginari che, tuttavia, non possono durare.

''Il mare dentro'' – Alessandra Piacentino

"Mamma stai nel letto con me fino a quando non divento grande come te"

Questi versi toccano profondamente l'inconscio attraverso la semplicità disarmante delle parole di un bambino. L'immagine della madre nel letto diventa simbolo di protezione, affetto, e dell'intimità familiare. La frase "fino a quando non divento grande come te" non solo racchiude il desiderio di crescita, ma anche un'aspirazione alla fusione con la figura materna, quasi una ricerca di identificazione.

Il mare, sebbene non esplicitamente menzionato qui, può essere letto come una metafora latente dell'inconscio stesso, un vasto e misterioso elemento che accoglie e culla, proprio come fa la madre. La semplicità di questo breve componimento nasconde il desiderio universale di continuità e protezione, un bisogno di sicurezza che si estende fino all’età adulta.

''Lascia che il vento'' – Franco Fronzoli

"Lascia che il vento scompigli i tuoi capelli... Amami come io ti amo sorridi come io ti sorrido"

In questa poesia, la natura diventa il veicolo per esprimere un amore incondizionato e universale. Il vento, il sole, le onde del mare sono tutti elementi che avvolgono il corpo e l’anima dell’amata, creando un dialogo tra l’individuo e le forze naturali. C'è un invito esplicito a lasciarsi andare, a rinunciare al controllo e a permettere alla vita di svolgersi nel suo corso naturale.

Il poeta esprime una profonda compassione e tenerezza, offrendo un rifugio emotivo all’altra persona. L’immagine delle braccia che accolgono suggerisce una fusione tra il sé e l’altro, un annullamento delle barriere individuali in nome dell'amore. Il mare qui diventa un simbolo di libertà e di forza rigenerativa, capace di lavare via i "tristi pensieri" e di riconnettere l’individuo con se stesso e con il mondo.

L'invito a "essere libera" racchiude un profondo messaggio di emancipazione, non solo dai pregiudizi e dalle falsità, ma anche dalle oscurità interne. È una celebrazione della libertà interiore, una liberazione che avviene nonostante le avversità, e che trova nel rapporto amoroso la sua realizzazione.

''Un foglio del mio diario'' – Florian Mortato

"Credo in me stesso quanto nel mare. Il mare ti chiama... per liberarti dalle illusioni"

Questa poesia è una riflessione filosofica sul mare come simbolo di verità e di autenticità. Il poeta contrappone la realtà del mare al mondo della "cinematografia, del teatro, dello spettacolo", ovvero a tutto ciò che è finzione e apparenza. Il mare diventa un mezzo per raggiungere una sorta di illuminazione, una dimensione di esistenza autentica che permette di liberarsi dalle illusioni.

C'è qui un desiderio di autenticità, di sfuggire a una realtà che il poeta percepisce come ingannevole. Il mare rappresenta la profondità, il luogo in cui si può scoprire una verità nascosta, lontana dalle maschere della società. Le parole sono rare, e proprio per questo cariche di significato: nel silenzio del mare, l'individuo può riconnettersi con se stesso e scoprire ciò che è realmente importante.

Il mare è descritto come "celeste e pacifico", un luogo in cui le contraddizioni della vita terrena si dissolvono. È un'immagine di pace e di tranquillità, un rifugio dall’inganno e dalle illusioni quotidiane. C'è un senso di liberazione spirituale, un invito a riconoscere e abbracciare una dimensione esistenziale più profonda e autentica.

''Il primo mese d'autunno'' – Alessio Romanini

"Ancora splende l'estate a settembre... le foglie suonano la sinfonia"

La poesia cattura il delicato passaggio tra estate e autunno, un momento di transizione che è carico di nostalgia e di attese. Settembre, con il suo clima ancora mite, rappresenta una sospensione tra due stagioni, e il poeta ne coglie la bellezza fugace. Il ritorno alle scuole, le foglie che iniziano a cadere, sono segnali di un cambiamento inevitabile, ma allo stesso tempo, c’è ancora una traccia di estate che resiste.

Le immagini evocate, come le "foglie che suonano la sinfonia" e il "fogliame al vento", donano alla natura una qualità quasi musicale, come se tutto l’ambiente partecipasse a questo delicato momento di trasformazione. La nostalgia per la fine dell'estate si mescola alla consapevolezza del ritorno alla routine, ma c'è anche una malinconia dolce nell'abbandonare le "chimere", ovvero le illusioni estive.

Il tempo, descritto come "utopia", sembra sfuggente e inafferrabile, come se il poeta riconoscesse la fugacità di questi momenti di bellezza e felicità. Settembre diventa quindi un simbolo del passaggio, un ricordo di ciò che è stato e una preparazione per ciò che verrà, con il suo carico di nuove attese e illusioni. La poesia celebra la bellezza di questo breve intermezzo, sospeso tra la luce estiva e le ombre autunnali che avanzano.

''Ligà a on granel de sabia'' – Roberto Soldà

"... e lo ligo col spago ad un granel de sabia come nea nostra canson preferià"

In questo componimento, la sabbia diventa simbolo di fragilità e permanenza allo stesso tempo. Il granello di sabbia è un elemento minuscolo, quasi trascurabile, ma nella memoria affettiva diventa qualcosa di estremamente significativo, un filo che lega momenti intimi e condivisi con una persona amata. La canzone di Nico Fidenco evoca un legame nostalgico, un’epoca passata dove anche l’infinitesimale – il granello di sabbia – è carico di peso emozionale. C’è qui un gioco tra l’effimero e l’eterno, tra la possibilità di volare via o restare legati a un ricordo che, sebbene fragile, persiste nel tempo.

Il dialogo con Maria introduce un’idea quasi filosofica del caos e dell’ordine: una farfalla può generare un uragano, ma un granello di sabbia può resistere, rimanendo saldo. In queste due immagini contrastanti, si delinea una visione del mondo dove il destino e la casualità si intrecciano in modi misteriosi, e l’essere umano cerca di dare un senso a ciò che sembra sfuggente. C’è malinconia, ma anche una certa speranza nella capacità di preservare ciò che è significativo.

''I giovinetti'' – Sandra Greggio

"Addio giovinetti impettiti... Non più racconterete ai nidi fiabe antiche eppur sempre nuove"

In questa poesia, la natura diventa il riflesso di un passato ormai perduto. I "giovinetti", i tre cipressi malati, sono simboli di giovinezza e di un tempo che non ritornerà. Greggio dipinge questi alberi come compagni silenziosi, parte di una memoria collettiva che ora si spezza. L’addio ai cipressi non è solo una questione di perdita fisica, ma anche di una connessione emozionale profonda con la natura, che una volta offriva riparo, storie e protezione.

La ripetizione del "non più" crea un ritmo funebre e malinconico, sottolineando la definitiva fine di un’epoca. Il profumo degli alberi rimane nell’aria come un'eco della loro esistenza, e la parola “giovinetti” evoca il ricordo di tempi più semplici e spensierati. La poesia è un’elegia per la perdita della vitalità, un canto che esprime il dolore ma anche la bellezza di ciò che è stato. È una riflessione sull’impermanenza della vita e sulla dolcezza amara del ricordo.

''bidoo bidaa'' – Jacqueline Miu

"... per essere due infiniti punti di luce nel buio"

Jacqueline Miu crea una tensione tra fragilità e forza attraverso l’immagine del fuoco e della luce. Il soggetto poetico si presenta come vulnerabile, "indiscutibilmente senza difesa davanti ai sogni", ma proprio in questa vulnerabilità risiede la sua capacità di bruciare intensamente. L’immagine del fiore che riceve una carezza dal sole è delicata e poetica, ma allo stesso tempo evoca una forza naturale che supera le fragilità quotidiane.

L’interazione tra i due amanti è una danza intima di confessioni e condivisioni di dolori, culminando in un momento di rivelazione finale dove, spogliati delle maschere quotidiane, diventano "due infiniti punti di luce nel buio". Questo trasforma la loro unione in un momento di pura verità, di connessione spirituale oltre il corpo. La poesia sembra suggerire che solo attraverso l’accettazione della propria vulnerabilità si può raggiungere una forma di trascendenza, un'illuminazione in cui le maschere cadono e resta solo l’essenza.

''Lo sfasciacarrozze gigliato''– Piero Colonna Romano

"Egli è di certo mobile ed è mortal respiro per quel partito immemore"

In questo componimento, Piero Colonna Romano adotta un tono ironico e sarcastico per descrivere la politica contemporanea, giocando con l'immagine del "sfasciacarrozze" come metafora di un leader politico che smantella il sistema. Con un linguaggio che richiama la tradizione classica della poesia satirica, il poeta utilizza versi strutturati e un ritmo ben calibrato per criticare la corruzione e l’immobilismo della classe dirigente.

La "porno intesa" tra Renzi e Forzitalia viene descritta come un disastro politico imminente, una minaccia che grava sulla nazione, paragonata all’onda che travolge il naufrago. La visione apocalittica dell’Italia sotto il dominio di questi leader è rafforzata dall’uso di termini come "sventura" e "miseria", che evocano un sentimento di disillusione e di disperazione.

Colonna Romano mostra una evidente maestria nell’intrecciare critica sociale e politica con un’estetica poetica che richiama il passato. Il risultato è una poesia tagliente e al contempo raffinata, che invita il lettore a riflettere sulla caduta morale della politica moderna e sulla sua distanza dai valori originari.

''Medioriente" di Carlo Chionne

questa poesia diventa una riflessione critica sulla situazione socio-politica del Libano e, più in generale, sull'impatto della religione nelle dinamiche di potere. Il contrasto tra l’antica immagine del Libano come la "Svizzera del Medioriente" – un simbolo di stabilità e prosperità – e la sua attuale decadenza sociale e politica, diventa un punto focale della denuncia del poeta.

Chionne pone una domanda centrale: "Può a tal punto la religione, così ridurre una nazione?". Questo interrogativo introduce una critica sottile e tagliente verso l’uso della religione come strumento di potere, esemplificato dal "Partito di Dio", ovvero Hezbollah, un gruppo politico e militante profondamente radicato nella religione sciita. La poesia solleva il tema dell'oppressione e della regressione che possono emergere quando il potere politico si mescola in maniera preponderante con le ideologie religiose.

L'allusione a un ipotetico mondo dominato dal Vaticano – "Cosa sarebbe il genere umano, se comandasse il Vaticano?" – è un espediente retorico che amplifica il tema, proponendo un parallelo ipotetico che fa riflettere su quanto sarebbe limitante una società governata da un’entità religiosa con un potere assoluto. L'immagine di una società in cui il divorzio e l'aborto sono proibiti, e dove ogni diritto individuale è calpestato, getta una luce cupa su ciò che il poeta percepisce come una potenziale deriva verso l’autoritarismo teocratico.

La conclusione, con il gioco di parole tra Medioriente e Medioevo, non solo accresce la critica, ma ne estende il raggio d’azione: per Chionne, il progresso sociale e politico del Medio Oriente è condizionato dall'uscita da un contesto oscurantista e medievale, un invito a separare la religione dal governo per poter avanzare verso una modernità autentica e giusta.

Il tono ironico e quasi sferzante, unito alla semplicità dei versi e alla forza delle immagini, conferisce alla poesia una grande incisività. Chionne solleva domande scomode sulla libertà individuale e sulla sovrapposizione tra fede e politica, spingendo il lettore a riflettere non solo sul Libano, ma anche su come il potere religioso possa influenzare la vita e i diritti di una popolazione.

Con affetto

vostro Ben Tartamo

Per i sitani  e prima dei commenti

Convivialità letteraria e resilienza creativa

Cosmologi della narrativa in versi, responsabili manipolatori del pathos, circensi abilitati ad acrobazie espressive, gli uomini della parola poetica, mirano alla bellezza o alla via di scampo da un Inferno spesso generato dagli umani. I poeti sono i giardinieri dell’immaginario. Nella loro mente crescono piante stoiche le cui radici si trovano nell’ego umano.

I poeti sono stregoni e curanderi che offrono emozioni capaci di generare dipendenza. Questi esseri scrivono senza una corona sulla testa, spesso senza essere pagati per farlo, e lasciano dietro i propri passi che la natura sbocci nuovamente. L’idillio tra uomo e natura è come il bacio tra amanti e i creatori di versi, imparano ad osservarla ad indagarla, plasmandola tra le righe di un foglio a proprio piacere.

Questi artisti combattono le guerre usando solo la parola e uccidono con essa gli orgogli smisurati dei mediocri, dei violenti e dei tiranni.

La solitudine poetica è il mostro di dimensioni titaniche con cui spesso si confrontano. Ogni autore muore e rinasce innumerevolmente – consumandosi per un amore per un amore perfetto che quasi sempre, non uscirà dalla sua testa.

Immortale e duraturo è l’incendio del Poeta che ricorda la nascita dei pianeti e la Pangea primitiva.

La sua è una violenza aristocratica contro tutti i mali che affliggono l’Umanità., ma il vero male che lui combatte è la Morte. Una guerra impari. Perduta in partenza. L’artista con ogni debolezza viene investito da invisibile musa di un Cavalierato Cosmico. Saranno questi soldati che giorno dopo giorno, finché ci sarà esistenza umana trionferanno anche per brevi istanti sulla morte e lo faranno in versi brucianti di sogni pronti al contagio dei prossimi adepti a Poesia.

La strada di un uomo che compone versi, è una strada attraverso le tenebre, inseguendo una stella e armati dell’unica forza che non è mai debole davanti a qualsiasi mostro ed è quella dell’amore.

 

  

"Voce del Mare"

Un richiamo alle profondità marine che ci riconoscono come adepti. Un amore ricambiato tra blu, fondali e l’atmosfera poetica ben dipinta dall’autore.

Florian Mortato    

 

 

Haiku

Un uomo a fine giornata e quel fardello che accompagna il suo passo pesante. La pesantezza è un suono, per me, rassicurante, c’è vita in quell’essere e c’è ancora la forza di battagliare.

Bruno Amore [br1]

 

 

"Tempo"

Pilastro delle esistenze e attributo sine qua per questa poesia centrata sul “tempo”. Naturalmente non è un tempo universale ma un figurativo “nemico amico” presente durante ogni viaggio, ogni pensiero e scelta. Un Cristiano Berni ispirato e guidato dalla riflessione sulla cosa che più incide sull’esistenza umana.

 

4/08/2017

Cristiano Berni

 

 

Era solo un sogno 2

Visionaria e chimerica la formattazione onirica nelle sue interpretazioni sintetiche. Plausibile sia un fatto semplice quello che ricorda il poeta ma la sua costanza nel brevettare “normali azioni” rendendole di vitale importanza, non perde il suo valore.

 

(calura estiva e non poter bere

alla fontanella a due passi

ché la linea se ne "andava"...

 

-era questa

realtà!)

 

19.1.24

Felice Serino

 

 

Keiryu

Componimento delicatamente dipinto che espone le atmosfere ed i sentimenti malinconici della brava poetessa Laura Lapietra.

Laura Lapietra ©

 

 

Il Silenzio

Una miriade di affreschi, metafore e allegorie che inseguono una chimera “regina delle tenebre” che mette in agitazione il cuore ben temprato dell’ottimo Enrico Tartagni. I suoi versi mordicchiano, vezzeggiano e sfiorano il lettore che impercettibilmente si perde nel medesimo sogno.

Bentornato.

enrico tartagni

 

 

In morte d'un amico

Una poesia in memoria di un amico non più tra noi. La densità emotiva sovrasta e incide il verso. Un arrivederci e non un addio definitivo, il poeta si congeda con la speranza di ritrovarlo per i viali illuminati dell’Eden, dove faranno conversazione.

Armando Bettozzi

 

 

La verde porta

Portali verso mondi superiori, queste chiome verdi che ripagano poeta e lettore. Un universo abilmente descritto in cui le Parche si rigenerano e con loro la qualità umana.  Uno scenario che promette ristoro e cura.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

Orme nel bosco

Guglielmo Aprile   

 

 

Foglie secche

Amore intrecciato all’autunno e alla partenza delle foglie secche. Una allegoria sentimentale con toni malinconici dentro la perfetta scenografia autunnale.

Piacentino Alessandra

 

 

Benvenuto autunno amante sposo amico

Un letargo autunnale e indulgente che è propenso al divulgare colori e sentori di bosco. Versi come pitture in cui immergersi e lo spazio temporale si apre ai libri, al crogiolo dentro una biblioteca, un ozio aristocratico e gentile che contagia di buonumore e sincera ricchezza della terra.

Franco Fronzoli

 

 

Hassan Nasrallah

Un richiamo alla pace in Oriente, al compromesso e alla mobilità generale. I razzi sopra i cieli d’Israele che parlano solo di morte e di ingiustizia non sono opera di Dio ma della violenza umana. Carlo Chionne inneggia col suo grido poetico alla Pace!

Carlo Chionne

 

 

Imperituro

Un romanticismo trascinate e una chimera vorticosa che dura il battito di ciglia. Trascinante questa danza pensosa in cui il poeta rincorre e si lascia sedurre. Un nuovo e maturo (poeticamente) Alessio parla con il cuore attraverso i versi e sposa la sua causa, quella di non dare vittoria al passato.

Alessio Romanini

 

 

L'azione e il verbo

Una dualità di forze ed energie che partono dalla giovinezza col rincaro del tempo, le stesse cambiano e muta anche il sentimento. Una matura consapevolezza usa il materiale umano che resta per una forza poetica che non è povera, anzi è completa ed è franca. Questo è il messaggio della poesia, dire con modestia della vera forza di chi la crea.

 

Da Il peso dell'anima

Roberto Soldà

 

 

Ho raccolto una conchiglia...

Mare coi suoi illimitati confini si avvicina al nostro occhio coi versi dell’ottima Antonia la quale, percependone la vastità ne risalta forma, colore e intensità di forza la stessa con cui ammalia gli occhi umani.

Antonia Scaligine

 

 

Stupore

Un affresco luminoso che percorre la via dello stupore per ogni miracolo che ci regala la vita. Spinta da queste belle immagini, la poetessa Sandra Greggio regala momenti che suggeriscono coraggio al lettore, chiedendogli solo di abbandonarsi alle cose belle di questa mera esistenza col suggerimento di stupirsi.

Sandra Greggio

 

 

"Tra cielo e terra"

Tra terra e cielo a cercare scampo con la poesia al male umano e a quello che peggio mostra di sé alla natura. Una poesia sincera e forte di emozioni il cui peso resta nel cuore inabilitato a lottare da solo contro i diavoli e cui resta solo alzare gli occhi verso l’azzurro come una preghiera di speranza verso l’Ineffabile.

 

26settembre24

Ben Tartamo

 

 

Solo tu

Una carezza poetica intensa ed affettuosa del  bravo Ciro Seccia che rivolge alla madre il suo pensiero d’amore puro e prega perché lei, lassù, sia sempre a sostenerlo. Poesia delicata in cui la commozione è così sincera da abbracciare persino il lettore.

 

(A Jolanda...mia Madre)

 

29/9/24

Ciro Seccia

 

 

Il sorpasso

(febbraio 2014 Governo Renzi)

 

La satira che coinvolge un noto “clown arrangione della politica” durante il cui regno  la gente intasata da tasse lo ammirava mentre dimostrava al mondo il suo stato di “shock” davanti al Covid 19. Uomo che ha ben pettinato e unto Le Corti di Giustizia per dei problemini di famiglia in cui lui stesso coinvolto, oggi come ieri il suo nome risalta nell’entourage politico dell’Italia moderna. Piero Colonna Romano, illustra questo villano e la sua postura democratica che rende ancora più imbecilli i cittadini che lo hanno votato.

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

Ringrazio l'uomo che ha reso tutto questo possibile, il Magister Lorenzo. Ringrazio Piero Romano Colonna per il pilastro della dottrina che è fondamento del sito, cui auguro di rientrare presto con nuove vigorose forze. Era un grande tributo alla conoscenza, leggere le sue opinioni in materia poetica. Ringrazio tutti voi per le bellissime letture che mi rendono più forte e sempre più convinta che la bellezza non sta in un lavoro o in una poesia o in una sola persona, ma nell'idea che ci unisce. Siate operosi come le api.

 

Miu

Per i sitani e prima dei commenti:

 

La circumnavigazione dell’amore con l’ipersensibilità poetica.

A lieta fonte (Tempio Azzurro) trovare l’innesco gioioso della saga artistica cui tutti qui siamo partecipi. Da intendersi l’amore per la Poesia e l’arte poetica. L’inclinazione umana alla forgia di un bello etereo e perfetto. L’esigenza di esprimere questa forza prepotente è parte di quell’immaginario che converte i sogni in idee e le idee in scritti. Non esistono poeti o poemi scadenti, ma solo un viaggio verso quella piccola strana luce che anima l’artista, il quale non ha esigenza di toccarla ma soltanto di sapere che la sua luminescenza si protrarrà anche dopo la sua vita. L’unico ostacolo alla conferma di quanto sopra, può essere solo l’aberrante alienazione di una mente che s’oppone alla propria crescita e a quella dei propri sogni. Generare questo tesoro per quanto possa sembrare facile o accessibile, è sempre frutto di un parto. I libri, gli scritti, i poemi, sono bambini che crescono non in altezza o in età ma nelle menti di chi li legge e non hanno spessore, forma, profumo, odore, colore, peso ma una impercettibile forza elettrica che attraversa i viventi per diventare parte di questi. Scrivere è un atto di coraggio. Condividere è un atto di coraggio. L’amore ci rende un unico essere, ancora in grado di crescere, ancora piccolo rispetto al cosmo in cui dobbiamo avere fiducia.

In questi momenti della storia della letteratura italiana ancora catturata dalla gravità dell’Ancien Régime dobbiamo mostrare la nostra resilienza. Obiettivamente nessun erede di questo monopolio potrebbe non lasciare che la bellezza oltrepassi i confini. Scriviamo per vivere o viviamo per scrivere? Non regaliamo la nostra dignità artistica a nessuno. Stare dieci minuti su un giornale vale meno che stare nel cuore di un lettore che si è appassionato al tuo scrivere. Oggi non abbiamo movimenti letterari che possano sostenere le nostre spalle o siano pavimenti per i nostri passi nelle nebbie pretoriane delle pubblicazioni, ma l’umiltà ci insegna che essere grandi significa farsi piccoli in un mondo gonfio di mode. Nel nostro Tempio Azzurro niente mode, niente bolle che esplodono ma solo bella, terribilmente bella poesia. Continuate a creare, a credere nelle vostre capacità che devono avere il tempo di crescere lungo il proprio viaggio chiamato esistenza.

Ogni opera creata da uno scrittore ha merito e premio di essere letta e come dico sempre nei miei libri, di tutti i versi, di tutte le poesie mai scritte la più bella poesia sei Tu.

 

J.Miu

 

 

Narcisista del mio vecchio cuore

Una vulnerabilità contagiosa che ci trascina nelle notti dense di stelle e comete. E’ un assorbire tacito della natura che consente poi l’elevazione dell’immaginario.

La poetessa zittisce il cuore che assieme allo stellato, hanno tanto da raccontarci.

Piacentino Alessandra

 

 

Scende da un pendio breve

Nel ricordo di un amore perduto, fioriscono I bei versi di Franco Fronzoli che hanno un peso sul cuore del lettore. E’ il peso della bellezza dei girasoli, della danza del vento e di quella promessa amorosa rimasta eterea.

Il dolore non vince sull’energia creativa che rende quasi palpabile la natura che circonda l’evento.

 

nel ricordo di un tramonto

     baciato da un raggio

                di luna

 

Franco Fronzoli

 

 

Haiku

Piccola e delicata pennellata preautunnale. Un romantico gioco tra stagione a finire e stagione entrante (autunno) in cui il fiore è ancora protagonista potente.

Bruno Amore [br1]

 

 

"Le 6 di mattina"

Tra utopia e chimera, la battaglia poetica di Cristiano Berni che si arma ogni mattina di buoni propositi sicuro che altri fatti della giornata potrebbero “inquinarli”. La volontà di credere nella prima innocenza di cui da adulti ci separiamo, lo porta a duellare con questa doppia identità che assume la sua vita, mattina e sera.

Cristiano Berni

 

 

Vikinghi

(ispirandomi alla raccapricciante notizia del gatto torturato nel gennaio 2024)

 

Bravate macabre e personaggi che faranno storia solo per le vigliaccate commesse. Una notizia triste che diventa poesia e quindi condanna.

 

14.1.24

Felice Serino

 

 

Katauta

Un gioco dell’immaginario che genera gioia creativa e questo nel nome dell’amore.

Laura Lapietra ©

 

 

Patto antico

Davanti alla maestà dell’albera cade ogni maschera umana.

Dialogo tra un pioppo che potrebbe raccontare la storia e la fragilità dell’uomo e poeta che lo ammira. Guglielmo Aprile estende questa mirabile vocazione e la condivide con grande indiscussa umanità.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

La via degli eremiti

Guglielmo Aprile   

 

 

Extracom

Anime in fuga per una vita migliore, sono l’argomento di Piero Colonna Romano che descrive con forte sentimento la tragedia che li aspetta sul fondo del mare. La consapevolezza che poteva essere fatto qualcosa ci rende colpevoli di queste carneficine. Il poeta denuncia con amarezza e durezza la cecità del mondo che guarda con curiosità alle anime disperate e smette di piangere appena cancellate dal Destino.

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

Vita solitaria

La cura della natura per un uomo che cerca nutrimento in mezzo a un mondo smarrito e mi viene in mente la scena (anche dalla lettura della biografia) di Einstein che cercava nutrimento e serenità nella natura che col suo culto di purezza assoluta, teneva lontane le anime agitate. La contemplazione dovutamente forzata, diventa un viaggio ricorrente per la brillante creatività di Carlo che s’innesca solo in mezzo a salutari emozioni e come dargli torto…

Carlo Chionne

 

 

Nel cuor della fonte

 Un percorso creativo e umano che trova godimento nella virtù. Percorso non facile né per l’uomo e nemmeno per il poeta che deve dimenticare le fatiche dello spirito e il bagagli mortali che spesso lo affliggono. Lete riformula la resilienza del cuore di Alessio Romanini che ne esce vittorioso.

Alessio Romanini

 

 

Sul marciapiede

Una bellissima riverenza alla vita che mostra la sua bellezza anche tra le crepe di un marciapiedi e un’istantanea per dare vita a una bottiglia di plastica adagiata a terra come testimone del mondo di oggi. Una fotografia impressionante, limpida, dolce e dolorosa allo stesso tempo.

 

Da Il peso dell'anima

Roberto Soldà

 

 

Il ricordo

Ricordi che affliggono l’animo di questa sensibile poetessa che non cancella il quadro quasi doloroso della memoria passata. Fa parte di una scelta l’età, decidere di essere vecchi o decidere di essere saggi. L’immortalità resta nelle mani e nell’inchiostro con cui scrive questa poesia.

Antonia Scaligine

 

 

Quella voce

Una potenza divina che deve rispondere alla chiamata della poetessa Sandra Greggio. Un credo che resiste e persiste. un bisogno impellente di nuova energia.

 

17 Aprile 2021

Sandra Greggio

 

Ringrazio l'uomo che ha reso tutto questo possibile, il Magister Lorenzo. Ringrazio Piero Romano Colonna per il pilastro della dottrina che è fondamento del sito. Ringrazio tutti voi per le bellissime letture che mi rendono più forte e sempre più convinta che la bellezza non sta in un lavoro o in una poesia o in una sola persona, ma nell'idea che ci unisce. Siate operosi come api.

Miu

Per i sitani e prima dei commenti:

La mia riflessione riguarda la Poesia. Ho delle opinioni sull’evoluzione (anche tecnologica della cinematografia, della sceneggiatura e persino dei romanzi ma la poesia può sostenere tale evoluzione?

La sua è una marcia lenta, innata è dovuta al fatto che deve dare tempo alle emozioni nel lettore di svilupparsi. Il tempo poetico non è pari al tempo del romanzo, ha un cuore proprio con aritmie uniche e particolari che si differenziano da poeta a poeta. Ci saranno ancorai sognatori tra 999 anni? Cosa accadrà secondo voi in questo Nuovo Millennio alla sua arte? Chi la influenzerà maggiormente?  

P.S. Manca Enrico Tartagni, chi l’ha visto? Enrico spero tu ritorni a scrivere…

Miu

 

 

Dono degli alberi

Amici fedele e umili, gli alberi che investiti dal sole, diventano monarchi assoluti di una natura benevola. Guglielmo Aprile vive in questa simbiosi alfabetizzata da linfe possenti e sovrane su tutta la vita che circonda l’uomo.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

La via degli eremiti

Guglielmo Aprile   

 

 

Emozioni negli scontrini

La brava poetessa Piacentino ci offre un cuore a batteria sostenibile che passa attraverso i veri stadi del dolore amoroso, delle emozioni spicciole e scontate che portano a un finale alternativo, il ricordo dell’ultimo amore ancora presente nell’essenza umana della scrittrice.

Piacentino Alessandra

 

 

Perdersi

 

Perdiamoci per poi ritrovarci. Bello questo sfondo poetico, dove pennellate sensibili ci mostrano la benevolenza dell’allontanamento come punto di inizio di qualunque storia. Il viaggio è la cosa più preziosa e le sue avventure ci esaltano ogni volta che recuperiamo un buon sentimento.

… immutabilmente

Franco Fronzoli

 

 

Sui binari del tempo

il tempo frena

le acrobazie degli anni

verso gli ultimi passi

Plausi a questo ottimo poeta che non rende la vita un miracolo ma che miracolosamente la sostiene passo dopo passo e la colora per come è. Versi forti e incisivi che si sottraggono all’agonia della fine, lasciandoci anca sognare un poco di quello che rimane del mistero oltre la vita.

Giuseppe Stracuzzi

 

 

"Il giocatore"

Io esisto nell’azzardo, dichiara poeticamente Cristiano Berni che influenzato da un’ora “infame” e una febbrile spinta al coraggio di arrivare ai propri limiti ed oltre, sfiderà “poeticamente o umanamente” anche la diabolica morte. Instancabile acrobata e protagonista della propria esistenza.

Cristiano Berni

 

 

Dove vegliano angeli

 

Un concentrato del concetto di Ineffabile in cui tutto è bellezza, diventa bellezza o ritorna bellezza. Sintetico e radio sincronizzato con l’Eden. Un concetto fisso dantesco della chiara sfera universale che ha nel suo nucleo “ciò che ogni cosa comanda”.

 

8.1.24

Felice Serino

 

 

Battito...

Il tempo di un battito

Deliziosa cantilena che rivertrebra il tempo dandogli speranza e quell’approccio alla gioia che resta deliziosamente velato. Brava l’autrice in questi versi di chiusura.

Cercando lontano,

quel che hai vicino.

Flora Fazzari

 

 

… e il fiume va…

Pioppi ed inquietudine ma non una inquietudine qualunque, una ottusa che deriva dal frenetico provare qualcosa di cui non si sa nulla che sorvegliano un fiume denso del peso delle pene che porta al mare. La magia dell’ineffabile non è per il limpido Nino Silenzi che è reale quanto la forza con cui descrive le amare pene, pene commisurate alle virtù cercate o virtù acquisite e rimaste a fare da bilanciere nella vita. Nereidi nel mare dell’esistenza, chimere e malinconie di ogni natura. L’ultimo banchetto è una festa per un solo invitato, mentre il fiume scorre con le pene d’altri. V’è una metamorfosi con l’atmosfera e il peso elegante di chi è già stato sul palcoscenico della vita e sa, anche uscire senza il servizio degli applausi, come un uomo qualunque in cui ha soggiornato per un po’ la grande arte di Poesia.

Da Le strade della vita

Nino Silenzi

 

 

Were Time to Hold Us Prisoners

Un’altra delizia per I palati universalmente formati dei nostri sitani che oramai conoscono le doti di “prodo talent Scout” di Nino Muzzi che ringrazio per ogni scelta che porta sul sito. Attivista indiana e molto prolifica Meena K. offre una sorta di sortilegio nuovo millennio per le menti che non reincarnano più la fisionomia della bellezza sentimentale.

Meena Kandasamy  

Traduzione di

Nino Muzzi

 

 

Quando

Una traccia dell’evoluzione voluta e non voluta. Una trasformazione che ci mette davanti allo specchio nudi e carichi delle nostre battaglie e nostalgie passate. La ottima Sandra Greggio coraggiosamente apre una valigia in cui chiude tutto: presente, passato e futuro, rifiutandosi di soccombere al dolore.

18 dicembre 2022

Sandra Greggio

 
 

H i b a

(dono di Dio)

 

Una danza gloriosa quella del sapere che parte da questo fiore di titolo Hiba e ci illumina, come solo Piero Colonna Romano sa fare, ci illumina nella carne con profezie di speranza.

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

La Penna

Uno scritto per lasciare traccia di sé e che arma la penna di tutti gli stati d’animo del poeta Ciro Seccia. Nulla di divino, solo un uomo coi propri stati d’animo che si manifestano in parola e questi stati sono inarrestabili.  

 

21/09/24

Ciro Seccia

 

 

"Ciò ch'è silenzio"

Molto musicale e romantica questa poesia sfornata per dare speranza alle iniziative della natura che libere dall’influenza umana, possono ancora incantare. Una natura vista come un’arnia di piccoli miracoli che ci circondano ogni giorno, cui non prestiamo molta attenzione ma che ci influenzano direttamente o indirettamente la vita. Un dono solare da un artista carico di umanità.

 

21settembre24

Ben Tartamo

 

 

La nostra vita

una considerazione esistenziale che prende forma di ciò che effettivamente è: un viaggio. Riflessione profonda che l’amabile Carlo Chionne dipinge con maestria e v’è il vantaggio dell’ultimo dono, una specie di cerchio, dove tutto quello che finisce poi riparte nuovamente.

… una speranza di rinascita, tra partenze e arrivi e morti che vanno per fare restare i vivi.

Carlo Chionne

 

 

Nenia di settembre

Un profumoso autunno carico di colori e vibrante melodia che asseconda questo stato meditativo del nostro poeta Alessio Romanini che diventa sempre più incisivo e sintetico. Bravo.

Alessio Romanini

 

Ringrazio l'uomo che ha reso tutto questo possibile, il Magister Lorenzo. Ringrazio Piero Romano Colonna per il pilastro della dottrina che è fondamento del sito. Ringrazio tutti voi per le bellissime letture che mi rendono più forte e sempre più convinta che la bellezza non sta in un lavoro o in una poesia o in una sola persona, ma nell'idea che ci unisce. Siate laboriosi come api.

Miu

L’intelletto che ci guida

proiettati all’altra sponda

prende luce dal progetto

che conduce il gran cammino

dell’umano a Tuo cospetto

.

 Una grande profonda poesia costruita sulla fede e sul messaggio poetico che la forza di questi versi trasmette. La natura biblica di questa Voce e l’espatrio dell’anima, sono presi in esame dalla penna di Giuseppe Stracuzzi che sfiora l’argomento del “gran cammino dell’umano a Tuo cospetto”. L’Oltre su cui quasi tutte le menti poetiche indagano usando come mezzo la letteratura.

Giuseppe Stracuzzi

 

 

L’estate va via

L’estate che segna il passaggio della vita umana ma anche momento di facoltose energie e di luminose giornate. Un saluto poetico alla stagione che ferisce con le sue afe, che prende gli occhi con i “cieli d’acciaio” ma che l’ottimo Renzo Montagnoli, attende si ripresenti col suo tripudio di sogni a occhi aperti.

 

Da Lungo il cammino

Renzo Montagnoli

 

 

L'animula

molto ermetica e molto enigmatica – la piccola anima abbandonata di un cane probabilmente che bestie umane abbandonano senza rimorso …

splendida che consuma ed erode ma solo quelli che un’anima ce l’hanno

 

1.1.24

Felice Serino

 

 

Il tuo sorriso

Un canto d’amore paterno, che si trasmette ai figli e ai nipoti. Una promessa poetica ed anche più forte, una promessa umana.

Solo gioia emana questa poesia.

Bruno Castelletti

 

 

[mi avvicino irrequieta ai miei oggetti]

L’acchiappa talenti per antonomasia, Nino Muzzi che ringrazio per la ricerca, il tempo e la fatica di decifrare lavori come questi, ci offre questo stuzzichino poetico. Questa pluripremiata poetessa tedesca, ha già un suo filone letterario che muove un realismo monolitico nella direzione del dinamismo umano senza influenza emotiva. E’ una distonia letteraria che spinge valanga nella lettura e si contrae nel nostro essere alla ricerca di uno spazio, dove sia digerita, capita e resa propria. Plausi a Muzzi.

Saskia Warzecha    Traduzione di Nino Muzzi

 

 

"E che lo dico a fare"

L’amore non riceve premi ma è un continuo dono che non rende povero chi se ne priva. Poetica concentrata sulla fede e sulla speranza che offre una bandiera di speranza all’Umanità imberstialità.

È tutto qui l'Amore,

domanda con risposta:

da un cuore all'altro cuore,

un dono senza sosta!

 

12settembre24

Ben Tartamo

 

 

A Lei

Poesia d’amore che indugia sulla corposità della poetica e indaga la passione dal punto di vista dello scrittore. Una carezza visiva per il lettore.

Alessio Romanini

 

 

Piccolo ma immenso

L’infinito in una goccia di rugiada e l’amore per l’uomo d ella propria vita, un matrimonio poetico perfetto, organizzato dalla maestria di Sandra Greggio e dal suo cuore pulsante che infiamma di gioia per la vita.

Sandra Greggio

 

 

Che meravigliosa bellezza è il Creato !

La bellezza del creato è un tributo alla natura e alle sue creature, nato dalla natura gioiosa di questa mirabile scrittrice che condivide il suo entusiasmo ed i colori dei suoi versi senza difficoltà. E’ un simposio di bellezza creativa.

Antonia Scaligine

 
 

Avanspettacolo

(Governo Letta. Parlamento della Repubblica, 2 ottobre 2013)

 

L’indagine politica e la telecronaca sarcastica diretta abilmente del nostro magistrale poeta Piero Colonna Romano che narra della natura della “Bestia” nel governo del 2013 e del conglomerato servile .

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

Ringrazio e saluto in primis il nostro Magister Lorenzo, Ospite e Filantropo del Tempio Azzurro. Ringrazio Piero Colonna Romano per essere uno dei grandi pilastri di questa Arca Poetica. E’ un onore e un privilegio leggervi, ospiti, scrittori e promesse della letteratura. Siate laboriosi come le api.

Miu

Nell'angolo del cuore

Viaggio a occhi aperti senza forma umana e oltre tutti i confini, è questo il lavoro del poeta. Arrivare con l’immaginario, oltre il cosmo e con un tocco di magia, potere persino vedere il Paradiso. Eccellente compagno di viaggio il nostro Bruno Castelletti.

Bruno Castelletti

 

 

haiku

Un inno all’autunno con ricchezze stagionali e romantica malinconia.

Laura Lapietra ©

 

 

Gli uccelli di passo

I borghesi oramai estinti ma ancora cantanti dalle storie di Georges. Sempre intellettualmente stimolante la scelta del nostro straordinario cacciatore di talenti – Nino Muzzi e alle sue traduzioni che non lasciano nulla al caso. Complimenti e grazie Nino.

Georges Brassens   Traduzione di Nino Muzzi

 

La sapienza dell’albero

Figure vegetali dello zodiaco, ricche metafore e acquarelli con maestria dipinti da Guglielmo Aprile. Il mondo vegetale vissuto e interpretato da un attento osservatore poetico.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

Un albero mi ha parlato

Guglielmo Aprile   

 

 

Il cagnolino e bambini in fuga.

Un canto di pace contro la violenza prepotente e inarrestabile. Un grido contro i potenti che ignorano le stragi di innocenti. Il vero cambiamento è tagliare radicalmente l’albero marcio oramai le trattative salvano solo i politici non i bambini usati come obiettivi. Radicale e cruda la descrizione lirica del mondo a Gaza e non solo. Chi guadagna da ste guerre?

Fausto Beretta

 

 

Un tuffo nel sole di primo mattino

Senso della vita e risvegli del sole, e nella centrifuga luminosa i respiri giornalieri. L’autrice ricama sapientemente le angosce umane, i dubbi e le incertezze con i fili della speranza mattutina, quando il sole si alza e sembra darci qualche piccolo potere.

Antonietta Ursitti

 

 

Lacrime oggi

Un pensiero e preghiera ai cari nonni della poetessa Piacentino Alessandra. Abbracci di instancabile fede e augurio di vederli ballare in Eden come sempre hanno fatto quando erano vivi.

- tratto da “raccolta i giri delle bambole”

Piacentino Alessandra

 

 

Avrei voluto …

Un regalo d’amore fatto di prati e di fiori fatti di pura poesia. Un percorso romantico con pennellate colorate. Leggera e vivace come gli abbracci primaverili e quei baci o quei sorrisi che Franco Fronzoli non è mai avaro di donare.

Franco Fronzoli

 

 

Nel nonsense di onirici pensieri

Ermetica nella sua ectoplasmatica forma con tanta di fuga romantica all’alba. Vie oniriche verso l’Eden?

15.12.23

Felice Serino

 

 

Mancanza

Nell’ora di preghiera, in mezzo ad altri fedeli l’autrice rivela la propria debolezza e la regala con affettuose lacrime a chi non c’è più.

 

8 gennaio 2023

Sandra Greggio

 

 

Sergio Tofano docet

(governo Monti : novembre 2011)

 

Mi sembra ieri – ma oggi nuovo profeta nuova democrazia e Piero quello che vedeva ben tredici anni fa, visione chiara e completa di coordinate geografiche e umane, vede oggi. Passati i Bocconiani con l’assegno pronto all’incasso, dictat dei CasaPound con tanto di cani, carciofi e putt..ne.

Dante sembra che parli dell'Italia di oggi: dice che solo i mediocri fanno politica, che i governi cambiano di continuo e che una legge decisa ad ottobre non arriva a novembre.

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

Proibito pensare

L’avanzata dell’intelligenza artificiale e lo stereotipo di masse incollate assenzienti davanti schermi e schemi. Il mondo non rallenta, la gente cercando di facilitarsi la vita, dichiara l’autrice Giusi Falleroni, se la rovina. Come? Con macchine che fanno cose al posto nostro e pensano al posto nuovo, obiettivamente noi a che serviamo? A scrivere poemi ispirati da ogni cosa che ancora la macchina non riconosce come esperienza di vita sensoriale, come questa lirica che mostra il quadro moderno del futuro.

 

Tratto da: -"Le gravi-danze isteriche"

Giusi Falleroni

 

 

"Del respiro dei sogni"`

Nella culla dei sogni l’abbraccio d’amore… ed è con passo ovattato che Ben Tartamo apre le finestre a quei cieli cobalto che già da soli sono una meraviglia per gli occhi e per la mente che li immagina.

21agosto24

Ben Tartamo

 

 

Sono vento e mare

Bellissimo titolo per una poesia in cui si stente un poco lo smarrimento emotivo e la forma definitiva dell’uomo che vuole essere del mare e del vento.

Alessio Romanini

 

 

Saluto e ringrazio in primis il nostro Magister Lorenzo che mi ospita nel Tempio Azzurro; Piero Colonna Romano che ci commenta ed è il dotto pilastro del sito, naturalmente commentatori e sitani che rendono possibile tutto questo. E’ un onore stare in mezzo a voi tutti.

Miu

Quante volte

(disturbo ossessivo)

 

Scrivere per non soccombere in un ambiente dove l’uomo è “fuori posto”. Poemi che lasciano interrogativi e sublimano la poesia ecco cosa sono gli scritti di Felice Serino. Mi intenerisce “la chiamata” come disturbo ossessivo che è così prioritario da incidere nel presente e nel futuro di ciò che è l’uomo.

10.12.23

Felice Serino

 

 

Speranza

La natura lo specchio in cui specchiandosi il poeta ritrova l’immortalità e per quella sua funzione rigenerativa che la natura diventa medico e cura per se stessa e per i mali che le produciamo. Bruno è consapevole di un legame inscindibile e se ne serve per scrivere ottima poesia.

Bruno Castelletti

 

 

Oh Mio Girasole

Un fiore oro che compone e irradia vita. Ona lirica entusiasta e positiva in cui la poetessa si ricarica di energie e le codivide.

Laura Lapietra ©

 

 

Baciali tutti

Un altro prezioso dono del nostro leggendario ed appassionante Nino Muzzi. Le liriche che sceglie per noi sono nuove vie d’ascolto della poetica, come questa bella lirica, canzone di Georges Brassens.

Georges Brassens   Traduzione di Nino Muzzi

 

 

Pensieri su di un mandorlo - Insegnamento del salice

Mandorli, salici, dive olimpiche e poetica di spessore che sposa la naturalezza e sviluppa un aspetto divinatorio per queste linfe maestose quasi arroganti. La semplicità oratoria rende le immagini nitide e l’enfasi lirica, quasi un canto.

 

Da Quando gli alberi erano miei fratelli.

Un albero mi ha parlato

Guglielmo Aprile   

 

 

Ultimo bacio sotto la pioggia

Poema intenso e ricco di immagini. La poetessa cerca scampo dalla malinconia e si crea con questa ben riuscita lirica, la propria trasparente bolla di sapone.

Piacentino Alessandra

 

 

Lentamente …

Definirei fanciullino questo poeta carico di buoni insegnamenti e di leggerezza negli scritti. La morale è un inno all’umanità che tutti dovremmo sapere cantare.

Franco Fronzoli

 

 

L'afflato dell'amicizia

Il legame consolatorio e indivisibile dell’amicizia. Uno scritto che dona pace all’animo artistico del poeta che offre al lettore un sentimento dalla purezza del giglio e dopo aver letto la lirica … resta il suo profumo.

Alessio Romanini

 

 

Lo stratagemma

Un aiuto celestiale per continuare a vivere contando solo sulle proprie forze. Coraggiosa come sempre l’autrice Sandra Greggio non demorde e combatte con l’aiuto dell’illuminazione, la stessa che probabilmente aveva aiutato Einstein a scoprire la Teoria della relatività. La fede non ha bisogno di ali materiali per farci decollare, ma Sandra Greggio ha riesce a farsele costruire e innestare, tanto che condivide con noi questo miracolo.

 

8 febbraio 2023

Sandra Greggio

 

 

L’estate se ne va …

Un canto, una metafora, la bellezza che resta nonostante l’estate vada via e questo senso che non vuole abbandonarci, di ricchi ricordi, di memorie sbarazzine e di profumi che rendono intensa la vita.

Antonia Scaligine

 

 

Ho dato tutto.

 

Il premio che ci si aspetterebbe dal dare gratuito è “il grazie” che al poeta non viene donato anzi lo si indica come “egoista”. Scrivere questa lirica perché è triste della mancanza di valore che si dà ai nostri gesti.

Seccia Ciro

 

 

Così iniziò la storia della nuova Repubblica Italiana:

 

Splendeva il sole… la poesia quando grida libertà e giustizia, resta solo poesia. I fatti vengono nascosti sotto gli occhi dell’ignorante che si alimenta con ciò che gli si propina di più facile… per non fare pensare troppo il popolo ai veri fatti del Paese. La nobiltà con cui ce la racconta (la storia) Piero Colonna Romano non lascia solo riflettere, fa arrabbiare, ma letteralmente nutre i brividi di sdegno verso chi ancora e da sempre tace pur di dirsi italiano. A mio modesto parere…

 

Da …Intricati Pensieri…, Nelle nebbie

Piero Colonna Romano

 

 

Saluto e ringrazio in primis il nostro Magister Lorenzo che ci premia e ci onora con il soggiorno nel Tempio Azzurro. Ringrazio Piero Colonna Romano per essere un pilastro di questa olimpica arena di Poeti e ogni commentatore del sito. Grazie a tutti gli autori presenti sul sito perché rendono possibile tutto questo. Siate laboriosi come le api.

Miu

"Er cocommero e er cocommeraro" di Armando Bettozzi

Armando Bettozzi, con la sua vibrante poesia "Er cocommero e er cocommeraro", ci trasporta in un mondo di semplici piaceri estivi e di tradizioni radicate. L'immagine del cocomero, simbolo di freschezza e abbondanza, diventa un'ode alla vita quotidiana e alla gioia di vivere. La lingua vernacolare romana, con la sua musicalità e immediatezza, conferisce al testo una vivacità che è impossibile ignorare.

In questa celebrazione del frutto estivo per eccellenza, Bettozzi ci invita a immergerci in un'esperienza sensoriale totale: dal rosso brillante della polpa al dolce succo che scorre lungo il mento. La poesia, con i suoi versi ritmati e gioiosi, riesce a trasmettere non solo il piacere fisico di gustare il cocomero, ma anche il senso di comunità e tradizione che esso porta con sé.

Il cocomero diventa, nelle mani del poeta, un simbolo di benessere e felicità condivisa, un momento di pausa e godimento in mezzo alla frenesia quotidiana. Bettozzi ci ricorda che, nonostante le complessità della vita moderna, esistono ancora semplici piaceri che possono portare gioia e connessione. La poesia, con la sua struttura apparentemente semplice, nasconde una profondità emotiva che risuona con chiunque abbia mai trovato conforto nei piccoli piaceri della vita.

"Lungo la passeggiata" di Salvatore Armando Santoro

"Lungo la passeggiata" di Salvatore Armando Santoro è un sonetto che esplora le fragilità e le incomprensioni dell'amore. Il poeta ci conduce lungo una passeggiata fisica e metaforica, dove la ricerca dell'amata diventa una riflessione sull'inevitabile disillusione che spesso accompagna i sentimenti non corrisposti. L'atmosfera è malinconica, e l'uso della prima persona conferisce al testo un'intimità toccante.

Il sonetto si apre con una scena di solitudine e rammarico, il poeta seduto a osservare la folla, riflettendo sulla sua incapacità di trovare la persona amata. La sua età avanzata e l'incompatibilità dei sentimenti emergono come barriere insormontabili, creando un quadro di struggente rassegnazione. Santoro utilizza il tema della traduzione come metafora per le difficoltà comunicative in amore, suggerendo che anche le migliori intenzioni possono essere fraintese.

L'uso di Google Translate come elemento narrativo è particolarmente significativo: un simbolo moderno di comunicazione che, paradossalmente, accentua le distanze anziché colmarle. La poesia ci parla della complessità dei sentimenti e del desiderio di connessione in un mondo sempre più mediato dalla tecnologia, dove l'autenticità dei sentimenti può facilmente perdersi nella traduzione.

La chiusa del sonetto, con l'ammissione che le premure del poeta possano aver soffocato l'entusiasmo dell'amata, aggiunge un ulteriore strato di introspezione psicologica. Il poeta riconosce la propria vulnerabilità e le proprie mancanze, offrendo al lettore una riflessione sincera e profonda sulla natura dell'amore non corrisposto. La poesia di Santoro, con il suo tono pacato e riflessivo, diventa così un inno alla perseveranza emotiva e alla dignità del sentimento umano.

"Fatti siamo di parole" di Fausto Beretta

Fausto Beretta, nella sua poesia "Fatti siamo di parole", esplora la natura essenziale del linguaggio umano e la sua profonda influenza sulla nostra esistenza. Con una prosa poetica densa e riflessiva, Beretta ci invita a considerare le parole come gli elementi costitutivi della nostra identità e delle nostre relazioni.

L'autore inizia con un'affermazione che è sia semplice che universale: siamo fatti di parole. Questa dichiarazione introduce un'esplorazione del bisogno intrinseco che abbiamo di essere riconosciuti e valorizzati attraverso il linguaggio. Le parole amiche, che confermano la nostra esistenza e valore, sono presentate come un'ancora di salvezza in un mondo spesso ostile e pieno di brutture.

 

Beretta non si ferma alla consolazione del linguaggio positivo; riconosce anche il ruolo cruciale delle parole dure, quelle che ci sfidano e ci spingono a confrontarci con le verità scomode su noi stessi. Queste parole, pur portando dolore, sono necessarie per la crescita personale e per la conoscenza del nostro io più profondo.

Il ritmo della poesia è volutamente cadenzato, quasi a rispecchiare il flusso incessante delle parole nella nostra vita quotidiana. Le parole sono descritte come compagne di viaggio, rendendo il percorso della vita più lieve e significativo.

Beretta ci invita a riflettere su come le parole, se piene di significato, possano essere strumenti di connessione e crescita, mentre, se vuote, perdono la loro potenza. La poesia si chiude con un'ode alle parole vere e amiche, che rendono il viaggio della vita non solo sopportabile, ma anche gioioso.

"Un quadro senza tempo di un piccolo gelsomino abbandonato" di Piacentino Alessandra

In "Un quadro senza tempo di un piccolo gelsomino abbandonato", Piacentino Alessandra dipinge un'immagine di struggente bellezza e malinconia. La poesia, con la sua struttura frammentata e il suo linguaggio evocativo, ci trasporta in un paesaggio emotivo dove il tempo sembra sospeso e ogni momento è carico di significato.

Il gelsomino abbandonato diventa simbolo di fragilità e transitorietà, un piccolo fiore che rappresenta l'inevitabilità della perdita e della separazione. Il vento, che prima accarezza il corpo assonnato del poeta e poi giace spoglio sulla tomba, suggerisce un ciclo di addio e di continuità, un respiro finale che può essere sia un addio definitivo che un arrivederci.

La poesia è permeata da una dualità emotiva: c'è il vuoto lasciato dalla perdita, un vuoto che può essere tanto digerito quanto vomitato, una sensazione che è al contempo felice e triste, malinconica e profonda. Questa dualità rispecchia la complessità dei sentimenti umani, dove il dolore e la gioia spesso si mescolano in modo indissolubile.

Il saluto finale, "Ciao. Ti dico solo ciao.", è di una semplicità disarmante. È un addio che non cerca di essere grandioso o definitivo, ma che riconosce la triste bellezza dell'effimero.

Piacentino Alessandra ci offre una riflessione intensa sulla natura della perdita e sulla capacità del ricordo di essere contemporaneamente una fonte di conforto e di dolore. La sua poesia è un invito a contemplare la bellezza del momento presente, sapendo che ogni attimo è destinato a passare, lasciando dietro di sé un'eco di memoria e sentimento.

"Diamo spazio ai sogni alla musica" di Franco Fronzoli

Franco Fronzoli, con la sua lirica "Diamo spazio ai sogni alla musica", ci offre una delicata meditazione sulla bellezza della vita e sull'importanza di preservare i momenti di pura emozione. La struttura della poesia, con i suoi versi liberi e la disposizione spaziale che crea un ritmo visivo oltre che sonoro, invita il lettore a fermarsi e a contemplare la semplicità del mondo naturale e dei sentimenti umani.

Fronzoli ci esorta a dare spazio ai sogni, alla musica, all'amore, permettendo agli elementi naturali come il vento, la pioggia, e le onde del mare di accompagnare e trasformare le nostre emozioni. Questo invito a lasciarci andare alle forze della natura è un richiamo alla purezza e all'autenticità dei sentimenti, un ritorno a una condizione primordiale in cui siamo in sintonia con il mondo che ci circonda.

La poesia prosegue celebrando i tramonti, la luce delle stelle, la luna, e persino il freddo e la neve dell'inverno, sottolineando come ogni stagione e ogni elemento abbia il suo spazio e il suo momento di bellezza. Fronzoli ci guida attraverso un viaggio emotivo che culmina nell'attesa della primavera, simbolo di rinascita e speranza, esortandoci a riconoscere e ad accogliere i cicli naturali della vita.

Il messaggio di Fronzoli è chiaro: bisogna fermarsi, ascoltare, sognare e rispettare sia la vita che la morte. La sua poesia è un inno alla pazienza e alla contemplazione, un invito a innaffiare le nostre speranze e a trovare bellezza e significato in ogni momento. La lirica, con la sua dolcezza e profondità, ci ricorda che la vita è un viaggio da cullare con attenzione e rispetto.

"Femmina normale" di Enrico Tartagni

Enrico Tartagni, nella sua poesia "Femmina normale", celebra la bellezza e la forza delle donne in tutte le loro forme e sfaccettature. La sua lirica è un inno alla normalità, alla quotidianità e alla genuinità, esaltando le donne per quello che sono, al di là dei canoni estetici e delle aspettative sociali.

Tartagni dipinge un ritratto delle donne che è al tempo stesso affettuoso e realistico, riconoscendo la loro diversità e unicità. La poesia, con il suo tono leggero e giocoso, abbraccia la varietà delle esperienze femminili: dalle modelle alle lottatrici, dalle sportive alle musiciste, mostrando come ogni donna, indipendentemente dalle sue caratteristiche fisiche o dalle sue passioni, possieda una bellezza intrinseca.

Il poeta celebra il sorriso, il bacio, il profumo e gli occhi limpidi delle donne, elementi che rappresentano l'amore, la dolcezza e la sincerità. Questi dettagli evocativi conferiscono alla poesia una qualità sensoriale, rendendo tangibile la presenza femminile e la sua influenza positiva sulla vita quotidiana.

Tartagni non si ferma alla superficie, ma esplora anche la profondità del carattere femminile. Esorta le donne a essere buone e leali, a difendere se stesse per non diventare serve, un messaggio di empowerment che risuona fortemente. La poesia culmina in un richiamo alla resistenza e alla forza interiore, un tributo alla capacità delle donne di affrontare le difficoltà e di emergere con dignità e grazia.

Con "Femmina normale", Tartagni ci ricorda che la bellezza e il valore di una donna risiedono nella sua autenticità e nella sua capacità di vivere con amore e coraggio. La poesia, con la sua struttura semplice e diretta, riesce a trasmettere un messaggio potente e universale, celebrando le donne per quello che sono e per quello che rappresentano.

"Mare" di Nino Silenzi

Nino Silenzi, con la sua poesia "Mare", ci offre un dipinto lirico e affascinante delle infinite sfumature dell'elemento marino. Il mare diventa protagonista di un racconto sensoriale che coinvolge vista, udito e tatto, trasportando il lettore in un luogo di pace e meraviglia. Il cristallino luccichio delle onde, paragonato a "innumeri adamantini diamanti", cattura immediatamente l'attenzione e incanta con la sua bellezza.

Il poeta evoca un mare che non è solo un fenomeno naturale, ma un essere vivente con respiri e murmuri dolci, capace di spruzzare gioia e serenità sotto l'immenso cielo blu. Silenzi utilizza un linguaggio ricco di immagini poetiche per creare un quadro di pura armonia, dove ogni elemento sembra cooperare per creare un senso di tranquillità e felicità.

Il mare, con il suo fresco contatto, ha il potere di ravvivare i desideri sopiti e di sprigionare emozioni vive, trasportando l'io lirico in un viaggio temporale verso la giovinezza e la spensieratezza. La "verde collina" da cui il giovane poeta ammirava il mare rappresenta un luogo di nostalgia e di sogni, un punto di partenza per la riflessione sulla propria crescita e sul passare del tempo.

La poesia, con la sua struttura fluida e il suo ritmo naturale, rispecchia il movimento delle onde e il fluire dei pensieri. "Mare" di Nino Silenzi è un omaggio alla potenza evocativa della natura e alla sua capacità di connetterci con il nostro passato e con le emozioni più profonde. È una celebrazione del mare come fonte di ispirazione, di ricordi e di rinascita interiore.

"Storiella" di Felice Serino

Felice Serino, con la sua poesia "Storiella", ci regala un frammento di vita che si snoda con la semplicità e l'immediatezza di un racconto breve. La poesia si apre con l'immagine di un uomo che suona l'ocarina all'angolo della strada, una figura affascinante e misteriosa che cattura l'attenzione della protagonista. L'incontro tra i due avviene con una spontaneità disarmante: un abbraccio e una richiesta di suonare per lei.

L'attrazione immediata tra i due è descritta con una sincerità che sfiora la poesia pura: "scintilla fu o desiderio?" si chiede Serino, lasciando spazio al lettore per interpretare la natura di quella connessione. L'apertura della casa, il bagno e l'intimità che ne segue sono raccontati con una naturalezza che enfatizza la normalità e l'universalità di tali esperienze.

Tuttavia, la storia è destinata a finire. Il "bel moro" dai lineamenti latini è un amante della libertà, un "uccel di bosco" che non può essere trattenuto. Questa breve relazione, seppur intensa, si chiude con un senso di inevitabilità che è al contempo dolce e amaro. La poesia si chiude con una riflessione sulla natura della realtà e delle favole, suggerendo che, a volte, la vita stessa può essere tanto straordinaria quanto una storia inventata.

"Storiella" di Felice Serino è una narrazione poetica che, pur nella sua brevità, riesce a catturare la complessità delle emozioni umane e la bellezza delle connessioni momentanee. Il linguaggio semplice e diretto permette al lettore di immergersi nella storia, di sentire la spontaneità del momento e di riflettere sulla transitorietà delle relazioni. È una poesia che celebra la vita in tutte le sue sfumature, dalle scintille di passione ai dolori della separazione, con una delicatezza che lascia un'impronta duratura.

"Sera" di Bruno Castelletti

Bruno Castelletti, nella sua poesia "Sera", dipinge un affresco crepuscolare di straordinaria bellezza e delicatezza. La descrizione delle "verdi fronde del salice piangente" che "come in preghiera baciano la terra" evoca un'immagine di serenità e contemplazione, suggerendo una natura in comunione con il divino. Questo salice, con i suoi rami che si piegano dolcemente verso il suolo, rappresenta la calma e la riflessione, un momento di raccoglimento nel silenzio della sera.

Le "stanche nubi" e la "stanca luna" aggiungono un senso di quiete e riposo, come se la natura intera stesse concedendosi una pausa dopo la lunga giornata. La luna, spesso simbolo di guida e di luce notturna, qui sembra prendere un momento di tregua, creando un'atmosfera di calma sospesa.

Il "pianto lungo di stelle" e la "nenia di grilli e di cicale" completano questo quadro serale, aggiungendo una dimensione sonora e emotiva alla scena. Le stelle, con il loro brillare silenzioso, e i grilli e le cicale, con il loro canto continuo, creano una sinfonia naturale che culla l'anima e invita alla meditazione. Questo pianto e nenia sembrano raccontare storie antiche e segreti della notte, rendendo la sera un tempo di introspezione e di connessione profonda con il mondo.

"Sera" di Bruno Castelletti è una poesia che celebra la bellezza semplice e quieta della natura al calar della notte. Con un linguaggio lirico e immagini evocative, Castelletti ci invita a fermarci, ad ascoltare e a lasciarci trasportare dalla magia del crepuscolo. È un richiamo alla serenità interiore e alla contemplazione, un momento per trovare pace e riflessione nel silenzio della sera.

"Haiku" di Laura Lapietra

Laura Lapietra, nel suo haiku, cattura l'essenza di un momento invernale con la precisione e la delicatezza tipiche di questa forma poetica. L'haiku, con la sua struttura di tre versi e diciassette sillabe, richiede una capacità di sintesi e di evocazione che Lapietra padroneggia con eleganza.

"Bei bucaneve" apre l'haiku con una immagine di purezza e rinascita. I bucaneve, fiori che annunciano la fine dell'inverno e l'arrivo della primavera, rappresentano la speranza e la resilienza. Questi fiori delicati, che emergono dalla neve, simboleggiano la bellezza che può nascere anche nelle condizioni più avverse.

"Nel camino in baita sprizzi di faville" completa la scena con una visione calda e accogliente. La baita, rifugio montano per eccellenza, evoca un senso di protezione e comfort. I "sprizzi di faville" nel camino suggeriscono un fuoco che scoppietta, una fonte di calore e luce in una notte fredda. Questo contrasto tra il freddo esterno e il calore interno crea una tensione dinamica che rende l'haiku vivo e vibrante.

L'haiku di Laura Lapietra, con la sua semplicità e profondità, riesce a catturare un momento di intimità e tranquillità. È una poesia che invita a godere dei piccoli piaceri della vita, come il calore di un fuoco e la bellezza di un fiore che sboccia contro ogni previsione. Lapietra ci ricorda che anche nei momenti più freddi e difficili, ci sono segni di speranza e di bellezza che possono riscaldare il cuore.

"Perché sono poeta" di Alessio Romanini

Alessio Romanini, nella sua poesia "Perché sono poeta," ci offre una riflessione intima e sincera sulla nascita della sua vocazione poetica. La poesia, con il suo ritmo classico e la sua struttura elegante, è una dichiarazione di identità che scaturisce dalle profondità del suo animo.

Romanini inizia con una domanda retorica che prelude a una risposta densa di introspezione: "Poeta son diventato dal tedio / spinto nel petto a cercare conforto." Qui, il tedio non è solo una semplice noia, ma una condizione esistenziale che lo spinge a trovare un rifugio nella poesia. Il tedio diventa una forza motrice, un catalizzatore che trasforma l'inquietudine interna in espressione artistica.

Lo "spirto turbato dall'assedio / del penar del viver che dentro porto" rappresenta il peso delle preoccupazioni e delle angosce della vita quotidiana. Romanini trova nella poesia un balsamo per il cuore afflitto, un mezzo per dare voce alle sue sofferenze e per trovare un senso di sollievo. Poetare diventa una forma di autoterapia, un modo per affrontare e superare il dolore esistenziale.

La risposta finale, semplice e diretta, chiude il cerchio: "Poetare al cuor mio da conforto: / la risposta al perché sono poeta." Romanini ci ricorda che la poesia non è solo un atto creativo, ma una necessità interiore, una risposta al bisogno di trovare conforto e comprensione. La sua poesia è un inno alla resilienza dell'animo umano e alla potenza curativa della parola.

"L'invito" di Sandra Greggio

Sandra Greggio, con la sua poesia "L'invito," ci invita a sollevare lo sguardo verso il cielo e a riflettere sulla condizione umana da una prospettiva celeste. La poesia, con la sua struttura semplice e il linguaggio evocativo, è un appello alla speranza e alla ricerca di pace in un mondo afflitto da conflitti e pandemie.

La prima strofa dipinge un'immagine di contemplazione: "Ed è guardando le nuvole / A passeggio per il cielo." Le nuvole, simboli di leggerezza e transitorietà, osservano il nostro mondo travagliato e si interrogano su ciò che vedono. Questo sguardo dall'alto mette in risalto la fragilità della condizione umana e il tumulto che affligge la nostra esistenza.

Greggio poi rivela un dialogo immaginario tra le nuvole: "Io so cosa si dicono / Vieni quassù dove c'è pace." Le nuvole diventano portatrici di un messaggio di consolazione, un invito a lasciare le preoccupazioni terrene e a trovare rifugio nella serenità del cielo. Questo invito a "Posa il tuo dolore su una nuvola / E poi sali qui da noi" è un richiamo alla possibilità di trascendere le difficoltà e di trovare una dimensione di pace e accoglienza.

La poesia di Greggio è un inno alla speranza e alla ricerca di un sollievo spirituale. Il cielo, con le sue nuvole pacifiche, diventa un simbolo di un luogo ideale dove le sofferenze possono essere alleviate e dove l'animo può trovare riposo. "L'invito" è una poesia che incoraggia a non lasciarsi sopraffare dalle difficoltà del mondo, ma a cercare sempre una luce di speranza e una via di fuga verso la serenità.

"Esistere" di Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, con "Esistere," ci conduce in un viaggio onirico e profondo attraverso le tenebre della notte e le inquietudini dell'animo umano. La poesia, ricca di simboli e immagini suggestive, esplora il complesso rapporto tra l'individuo e il suo esistere, il suo confronto con le forze oscure e potenti che abitano la sua mente.

L'immagine iniziale della "corona di petali neri" che la notte pone sul capo del poeta evoca un senso di oppressione e di mistero. I petali neri sono un segno di lutto e di introspezione, un simbolo di pensieri oscuri che volano verso "le Larve" e tributano sogni a Morfeo. Questi sogni, tuttavia, non sono sogni di pace, ma di tormento, negati persino alle stelle, i desideri inespressi sono custoditi come calore nel corpo, suggerendo una lotta interna tra speranza e disperazione.

La ricerca del "volo" e del "vero io" tra le trame di streghe e dolci incantesimi riflette il desiderio del poeta di liberarsi dalle catene mentali e trovare una forma di magia che possa dare senso alla sua esistenza. L'immagine dell'aquilone del pensiero, prigioniero del capo, è potente e struggente, rappresentando la tensione tra libertà e confinamento.

Miu crea un contrasto tra il buio dell'insonnia e l'azzurro che scorre nelle vene, un tentativo di trovare armonia nel caos del tempo che sfugge. La poesia si fa più introspezione e metafisica, con il poeta che si vede come "un buon soldato davanti alla Morte," combattendo con l'inchiostro contro la scure della fine. La carne che prova i brividi e l'impotenza eretta a castello segreto rappresentano la fragilità umana e la necessità di proteggere ciò che di buono rimane.

Il riflesso nello specchio, ciò che consuma il poeta, è una metafora della dualità dell'esistenza: il premio e il prezzo dell'essere. La conclusione della poesia, con il poeta che accetta di scontare entrambi, "qui," nel presente, è un atto di rassegnazione e di pacificazione interiore. Jacqueline Miu ci offre un quadro complesso e intenso dell'esistere, una riflessione profonda sulla lotta per trovare significato e pace in un mondo tormentato.

"Il senso" di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano, con "Il senso", ci invita a una riflessione filosofica e malinconica sul significato dell'esistenza e sulla vanità delle ambizioni umane. La poesia si apre con l'immagine dell'io lirico che indaga "in alto" il senso del passare, cercando risposte che non scaldano l'anima e che non placano la mente, false e mal poste. Questa ricerca infruttuosa del significato rivela la frustrazione e lo smarrimento di fronte alle grandi domande della vita.

La seconda quartina pone una domanda cruciale: "a che mai sia servito / quell'affannarsi a rincorrer la gloria." Qui, Romano esprime un disincanto nei confronti delle illusioni di successo e di riconoscimento, scoprendo quanto siano effimere e illusorie. La gloria rincorsa diventa una chimera che lascia l'individuo smarrito e insoddisfatto, una riflessione amara sulla futilità delle ambizioni terrene.

La poesia prosegue con un'immagine di chiusura: "Scende la notte per chiuder gli affanni." La notte, simbolo di riposo e di fine, rappresenta un sollievo temporaneo dalle preoccupazioni e dai sogni vissuti senza speranza. L'io lirico ha corso la vita per troppi anni, rincorrendo sogni irraggiungibili e ora cerca il mare come ultima stanza. Il mare, con la sua vastità e il suo eterno movimento, diventa un simbolo di ritorno alle origini e di dissoluzione finale.

La chiusa della poesia, con il desiderio di tornare dove si è nati e di sciogliersi alfine appagati, evoca un senso di completamento e di pace. Romano ci suggerisce che il vero appagamento non risiede nelle glorie esterne, ma in un ritorno all'essenza, all'inizio, dove l'anima può finalmente trovare riposo.

"Il senso" di Piero Colonna Romano è una meditazione profonda e malinconica sulla vita, sul tempo e sulle illusioni che spesso guidano le nostre azioni. Con un linguaggio semplice ma potente, Romano ci invita a riflettere sul vero significato della nostra esistenza e sulla pace che possiamo trovare solo guardando dentro noi stessi e tornando alle nostre radici.

"Apnea rosa" di Roberto Soldà

Roberto Soldà, nella sua poesia "Apnea rosa," ci invita a vivere un momento di sospensione e meraviglia, catturato nel tenue bagliore del mattino. La luna, che si dissolve in un delicato rosa prima di andarsene, diventa il fulcro di un attimo incantato, un preludio poetico a una giornata che inizia con una nota di dolcezza e introspezione.

L’immagine della "luna in rosa" rappresenta una bellezza effimera, un'epifania che si svela solo per pochi istanti, offrendo una vista che non ha bisogno di parole, ma che si sente intensamente nel cuore. L'apnea rosa di Soldà è uno stato di sospensione, un respiro trattenuto di fronte alla bellezza pura e silenziosa che avvolge il mondo. Montagne, pianure, valli e acque sono immerse in questo respiro comune, in questa tregua cromatica che collega cielo e terra in un abbraccio cromatico.

Il rito quotidiano del caffè, versato nella tazza e gustato all'aperto, diventa un momento di connessione con la natura e il suo spettacolo. Il caffè, simbolo di routine e di risveglio, assume una dimensione quasi sacra in questa "apnea rosa," elevandosi al di sopra della semplice azione quotidiana per diventare un atto di meditazione e di presenza. Il poeta, con gesti semplici, celebra la bellezza del momento presente, sottolineando la magia nascosta nelle cose ordinarie.

La presenza dell' ''amica pietra" aggiunge una dimensione di stabilità e fedeltà". La pietra, immutabile e fedele, diventa un simbolo di costanza e di eternità in un mondo in continuo cambiamento. Questa pietra, che non cambia mai, rappresenta un punto di riferimento, un amico silenzioso che accompagna il poeta nella sua contemplazione, offrendo una presenza rassicurante e stabile.

"Apnea rosa" di Roberto Soldà è una poesia che celebra la bellezza effimera e la stabilità eterna, il rito quotidiano e la magia del momento. Con un linguaggio semplice ma evocativo, Soldà ci invita a fermarci e a respirare profondamente nella bellezza del mondo, a trovare conforto nelle piccole cose e a riconoscere l'importanza degli amici, anche quelli inanimati, che ci accompagnano nel nostro viaggio. La poesia è un inno alla presenza e alla consapevolezza, una chiamata a vivere ogni istante con attenzione e meraviglia.

"Nen žë comə tə vàsə!" di Ben Tartamo

Ben Tartamo, con "Nen žë comə tə vàsə!," ci offre una lirica intrisa di nostalgia e di dolcezza, dove il ricordo dei baci estivi si mescola con la malinconia del presente. La poesia, scritta in molfettese e accompagnata dalla traduzione in italiano, cattura la bellezza e la fugacità dell'amore giovanile, opponendola alla tristezza di un inverno metaforico.

La prima strofa introduce immediatamente l'immagine delle "labbra di ciliegie," evocando la freschezza e la dolcezza dei baci sotto il cielo d'agosto. Questi baci non sono solo gesti d'affetto, ma momenti di pura gioia, in cui il gusto e il calore del sole estivo si riflettono nei sentimenti del poeta. Il cuore che "sussultava" e il profumo di rose che avvolgeva il petto creano un quadro sensoriale vivido, dove ogni dettaglio contribuisce a costruire un'atmosfera di felicità e di appagamento.

Nella seconda strofa, Tartamo descrive il passaggio dal fulgore dell'estate alla desolazione dell'inverno. La caduta dei frutti rappresenta la fine della stagione fertile e prospera, mentre le "parole amare" e il "nero inverno a lutto" evocano un senso di perdita e di tristezza. Gli occhi, paragonati al mare, riflettono una profondità di emozioni non dette, una vastità di sentimenti inesplorati.

La terza strofa si rivolge direttamente all'amato, chiedendo spiegazioni per il silenzio e l'allontanamento. L'estate della giovinezza, con la sua promessa di eterno amore, è finita, lasciando spazio a un inverno di solitudine e di incomunicabilità. Tuttavia, anche in questo contesto di separazione emotiva, Tartamo trova un barlume di speranza e di resistenza nell'intimità notturna.

La chiusa della poesia, "la notte, zitto zitto, / non sai come ti bacio!," è un’affermazione di amore che persiste nonostante tutto. Anche nel silenzio e nell'oscurità, il bacio del poeta conserva la sua intensità e la sua forza, un gesto di affetto che supera le parole e le difficoltà.

"Non sai come ti bacio!" di Ben Tartamo è una poesia che esplora il dualismo tra l’euforia dell’amore giovanile e la malinconia della perdita. Con un linguaggio ricco di immagini sensoriali e un ritmo che rispecchia il battito del cuore, Tartamo ci offre un ritratto toccante e autentico delle emozioni umane. La sua capacità di evocare sentimenti profondi attraverso dettagli semplici e familiari rende questa poesia un capolavoro di lirismo e di introspezione.

Prof. Marino Spadavecchia

Così nascono i sogni - Bruno Castelletti

In un'armoniosa danza tra la terra e il cielo, Bruno Castelletti ci conduce attraverso il ciclo eterno della natura, dove le radici ataviche affondano nel profondo per risalire verso l'infinito. È un inno al perpetuo ritorno della primavera, simbolo di speranza e rinascita. Le immagini di frutti succulenti e grappoli dorati evocano non solo la fertilità della terra, ma anche il frutto dei sogni umani, che crescono e maturano sotto il canto dell'autunno. Il vento, come messaggero celeste, porta con sé profumi e colori, unendo terra e cielo in un abbraccio cosmico.

Katauta - Laura Lapietra

Con una delicata semplicità, Laura Lapietra cattura l'essenza della purezza e dell'amore attraverso la metafora delle "guance di pesca". Il katauta, breve ma intenso, trasmette l'innocenza dell'infanzia e l'intima sicurezza delle braccia materne. Questa poesia è un frammento di eternità, dove il momento fugace si trasforma in un simbolo universale della tenerezza umana. La scelta delle immagini evoca un mondo di dolcezza e protezione, un santuario di affetti primordiali.

Auto! Stop!! - Armando Bettozzi

In un mosaico di esperienze vissute con l’autostop, Bettozzi dipinge una nostalgia vibrante di un'epoca passata. Il poeta gioca con il contrasto tra la libertà giovanile e la prudenza moderna, illustrando con vividezza le avventure e le connessioni umane che nascevano lungo la strada. Con toni umoristici e ironici, la poesia diventa una celebrazione della fiducia e della spontaneità, oggi quasi dimenticate. Il linguaggio colloquiale e il dialetto romano aggiungono autenticità e colore, trasformando il testo in una finestra sul passato, dove ogni incontro era un’opportunità e ogni viaggio un’avventura.

La mia gabbianella - Salvatore Armando Santoro

Santoro ci trasporta in una struggente riflessione sul desiderio e la perdita. La figura della "gabbianella" simboleggia un amore irraggiungibile, un essere libero e indifferente alle sofferenze del poeta. Le immagini del mare e dei gabbiani, insieme alla neve bianca, evocano un ambiente freddo e distante, specchio del cuore solitario dell’autore. La poesia, ricca di emozioni contrastanti, esprime con delicatezza la vulnerabilità umana di fronte all’amore non corrisposto. La chiusa malinconica, con la porta ancora aperta, riflette un inesausto spirito di speranza e un'eterna attesa.

Pienezza - Fausto Beretta

In "Pienezza", Beretta ci regala una celebrazione della semplicità e della bellezza dei legami umani. Le "parole di miele" e i sorrisi descritti come "raggi di sole" dipingono un quadro idilliaco della felicità quotidiana. La poesia mette in evidenza l'importanza delle relazioni e degli affetti, suggerendo che ciò che davvero conta nella vita non è il possesso materiale ma la condivisione di momenti di gioia. L'uso di immagini luminose e naturali rinforza la sensazione di serenità e appagamento che permea il testo.

Guariscimi come fa una carezza - Piacentino Alessandra

Alessandra Piacentino ci guida in un viaggio emotivo attraverso il dolore e la guarigione. La poesia è una richiesta di dolcezza e comprensione, espressa con una delicatezza che ricorda la fragilità umana. Le immagini di "ali di Creta" e "orizzonte lontano" evocano la lotta contro le proprie limitazioni e l'aspirazione verso la libertà e la vicinanza. L'autrice utilizza una serie di metafore sensoriali per descrivere l'intenso desiderio di cura e il potere trasformativo dell'amore. Le "parole che girano come rondini" simboleggiano il ritorno alla speranza e alla pace interiore.

Negli occhi - Cristiano Berni

Cristiano Berni esplora la complessità delle emozioni umane attraverso il simbolismo degli occhi. Ogni verso svela un diverso aspetto dell'anima, dalle gioie più profonde ai dolori più laceranti. Gli occhi diventano uno specchio che riflette il caleidoscopio delle esperienze umane: rabbia, felicità, malinconia e amore. La poesia culmina in una potente affermazione dell'umanità come "universo infinito e libero Gabbiano", riconoscendo la vastità e la libertà intrinseche all'essere umano. Berni cattura con maestria l'essenza dell'anima, rendendo gli occhi una porta verso l'universo interiore.

La fine del giorno - Renzo Montagnoli

Montagnoli ci offre una finestra sulla serenità rurale, immergendoci in un mondo fatto di lavoro e di semplici gioie. Con un linguaggio ricco di immagini tattili e sensoriali, descrive la fatica dei campi e il piacere del ritorno a casa, sotto il verde gelso. La poesia è intrisa di un languore che sa di pace e di gratitudine per le piccole cose: la brezza della sera, i richiami degli uccelli, la preparazione della cena. È un inno alla famiglia e alla quiete che scende con il tramonto, rappresentando un passo verso una serenità intrinseca, dove la semplicità diventa sinonimo di ricchezza interiore.

Un palpito del cuore fu chiamato amore - Franco Fronzoli

In questa poesia, Fronzoli esplora la natura multiforme dell'amore con una serie di immagini delicate e poetiche. Dal tramonto alla luna, dalle onde del mare alle pagine di un libro, l'amore si manifesta come un elemento onnipresente e trasformativo. Ogni verso cattura una sfumatura diversa del sentimento amoroso, dal primo palpito al sorriso, dalla carezza alla lacrima. La poesia è un elogio dell'amore come forza vitale e scintilla creativa, capace di illuminare l'anima e rendere speciale ogni momento della vita. L'uso di metafore naturali e quotidiane rafforza la connessione tra l'amore e le esperienze umane più profonde.

Vita parallela - Felice Serino

Serino ci porta a riflettere sull'esistenza di una vita oltre la morte, una dimensione parallela di luce e sapienza. La poesia è permeata da un senso di consapevolezza e speranza, dove l'ignoto non è motivo di paura ma di desiderio. Con versi carichi di misticismo, ci invita a immaginare un "infinito mare di luce" e una "giovinezza eterna", trasmettendo un senso di serenità e accoglienza. La "Parola" e la "Sapienza" diventano simboli di conoscenza e protezione, suggerendo che in questa vita parallela si trova un rifugio sicuro e illuminato. L'uso di immagini come le ali e l'ombra aggiunge una dimensione eterea e spirituale, rendendo la poesia una meditazione sulla continuità dell'anima e sul conforto della fede in un aldilà di pace e comprensione.

La foce - Piero Colonna Romano

In "La foce", Piero Colonna Romano ci offre una meditazione profonda sul viaggio della vita attraverso la metafora del fiume che si unisce al mare. La struttura dei versi alessandrini con incrocio di rime conferisce al poema una musicalità solenne e riflessiva, accentuando il senso di un viaggio compiuto.

L’immagine dell’acqua che scorre e si confonde con il mare rappresenta il ciclo della vita, dalla nascita alla morte, ma anche il continuo fluire delle esperienze e delle emozioni. Le "candide schiume" evocano purezza e rinascita, mentre il "percorso, dalla fonte alla riva" rappresenta le tappe della nostra esistenza, con tutte le sue memorie e gli inganni.

Colonna Romano intreccia elementi di nostalgia con un senso di appagamento, riflettendo sui "gran ricordi" e sulle "commozioni profonde" che accompagnano il poeta. L'arte e l'amore emergono come compagni fedeli lungo questo viaggio, offrendo conforto e bellezza anche nelle terre di sogno.

Il climax della poesia è raggiunto con l'immagine della barca alla foce del fiume, pronta a salpare verso il mare. La "dolce risacca" e il "suono a incantare" evocano un senso di pace e di compimento, indicando che il viaggio verso il mare (simbolo dell'aldilà) è visto non come una fine, ma come un traguardo naturale e sereno.

L'ultimo verso, in cui il poeta immagina di diventare "atomi salsi" e di volare verso il "bene raccolto", chiude la poesia con una nota di speranza e continuità. Qui, Colonna Romano unisce il tema della trasformazione fisica con quello della ricompensa spirituale, suggerendo che le esperienze di vita e l'amore che abbiamo dato e ricevuto ci accompagneranno oltre la nostra esistenza terrena.

La poesia, con il suo stile elevato e il suo uso di immagini naturali, riesce a trasmettere un messaggio universale di serenità e accettazione del ciclo vitale, rendendo "La foce" un’opera di grande profondità e bellezza lirica.

E son come una canna - Ben Tartamo

Ben Tartamo ci regala una poesia intrisa di spiritualità e introspezione, dove la fragilità umana si incontra con il desiderio di redenzione e forza interiore. Con un linguaggio semplice ma potente, l’autore esplora il tema della vulnerabilità e della trasformazione attraverso immagini evocative e bibliche.

La metafora iniziale della canna che si piega al vento introduce il senso di fragilità e di sottomissione alle forze esterne. La canna, simbolo di debolezza, diventa anche una figura di resilienza, capace di rifiorire nonostante le avversità grazie alle lacrime, segno di pentimento e purificazione.

La seconda strofa riflette un’intima preghiera a Dio, dove il poeta riconosce la sua condizione umana e chiede che il suo dolore venga trasformato in qualcosa di più nobile. L’uso del termine “nitidare” (rendere nitido, purificare) evidenzia il desiderio di chiarezza e di rinnovamento del cuore attraverso la grazia divina.

La terza strofa continua con la richiesta di diventare una “roccia”, simbolo di stabilità e forza. Tuttavia, Tartamo desidera che questa roccia sia “tersa da ogni goccia”, cioè purificata, capace di far sbocciare fiori al sole, un’immagine che unisce la durezza della roccia alla delicatezza e bellezza della vita che emerge da essa.

L’ultima strofa esprime un desiderio di unione mistica con Dio, dove ogni pensiero del poeta diventa un fiume che scorre verso il mare, simbolo dell’infinito e dell’eterno. Il mare “profondo e nero” rappresenta sia il mistero divino che l’abisso della fede, un luogo dove il poeta spera di perdersi e ritrovarsi nell’amore unico e vero di Dio.

Tartamo, con “E son come una canna”, riesce a fondere elementi di debolezza umana con una profonda aspirazione alla spiritualità e alla grazia. La poesia, attraverso le sue immagini naturali e simboliche, diventa un canto di speranza e di fiducia nel potere trasformativo dell’amore divino.

Loro non si annoiano - Alessio Romanini

Alessio Romanini, in “Loro non si annoiano”, esplora il tema dell’ozio e della noia umana contrapponendolo alla serenità degli animali. Con un linguaggio semplice e diretto, l’autore mette in luce la differenza tra la vita umana, incatenata dagli schemi sociali e culturali, e quella animale, libera da tali costrizioni.

La riflessione iniziale sulla noia umana è profondamente esistenziale. Romanini si domanda perché, nonostante l’attività incessante, l’uomo si annoi. La risposta è una critica sottile alla società moderna: gli schemi e le imposizioni che regolano la nostra vita limitano la vera libertà, generando insoddisfazione e monotonia.

Il confronto con gli animali è illuminante. Essi, pur apparentemente oziosi, non conoscono la noia. Vivono in armonia con la natura, seguendo istinti e bisogni primari senza le sovrastrutture mentali che affliggono gli esseri umani. Questa osservazione suggerisce una visione romantica e idealizzata della natura, dove la semplicità e la spontaneità portano alla serenità.

Romanini invita il lettore a riflettere su come liberarsi dagli schemi autoimposti per ritrovare una vita più autentica e libera. La poesia, con la sua struttura discorsiva e meditativa, si configura come un monologo interiore che stimola la consapevolezza e l’introspezione.

Le due lacrime - Sandra Greggio

Sandra Greggio, in “Le due lacrime”, offre una visione poetica e malinconica del dolore umano, rappresentato dalle lacrime che scendono sul viso ogni sera. Con un tono delicato e introspettivo, l’autrice descrive un rituale quotidiano di sofferenza e riflessione.

Le lacrime, personificate e dotate di un comportamento ciclico, diventano protagoniste di una narrazione intima e dolente. Esse compiono un viaggio dal volto all’anima, dove si fermano a lungo, simbolizzando un dolore profondo e persistente che non si dissolve facilmente. Questo movimento ciclico delle lacrime rappresenta una routine emotiva di sofferenza che si ripete giorno dopo giorno, sottolineando la difficoltà di liberarsi da certe ferite interiori.

La poesia utilizza immagini semplici ma efficaci per evocare il percorso delle lacrime e il loro impatto sull’anima. L’idea che le lacrime “sostano un’intera notte e il giorno successivo” prima di ricominciare il viaggio la sera successiva crea un senso di inesorabilità e di perpetuo dolore, ma anche di resilienza emotiva.

Greggio riesce a trasmettere un sentimento di malinconia e di introspezione con una scrittura essenziale e priva di fronzoli, ma estremamente evocativa. La poesia, con la sua struttura ritmica e la ripetizione delle immagini, accompagna il lettore in un viaggio emotivo che, sebbene doloroso, risulta anche profondamente umano e condivisibile.

Donne e uomini - Carlo Chionne

Carlo Chionne, in “Donne e uomini”, evoca una visione utopica e idealistica del futuro attraverso una struttura poetica classica e ritmata. La poesia, con il suo tono ottimista e quasi profetico, mira a esprimere una speranza condivisa di pace e abbondanza, lontana dalla guerra e dalla divisione che caratterizzano il presente.

L'autore utilizza una metrica regolare e una rima schematica per creare una sensazione di ordine e armonia, riflettendo il desiderio di un futuro ideale. La ripetizione dei concetti di pace, abbondanza e libertà funge da mantra che rinforza il messaggio di speranza. Il ritornello “Tornerà…” diventa un richiamo rassicurante alla visione di un’età dell’oro, in contrasto con l'attuale disordine.

Le immagini di campi e clivi splendenti, fonti e rivoli puri, evocano una natura rigogliosa e incontaminata, simbolo di un’epoca in cui l’uomo vive in sintonia con l’ambiente e con i suoi simili. Il poeta si concentra sugli elementi della vita quotidiana, come orzo e avena, per sottolineare il ritorno a una semplicità e a una ricchezza autentica, distanti dalla corruzione e dalla miseria.

La poesia si conclude con una nota di ottimismo per il futuro, con una visione di libertà e felicità che sembra possibile solo in un contesto di rinascita totale. Chionne utilizza la struttura formale e le immagini bucoliche per esprimere un messaggio di speranza e di fiducia in un futuro migliore.

War Song - Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, in “War Song”, offre una riflessione intensa e cruda sull’esperienza della guerra e le sue conseguenze. La poesia, scritta in una forma libera e fluida, cattura il conflitto interiore e le sfide affrontate dai soldati, creando un ritratto potente della lotta e del sacrificio.

Il testo inizia con un’immagine di lotta e resistenza, con i soldati che affrontano i mostri e le difficoltà armati di un “canto di guerra”. La contrapposizione tra i “titan” che sembrano prevalere e i soldati, descritti come “ossa” e “carni”, enfatizza la fragilità umana di fronte alla grandezza apparente degli avversari.

La ripetizione di frasi come “io vivo” e la descrizione di un “orgoglio di leoni smagriti” suggeriscono una condizione di esistenza precaria ma resiliente. La poetessa esplora la sensazione di impotenza e di scarsità di ricompensa, con i soldati che si sentono poveri mentre sacrificano tutto per gli altri. La lotta per un ideale, nonostante la miseria e l’orrore, diventa il tema centrale, rivelando la tenacia e la determinazione dei protagonisti.

Miu utilizza un linguaggio evocativo per descrivere la guerra come un compagno inevitabile e spietato, ma anche come una forza che ha eliminato la paura. La decisione di “correre a fianco della Morte” rappresenta una resa e una sfida insieme, sottolineando la complessità dell’esperienza bellica. La poesia chiude con una nota di accettazione e determinazione, che riflette l’accettazione della guerra come parte integrante della loro esistenza.

Prof. Marino Spadavecchia

''La lettera sul mare'' - Georges Castera (traduzione di Nino Muzzi)

Questo poema bilingue esplora temi di disperazione, conflitto interiore e lotta. La metafora delle rughe come cannonate mostra il passare del tempo come una forza distruttiva, che minaccia la città e i suoi abitanti. Le immagini oscure e violente, come gli alberi che strangolano gli uccelli e la morte onnipresente, creano un'atmosfera di soffocamento e pericolo imminente.

La traduzione italiana cattura bene l'essenza del testo originale, mantenendo la stessa intensità e le stesse immagini suggestive. La frase "col bilinguismo fra le cosce" suggerisce una tensione tra due culture o identità, una dualità che si riflette nel resto del poema.

''Distese'' - Felice Serino

La poesia di Felice Serino, intitolata "Distese", è una breve composizione che esplora il tema dell'ispirazione e della connessione profonda tra la parola e l'anima.
-  La poesia si concentra sull'amore per la parola, descritta come una "colomba" che vola sopra le "distese dell'anima". Questo paragone suggerisce un senso di leggerezza e libertà, con la parola che diventa un mezzo di elevazione spirituale e riflessione interiore.
-  La "colomba" simboleggia pace e purezza, mentre le "distese dell'anima" rappresentano un ampio spazio interiore, suggerendo un vasto campo di emozioni e pensieri che la parola può esplorare e arricchire.
-  La poesia utilizza un linguaggio evocativo e conciso, creando un tono contemplativo e riflessivo. L'uso di metafore e immagini poetiche contribuisce a trasmettere un senso di bellezza e serenità.
In sintesi, "Distese" di Felice Serino celebra il potere della parola come un veicolo di elevazione e ispirazione, usando immagini suggestive per esplorare la connessione tra linguaggio e anima.
 

''Ritorno al primo amore''- Bruno Castelletti

Castelletti utilizza la metafora nautica per descrivere un viaggio emotivo. La "navicella" fragile che naviga attraverso i "flutti tempestosi" simboleggia le sfide e i tormenti della vita. Tuttavia, il poema si conclude con una nota positiva, con l'immagine di un "naufrago felice" che trova un "porto quieto". Questo rappresenta un ritorno a uno stato di pace e amore originario.

Il poema evoca la resilienza e la capacità dell'amore di superare le prove. Le "albe chiare" e i "rossi tramonti" illustrano i momenti di chiarezza e passione intensa nella vita amorosa.

''Cipiglio Cielo'' - Laura Lapietra

In questo poema, la narratrice si presenta come un "nomade, vento dell'aria", una figura eterea che tenta di toccare il cielo con delicatezza ma anche con veemenza. Le immagini di "petali di rose" strappati e offerti al cielo suggeriscono sia un atto di adorazione che di disperazione. La lotta interiore tra il desiderio di connettersi con il cielo e la frustrazione di essere ignorata crea una tensione emotiva palpabile. L'idea del cielo che osserva impassibile senza mai cambiare accentua il senso di impotenza della narratrice.

Il poema riflette sul concetto di tempo immutabile e il desiderio umano di trovare un senso o un cambiamento nel corso degli eventi. La descrizione della narratrice come "zingaro dell'etere" e "incatenato ad essere libero" evoca una contraddizione esistenziale: il desiderio di libertà e la consapevolezza dei propri limiti. Il finale, dove svanisce come "alito di vento", sottolinea la natura effimera e transitoria della vita.

''Cullato'' - Nino Silenzi

Questo poema dipinge un quadro sereno e idilliaco della natura, con il mare e il vento che cullano l'osservatore. Le immagini di una "vela scomparire" e l'aroma di "resina" e "aromi salmastri" evocano una sensazione di pace e tranquillità. I "villini" baciati dal sole e i "gabbiani volanti" aggiungono alla scena una bellezza visiva e un senso di libertà.

Il poema celebra la bellezza della natura e la pace interiore che si può trovare in essa. La descrizione del "concento" [armonia risultante dal suono concorde di più voci o strumenti, o da un sapiente e suggestivo accordo eseguito su un solo strumento] che si innalza lentamente riflette una connessione profonda con l'ambiente circostante. L'ultima strofa, con l'immagine della nave che naviga attraverso la mente, suggerisce un viaggio interiore, una meditazione sulla pace e la serenità che la natura può offrire.

''Trauma!'' - Armando Bettozzi

Questo poema tratta il tema del trauma, visto come una presenza pervasiva e ingombrante. Bettozzi utilizza metafore potenti, come il trauma paragonato a una zecca che si nasconde nel bosco, e lo descrive come una scusa pronta per giustificare crimini e misfatti. La critica è rivolta alla società che, secondo il poeta, tende a giustificare ogni azione scorretta o criminale attribuendola a un trauma.

Il tono del poema è indignato e critico, e Bettozzi mette in discussione il modo in cui la giustizia viene amministrata, spesso influenzata da idee e passioni personali piuttosto che da un equilibrio equo. L'ultima strofa critica la tendenza moderna di evitare la responsabilità, proteggendo chi commette crimini come se fossero vittime di un destino inevitabile.

''Avventura'' - Marco Raimondi

In netto contrasto con il poema di Bettozzi, "Avventura" di Raimondi è un inno alla scoperta e alla trasformazione personale. Il poema narra il viaggio di un viandante attraverso un bosco antico, dove ogni passo rappresenta una nuova scoperta e un'opportunità di crescita. Le immagini naturali, come la cascata di cristallo e la pozza azzurra, creano un'atmosfera magica e incantata.

Il tema centrale è la liberazione dalle paure e la rinascita, simbolizzata dal viandante che si tuffa nell'acqua gelida e ne esce trasformato. Il poema celebra l'avventura e la capacità di affrontare l'ignoto con coraggio e apertura.

''Frustrazione'' - Salvatore Armando Santoro

Questo sonetto esplora il tema della frustrazione amorosa. Il poeta riflette su un amore non corrisposto, evocando immagini di bellezza e malinconia. Il dolce volto e gli occhi del colore del mare rappresentano l'oggetto del desiderio, ma il sentimento non ricambiato lascia un senso di scoramento e rimpianto.

Le immagini del vento gelido, la nebbia umida e le nubi che coprono il cielo aggiungono un tono di tristezza e desolazione. La frustrazione del poeta si esprime attraverso la consapevolezza del dolore e del silenzio che seguono un amore non corrisposto.

''Salici piangenti di lacrime amare'' - Piacentino Alessandra

Questo poema è una riflessione poetica sul dolore e il rimpianto. Le immagini di "salici piangenti" e "lacrime amare" evocano una profonda tristezza. Le lacrime, descritte come "ladri di sensazioni", suggeriscono il furto della pace interiore e la presenza costante del dolore. Gli "abbracci invisibili" di madri che asciugano le lacrime indicano un conforto che, pur essendo prezioso, non può completamente guarire il dolore.

La seconda parte del poema introduce immagini di "laghetti" e "desideri riflessi", rappresentando i sogni e le speranze sepolte nel tempo. La "polvere di una vita intera" e il "cemento di rimpianti" evocano il peso del passato che grava sull'anima. Tuttavia, c'è anche un messaggio di speranza: il "tesoro" che appartiene "al bello che rimane" e l'invito a cercare conforto nel calore del sole e nello "sguardo infinito di Dio".

''Cammino e vado incontro alla notte'' - Franco Fronzoli

Questo poema esplora il viaggio solitario del poeta attraverso la notte e la nebbia, un viaggio che simboleggia la ricerca interiore e la riflessione personale. La luna che si nasconde "negli strati di nebbia" e gli "alberi brulli senza foglie" creano un'atmosfera di desolazione e solitudine. Il poeta cammina "accompagnato dai miei pensieri, dalle mie speranze, dalle mie illusioni", riflettendo il peso delle aspettative e dei sogni non realizzati.

Man mano che il poema procede, si avverte un senso di attesa e di speranza. L'alba che arriva con "un fioco raggio di sole" rappresenta un nuovo inizio e la possibilità di rinnovamento. La ricerca di "una pioggia che al suo finire mi regali un arcobaleno'' simboleggia la speranza di trovare bellezza e significato anche dopo le tempeste della vita. Il poema si conclude con il poeta che continua a camminare "senza una meta", aperto alle esperienze e alle sorprese del nuovo giorno, in attesa di un nuovo tramonto e di una nuova notte.

''L'altra realtà'' - Sandra Greggio

Questo poema esplora il desiderio di evadere dalla realtà quotidiana e creare un mondo immaginario dove il cuore possa essere libero di sperimentare gioia e leggerezza. La narrazione si sviluppa attraverso immagini delicate e sognanti che evocano un senso di leggerezza e trascendenza.

Crearsi una realtà virtuale

Greggio inizia con l'idea di costruire una realtà alternativa, un mondo immaginario in cui il cuore è il protagonista. Questo suggerisce un desiderio di fuggire dalla vita quotidiana e dalle sue limitazioni, cercando un rifugio dove poter vivere liberamente le proprie emozioni.

Muoversi leggera come piuma

L'immagine della piuma che "volteggia" rappresenta una sensazione di libertà e leggerezza. La leggerezza della piuma e il suo movimento verso l'alto simboleggiano un'ascesa spirituale e un distacco dalle preoccupazioni terrene.

Tra spumose nuvole / Che lasciano intravvedere il sole

Le "spumose nuvole" suggeriscono un ambiente etereo e onirico, mentre il sole che appare tra di esse rappresenta la luce e la speranza, una visione di felicità e serenità che si intravede attraverso la nebbia dei problemi quotidiani.

Scoprire un percorso nuovo / Mai calcato da nessuno

Questi versi parlano di un viaggio unico e personale, un sentiero inesplorato che promette nuove scoperte e avventure. Questo percorso "vergine ed intatto" rappresenta l'idea di un'opportunità di ricominciare da capo, in un ambiente incontaminato.

Sentire una gioia ineffabile / Che non appartiene a questa terra

La "gioia ineffabile" che il poeta descrive è qualcosa di trascendente, una felicità che va oltre le esperienze terrene. Questa gioia è collegata a un luogo celeste, suggerendo che il vero appagamento può essere trovato solo al di fuori del mondo materiale.

Capire che sei venuta al mondo / Per ritornare lì in quello spazio

Il poema si conclude con una riflessione sulla vita e sul destino. L'idea che siamo venuti al mondo per tornare a uno spazio celeste implica una visione ciclica dell'esistenza, dove la vita terrena è solo una tappa di un viaggio più lungo verso un ritorno alla nostra vera casa spirituale.

"L'altra realtà" di Sandra Greggio è un poema che esplora temi di evasione, spiritualità e il desiderio di trovare un luogo di pace e felicità lontano dalle preoccupazioni terrene. Utilizzando immagini eteree e un linguaggio evocativo, Greggio invita il lettore a immaginare un mondo alternativo dove il cuore può finalmente essere libero e gioioso, suggerendo che la nostra vera destinazione è un ritorno a una dimensione spirituale e pura.

''Stormland'' - Jacqueline Miu

Questo poema, tratto da "La rosa dalla schiena nera" di Jacqueline Miu, è un appassionato appello a un'entità amorosa e tormentata, evocando immagini di intensità emotiva e fisica. Miu esplora temi di desiderio, sofferenza, e l'irresistibile attrazione tra due anime tormentate. La struttura del poema è diretta e cruda, riflettendo la natura impetuosa delle emozioni descritte.

Stormland / parlami se ti va

Il titolo "Stormland" e l'invocazione iniziale stabiliscono subito un tono di urgenza e di necessità. "Stormland" suggerisce un luogo tumultuoso e in tempesta, un paesaggio interiore di caos e intensità emotiva.

fatti trovare / afferrami dal traffico di sogni strappami alla strada

L'idea di essere "afferrata" dal traffico di sogni e "strappata" alla strada evoca un desiderio di essere salvata da una realtà confusa e caotica. C'è una richiesta di connessione e di intervento in un momento di smarrimento.

indossa le mie labbra / mordile / falle sanguinare

Questi versi esprimono un'intimità fisica e una volontà di condividere la sofferenza. Il mordere le labbra fino a farle sanguinare simboleggia un desiderio di unione attraverso il dolore e il sacrificio.

così la mia sofferenza ti possa baciare

Qui, il dolore diventa un mezzo di connessione, quasi un bacio. L'immagine è potente e viscerale, suggerendo che la sofferenza condivisa può essere un legame profondo tra due persone.

darò fuoco alla città con i battiti / tu non scappare lontano

Questi versi indicano un'intensità tale da poter "dar fuoco" alla città con i propri battiti, una metafora della passione travolgente. L'appello a non scappare sottolinea il desiderio di reciprocità e di presenza costante.

lascia una scia d’affetto qualche piccola briciola / mordi sto corpo con la tua esistenza

L'immagine della "scia d’affetto" e delle "piccole briciola" rappresenta il bisogno di segni tangibili di amore e affetto, mentre il "mordere il corpo con la tua esistenza" suggerisce una desiderata fusione delle vite e delle identità.

incidi nella mia carne le tue passioni

Questo verso richiama un'immagine di passione dolorosa e duratura, come se le passioni potessero essere tatuate nella carne, lasciando segni permanenti.

dammi una mano con il tormento / sta cosa strana che tiene in mano i nostri destini

Qui, il tormento è visto come qualcosa da condividere e affrontare insieme, mentre "sta cosa strana" che tiene i destini rappresenta forse il destino o l'amore stesso, qualcosa di misterioso e potente che guida le loro vite.

vorrei darle un nome / vorrei tu avessi un nome / ti chiamerò amore

Il desiderio di dare un nome a questo sentimento e di chiamarlo "amore" rappresenta un tentativo di definire e comprendere l'intenso legame tra i due. L'amore è visto come l'unica cosa resistente alle avversità.

unica cosa resistente alle fiamme all’inferno ai mali

L'amore è descritto come qualcosa di indistruttibile, capace di sopravvivere anche alle prove più dure, come le fiamme e l'inferno.

prenditi la mia aria / voglio trovarti / e se mi vedrai / ridammi il respiro

Questi versi finali esprimono un bisogno vitale di questa connessione. L'amore è visto come essenziale per la vita stessa, capace di ridare respiro e sostenere l'esistenza.

seda la mia sete / calma la mia fame / parlami se ti va / fatti trovare

Il poema si conclude con un ritorno all'appello iniziale, rafforzando il desiderio di comunicazione, connessione e presenza. La sete e la fame simboleggiano bisogni profondi e primari che solo l'amore può soddisfare.

"Stormland" di Jacqueline Miu è un intenso grido d'amore e di desiderio, ricco di immagini potenti e di emozioni crude. Esplora la natura tumultuosa del desiderio umano e la ricerca di connessione in mezzo al caos e alla sofferenza. La poetessa riesce a catturare l'essenza della passione e del tormento, rendendo il poema una potente espressione di vulnerabilità e forza.

''Il viaggio'' - Piero Colonna Romano

Questo sonetto riflette sulla fugacità della vita, la meraviglia del mondo naturale, e le incertezze sull'aldilà. Ricordando Democrito, filosofo che sosteneva che tutto è composto da atomi, il poeta esplora il tema della trasformazione e del destino finale dell'uomo.

Del mare la malia mi mancherà. / Del suo sfiorare sabbia che par canto,

Il poema inizia con un senso di nostalgia per la bellezza del mare, descritta con un linguaggio evocativo. Il mare, con il suo tocco gentile sulla sabbia, viene paragonato a un canto, creando un'immagine di serenità e armonia che l'autore teme di perdere.

del salso e del colore ch'è un incanto, / più non potrò goder nell'aldilà.

L'autore esprime la tristezza per la perdita di queste esperienze sensoriali una volta giunto nell'aldilà, evidenziando la bellezza effimera della vita terrena che non sarà più accessibile.

Neppure un sol ricordo ci sarà / per riveder di vita gioia e pianto,

L'idea che nell'aldilà non ci saranno ricordi di gioie e dolori vissuti è una riflessione sulla transitorietà della vita e sull'oblio che potrebbe seguire la morte.

per ripensare amori con rimpianto, / quand'un sipario buio m'avvolgerà.

L'immagine del "sipario buio" che avvolge l'autore rappresenta la fine della vita, con una nota di rimpianto per gli amori e le esperienze che non potranno essere rivissuti.

D'atomi diverrò. Restan questioni / sul senso ch'ebbe questo breve viaggio,

Questi versi introducono il tema centrale del poema: la trasformazione fisica in atomi dopo la morte, secondo la visione atomistica di Democrito. L'autore riflette sul significato del "breve viaggio" della vita.

sul senso ch'ebbe ancor l'essere nati.

La domanda esistenziale sul significato della nascita e della vita stessa rimane aperta, senza risposte definitive.

Per Chiese, in cielo, avrem sante emozioni. / Dicon, convinte, vita sia passaggio

Il poeta menziona la visione religiosa della vita come un passaggio verso un traguardo celeste, un'idea sostenuta con convinzione dalle chiese e dalle religioni.

verso un traguardo a premi pei fidati.

Questa visione promette ricompense per i fedeli nell'aldilà, un contrasto con la prospettiva materialista e scientifica dell'autore.

Ma i miei pensier vietati / raccontano che andran verso le stelle

Il poeta confessa i suoi pensieri "vietati" o non ortodossi, che suggeriscono una visione diversa del destino dopo la morte. Invece di un aldilà religioso, immagina i frammenti del proprio essere che si disperdono tra le stelle.

di me frammenti … e il resto son novelle.

Conclude che tutto il resto sono solo "novelle", storie o miti, indicando una visione scettica verso le credenze tradizionali sull'aldilà.

"Il viaggio" di Piero Colonna Romano è un sonetto che bilancia riflessioni filosofiche ed emotive sulla vita, la morte, e l'aldilà. Utilizzando un linguaggio evocativo e immagini potenti, il poeta esplora la bellezza del mondo naturale e le incertezze del destino umano, offrendo una prospettiva che sfida le credenze religiose tradizionali e abbraccia una visione scientifica e materialista.

''E muore'' - Ben Tartamo

Questo breve poema riflette sulla decadenza dell'anima che si chiude al mondo, contrapponendo l'isolamento alla generosità come fonte di vera gioia. Tartamo condanna la vita sprecata nell'egoismo e nell'apatia, proponendo il dono di sé agli altri come l'unica via per trovare significato e felicità.

E muore, sì muore giorno per giorno / quell'anima che chiusa s'è al mondo.

Il poeta inizia con una dichiarazione forte e diretta: l'anima che si isola dal mondo muore lentamente ogni giorno. Questa apertura enfatizza l'importanza della connessione con il mondo esterno per la vitalità dell'anima.

Oh, che vita più assurda e sprecata / se al Bene si è soltanto negata.

Qui, Tartamo riflette sulla futilità di una vita vissuta negando il bene. La vita diventa "assurda e sprecata" se non si persegue il bene, implicando che il senso della vita risiede nell'apertura agli altri e nella bontà.

Il dono di sé è fonte di gioia, / il resto, è farsa di pace. E noia.

Il poema conclude con una chiara dichiarazione: la vera gioia viene dal donarsi agli altri. Tutto il resto, che potrebbe sembrare pace, è solo una farsa e conduce alla noia. Questo suggerisce che l'autenticità e il senso di realizzazione derivano dall'altruismo.

"E muore" di Ben Tartamo è un poema conciso ma potente che esplora temi di isolamento, generosità, e il significato della vita. Con un linguaggio semplice e diretto, Tartamo invita il lettore a riflettere sulla propria esistenza, promuovendo il dono di sé come chiave per una vita piena e soddisfacente.

''Adesso'' - Carlo Chionne

La poesia di Carlo Chionne offre una riflessione critica sulla religione e l'umanità, contrapposta alla visione tradizionale di Dio e al significato dell'esistenza umana. Ecco i punti principali:

Dio e Umanità: Chionne propone che, se Dio esistesse, l'umanità non avrebbe reale significato. L'uomo è descritto come una combinazione di animalità (bisogni materiali) e pensiero (riflessioni filosofiche), con la libertà e la rivolta come elementi centrali.

Materia vs. Spirito: L'autore sostiene che la materia, non lo spirito, è alla base della vita e della creazione di Dio. Lo spirito è visto come un'invenzione umana priva di valore reale.

Critica alla Religione**: La Bibbia e la figura di Dio sono criticati come manifestazioni di gelosia, ingiustizia e autoritarismo. L'autore contesta la narrazione del peccato originale e la reazione divina, considerandola ridicola e contraddittoria.

L'Assenza di Dio e l'Umanità: Dio viene descritto come assente, lasciando la terra in balia di conflitti e disastri. L'autore osserva come l'umanità abbia iniziato a prendere controllo del proprio destino, diventando più "umana" senza la guida divina.

Critica ai Leader Moderni: Chionne critica i leader politici contemporanei come Giorgia Meloni e Matteo Salvini, accusandoli di sfruttare la religione per manipolare le persone e perpetuare il caos.

La poesia conclude con una riflessione sul bisogno di esprimere la propria frustrazione e il sollievo ottenuto attraverso lo sfogo, senza alcun vantaggio materiale.

Nel complesso, la poesia di Chionne offre una critica incisiva alla religione tradizionale e una visione materialista e realista della condizione umana.

"Il vecchio pescatore" di Alessio Romanini

La poesia di Alessio Romanini esplora il tema della fatica e della solitudine attraverso l'immagine del vecchio pescatore, utilizzando un linguaggio evocativo per esprimere riflessioni sulla vita e sull'esistenza umana.

La prima sezione descrive il pescatore con una schiena curva e una canna da pesca che riflettono la sua debolezza e la sua fatica. L’immagine delle onde e delle rughe accentua la durezza della vita del pescatore e il suo stato di solitudine e tristezza, che rispecchiano la condizione dell'anima del narratore.

Nella seconda sezione, le braccia tremanti del pescatore e la sua fatica sono simboli della sua esperienza di vita e della sua lotta contro il mare. L’orizzonte che guarda con amarezza rappresenta il rimpianto per una vita non vissuta pienamente. Le braccia tremanti sono paragonate ai suoi pensieri, suggerendo una profonda disillusione e un senso di vuoto interiore.

Il vecchio pescatore è una figura simbolica della fatica e della solitudine umana. Le sue caratteristiche fisiche e il suo comportamento riflettono il peso e la difficoltà della sua esistenza.

La poesia esplora il tema del rimpianto per una vita non pienamente realizzata e la riflessione sull'esistenza. L'immagine del mare e delle rughe serve a sottolineare il conflitto tra la vita vissuta e quella non realizzata.

In sintesi, la poesia di Romanini utilizza il ritratto di un vecchio pescatore per riflettere su temi universali di solitudine, fatica e rimpianto, offrendo una meditazione profonda sulla condizione umana.

Prof. Marino Spadavecchia

"La chiamano famiglia ma son Lacrime precarie di donne simili" di Piacentino Alessandra

In "La chiamano famiglia ma son Lacrime precarie di donne simili", Piacentino Alessandra offre un doloroso affresco della condizione femminile, incorniciando la quotidianità di molte donne attraverso un lessico crudo e immediato. La metrica, volutamente spezzata, riflette la frammentazione interna delle protagoniste. Con echi di autori come Sylvia Plath, la poetessa scava nella dimensione del sacrificio materno e del silenzio imposto, illuminando le "madri dannate" che, armate solo di un fazzoletto, affrontano la brutalità di una società patriarcale. Il verso che colpisce maggiormente è "Ed il tuo nome è nel mio cuore," che suggella un messaggio di resistenza e di memoria emotiva, nonostante la sofferenza e l'invisibilità sociale. Questo verso riecheggia con un’intensità che ricorda le grida soffocate delle eroine tragiche, rappresentando un atto di dignità e di rivendicazione identitaria.

"Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria" di Franco Fronzoli

Franco Fronzoli, in "Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria", compone un inno alla sua terra natale con una delicatezza quasi pittorica. La struttura del poema, stratificata in versi che evocano immagini olfattive e visive, richiama la tradizione della poesia paesaggistica italiana, da Montale a Cardarelli. La cadenza lenta e riflessiva del verso iniziale, "Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria," introduce il lettore a un viaggio sensoriale tra "profumo di basilico," "lenzuola al vento," e "notti magiche." Il linguaggio è ricco di musicalità interna, e la ripetizione di elementi naturali e culturali crea un ritmo che accompagna il lettore in un’esperienza sinestetica. Particolarmente potente è il verso "Genova distesa sul letto di dolore di un ponte crollato e subito rianimato," che riassume la resilienza e la capacità di rinascita della città, trasformando il dolore in forza collettiva. Questo verso è un monito alla memoria e una celebrazione della vita che continua nonostante la tragedia.

"The Discreet Charm of Neoliberalism" di Meena Kandasamy

In "The Discreet Charm of Neoliberalism", Meena Kandasamy affronta con feroce eleganza le contraddizioni e le falsità del neoliberismo. Il titolo stesso, che richiama il celebre film di Buñuel, anticipa un'opera che si muove tra ironia e critica sociale. La poesia, intrisa di riferimenti culturali e politici, usa un linguaggio accessibile ma denso di significato. La frase "Neoliberalism is not a word that belongs in any poem" riflette una consapevolezza meta-poetica che destabilizza le convenzioni letterarie, integrando la critica economica in un contesto lirico. La descrizione dell'amante che "kisses me, always, on the eyelids first" contrasta con la freddezza del discorso economico, creando un dualismo tra intimità e alienazione. Il verso "They have reduced language to a rotting corpse" è particolarmente incisivo, richiamando l'idea di una società che ha mercificato anche il linguaggio, privandolo di autenticità e vitalità. Kandasamy riesce a tessere un commentario sul potere e la resistenza, dove l'amore diventa un atto di sfida contro la spersonalizzazione imposta dal sistema neoliberale.

"Alle origini" di Felice Serino

In "Alle origini", Felice Serino ci trasporta in una dimensione atemporale, dove il concetto di "reset" della vita viene esplorato con delicatezza e profondità. La struttura della poesia è breve ma intensa, caratterizzata da un linguaggio essenziale e immagini potenti che evocano un ritorno alla purezza primordiale. Il verso "torneremo alle origini / come quando eravamo / non duplicati non infangati: veri" è particolarmente evocativo, richiamando l’idea di un'umanità incontaminata e autentica. La poetica di Serino si inserisce in una tradizione lirica che abbraccia il simbolismo e la ricerca di una verità esistenziale, risuonando con le opere di poeti come Rainer Maria Rilke. Il richiamo alla "prima luce" diventa un simbolo universale di rinascita e speranza, un tema che attraversa secoli di letteratura e filosofia.

"Per un solo istante" di Bruno Castelletti

Bruno Castelletti, con "Per un solo istante", ci regala una riflessione malinconica sull’amore e la giovinezza perduta. La narrazione poetica è intrisa di nostalgia e rimpianto, con un linguaggio semplice e diretto che risuona di autenticità. Il poeta utilizza immagini vivide, come "la piazza del paese traboccava / del vostro riso e delle vostre intese," per creare un contrasto tra il passato gioioso e il presente impregnato di desiderio inappagato. Il cuore del poema si trova nel verso "Intatta la tua luce, / intatta la freschezza / di quel tuo seno / bello e prorompente," dove la bellezza e la vitalità giovanile dell’amata sono rese eterne nella memoria del poeta. Castelletti riesce a catturare l'essenza dell'attimo fuggente, un tema caro ai poeti romantici e decadenti, mescolando con maestria il rimpianto per il tempo passato con un desiderio inalterato.

"L'ombra nera" di Cristiano Berni

"L'ombra nera" di Cristiano Berni è un grido di allarme e un atto di accusa contro le forze oscure che minacciano la società contemporanea. La poesia, con il suo tono apocalittico e la sua denuncia sociale, si inserisce nel solco della poesia civile e di protesta, ricordando le opere di autori come Pier Paolo Pasolini. Berni utilizza un linguaggio forte e diretto per descrivere "un'ombra di razzismo e intolleranza," creando un quadro desolante della condizione attuale dell'Italia. La ripetizione del termine "ombra nera" crea un ritmo incalzante e martellante, sottolineando l'urgenza e la gravità della situazione. Il verso "Potere di pochi / e schiavitù di molti" sintetizza efficacemente il messaggio del poema, richiamando alla mente le disuguaglianze sociali e politiche che affliggono il mondo moderno. Berni, con il suo stile incisivo e il suo impegno civile, ci invita a riflettere sulle minacce che incombono sulla nostra civiltà e a non arrenderci di fronte all'oscurità.

"Gesù Gesù, quanto amore mi dai!" di Pasquale Mesolella

Pasquale Mesolella, nel suo inno intimo "Gesù Gesù, quanto amore mi dai!", ci porta in un viaggio interiore profondamente personale e spirituale. Il poeta utilizza un linguaggio colloquiale e semplice, che crea un ponte diretto tra il lettore e le sue esperienze di dolore e redenzione. Le immagini del "cane fuggiasco" e del "camminare sotto i ponti" evocano una vita di emarginazione e sofferenza, ma queste immagini sono contrapposte al ripetuto e fervente riconoscimento dell'amore divino: "Gesù Gesù, quanto amore mi dai!". Questa dicotomia tra la sofferenza terrena e l'amore divino crea una tensione emotiva che permea tutto il testo, richiamando alla mente le opere di poeti come Cesare Pavese, dove il tormento esistenziale è mitigato dalla ricerca di un senso più alto. Mesolella riesce a fondere la quotidianità più cruda con una spiritualità profonda, offrendo al lettore un'esperienza poetica che è al contempo terrena e trascendente.

"Gendai Haiku" di Laura Lapietra

Laura Lapietra, con il suo "Gendai Haiku", dimostra una maestria nell'arte della sintesi poetica tipica della tradizione giapponese. Il verso "sopra l'ombrello é pioggia a catinelle - / suoni di clacson" dipinge un quadro urbano vivido e immediato, dove la natura e la modernità si incontrano in una scena quotidiana. L'haiku di Lapietra segue le convenzioni classiche del genere, ma con un tocco contemporaneo, catturando un momento fugace con precisione e profondità. La scelta delle immagini, semplici ma evocative, rispecchia l'estetica del wabi-sabi, celebrando la bellezza dell'impermanenza e dell'imperfetto. Questo haiku non solo comunica una scena visiva, ma anche un suono e un'atmosfera, dimostrando la capacità della poesia breve di evocare un'esperienza sensoriale completa.

"Un fatto, una poesia" di Armando Bettozzi

Armando Bettozzi, con "Un fatto, una poesia", ci offre una critica sociale acuta mascherata da un dialogo quasi teatrale. Utilizzando un linguaggio dialettale e un tono ironico, il poeta esprime il disincanto verso il panorama politico francese e, per estensione, verso la democrazia contemporanea. La poesia si sviluppa come una conversazione vivace e sarcastica, in cui Bettozzi mette in luce la confusione e il caos seguiti alle elezioni, rappresentati dalla metafora della "tour de babèl." Il gioco di parole e le immagini vivide, come "l'ammucchiata de li pistacalli / che cianno er gallinaro come sito," sottolineano la percezione di un disordine politico e sociale. La capacità di Bettozzi di intrecciare critica sociale e umorismo ricorda lo stile di autori come Trilussa, creando un'opera che è al contempo provocatoria e intrattenente.

"Dovunque tu sei (A Elena)" di Salvatore Armando Santoro

Salvatore Armando Santoro, nel suo delicato omaggio "Dovunque tu sei (A Elena)", cattura l'essenza dell'amore e della presenza immutabile di una persona cara. La poesia si articola come una dichiarazione di presenza eterna e rassicurante, dove la figura di Elena diventa una stella luminosa che, nonostante l'ombra, continua a brillare con intensità propria. L'uso di versi semplici e diretti, come "Ancora ci sei / presente tu sei," conferisce al testo una sincerità e una profondità emotiva che risuonano nel lettore. La struttura ritmica e l'uso di ripetizioni creano una sorta di mantra, una preghiera laica che celebra la connessione indissolubile tra due anime. Santoro riesce a trasmettere un senso di conforto e speranza, rendendo palpabile l'idea che l'amore vero trascende tempo e spazio.

"Esuber-danza" di Ben Tartamo

Ben Tartamo, con la sua vivace "Esuber-danza", esplora il tema della sincerità e della verità attraverso un linguaggio esuberante e lirico. La poesia si apre con un'ode alla "cinica intransigenza", un invito a esprimere senza remore ciò che si pensa. L'autore celebra la purezza dell'onestà, contrapposta all'ipocrisia, e lo fa con un ritmo musicale che ricorda una danza, come suggerito dal titolo stesso. L'uso di rime e assonanze, come in "quell'esuberante essenza / di una primavera mensa," crea un flusso armonioso che riflette l'idea di un'anima libera e sincera. Tartamo incarna la poesia come un atto di carità, un dono di verità che scardina l'ipocrisia con la sua "sferzante poesia". La sua capacità di infondere energia e movimento nei versi rende la lettura un'esperienza dinamica e coinvolgente, invitando il lettore a riflettere sulla propria autenticità.

"Interpreti" di Alessio Romanini

Alessio Romanini, in "Interpreti", ci introduce in un teatro metaforico dove ogni individuo è un attore su un palcoscenico globale. La poesia, con il suo tono teatrale e solenne, invita i lettori a riconoscere il ruolo che ciascuno di noi gioca nella "scena" della vita. L'apertura, "Benvenuti in questo gaudio teatro", stabilisce immediatamente un'atmosfera di spettacolo e introspezione. Romanini utilizza l'immagine della maschera per rappresentare le facciate che indossiamo nella società, e il "sipario" che sale diventa una metafora per la verità che si rivela. Il messaggio si rivolge a coloro che, seduti in platea, osservano la realtà con occhi distorti dalla stoltezza, suggerendo una critica sottile alla passività e alla superficialità. La chiusa, "Arrivederci nel mesto teatro," lascia un sapore agrodolce, una riflessione sulla transitorietà della vita e il nostro ruolo in essa.

"La vita chiama" di Sandra Greggio

Sandra Greggio, con "La vita chiama", ci guida attraverso un percorso di ritorno all'essenza e alle radici dell'esistenza. La poesia è un viaggio di riscoperta personale e di riconnessione con ciò che è stato abbandonato troppo a lungo. L'incipit ripetuto, "È tempo che io ritorni", funge da ritornello, sottolineando l'urgenza e la necessità di questo ritorno. La poetessa utilizza immagini evocative e leggere, come "foglia dal vento portata" e "farfalla sul fiore posata", per rappresentare la sua assenza e il suo vagabondare. La casa silenziosa e il fuoco spento simbolizzano il vuoto e la mancanza di calore e vita che ora cerca di riaccendere. La chiusa, con la dichiarazione "È tempo di vivere di nuovo", non è solo un desiderio ma una risoluzione piena di speranza e determinazione. Greggio riesce a trasmettere un senso di rinascita, di un ritorno non solo fisico ma anche emotivo e spirituale.

"Gocce d'infinito" di Antonia Scaligine

Antonia Scaligine, in "Gocce d'infinito", ci offre una riflessione profonda e malinconica sulla natura transitoria delle emozioni e dei ricordi. La poetessa utilizza la metafora delle "gocce d'infinito" per rappresentare le emozioni fugaci che, come gocce, si accumulano e svaniscono, lasciando tracce sottili ma indelebili. La poesia è un lamento per le sensazioni perdute, con immagini potenti come "il giorno che si accascia sul letto della sera" e "mi accascio nell’ombra della notte". Scaligine descrive un viaggio attraverso i ricordi, sospeso tra nostalgia e rassegnazione, con un ritmo che imita il fluire lento e inevitabile del tempo. La sua lotta per aggrapparsi ai ricordi e alle emozioni passate è palpabile, e la conclusione lascia un'impressione di un desiderio insoddisfatto ma persistente. L'immagine delle "gocce d'infinito" che cadono in una stanza vuota evoca un senso di solitudine e di ricerca continua di significato e di connessione.

"Miagolatore seriale" di Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, con "Miagolatore seriale", ci trascina in un universo di passione e malinconia, tessendo un'opera intrisa di simbolismo e immagini evocative. La poesia si apre con un’immagine notturna, dove il buio regna sovrano e il cuore dell'io lirico brucia di desiderio. Miu usa metafore ardite e potenti, come "fantasmi come anemoni in un mar di stelle", per trasportarci in una dimensione onirica e surreale.

Il "gatto miagolatore seriale" rappresenta l'io lirico, un amante respinto e invisibile, che sanguina inchiostro per trasformare il suo dolore in poesia. Questo gatto non è semplicemente un animale, ma un simbolo dell'artista tormentato, del poeta che, come Poe, è afflitto e consumato dai propri demoni. La sua notte è popolata da "demoni venuti dall’oblio" che custodiscono una porta inaccessibile, metafora di un amore irraggiungibile.

La sezione finale della poesia porta un cambiamento tonale. Il linguaggio si fa più concreto, quasi urbano, con odori di "olio motore e fumi" che si mescolano ai profumi naturali, segno di una vita vissuta intensamente e di una città che consuma i suoi abitanti. Nonostante la desolazione, l'io lirico persevera, non per salvare l’amata, ma per esprimere un amore che è al contempo una condanna e una dichiarazione di eterno desiderio.

"Nemesi" di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano, in "Nemesi", offre una visione apocalittica e morale della condizione umana. La poesia è un sonetto classico, in cui la natura, personificata e adirata, si vendica delle offese subite dall'umanità. La "natura violentata" reagisce con "ira funesta", un'eco virgiliana che sottolinea la gravità dell'offesa e la severità della punizione.

Il "virus che divenne una tempesta" è descritto come un'azione di pulizia, una sorta di igiene universale che richiama le sanzioni bibliche. L’immagine delle "salme a grandinata" è potente e macabra, evocando una catastrofe di proporzioni epiche. La poesia si sviluppa come un monito, suggerendo che questa punizione divina dovrebbe servire da lezione all'umanità.

Tuttavia, l'ultima terzina introduce una nota di pessimismo: l'uomo, una volta superata la crisi, tornerà rapidamente ai suoi vecchi peccati. Questo finale sconfortante riflette una visione ciclica e fatalista della storia umana, dove la speranza di redenzione è vana. Romano ci lascia con una riflessione amara sulla natura umana e la sua incapacità di imparare dalle proprie azioni.

Prof. Marino Spadavecchia

"A Aurelio per il… 7 luglio 2024" di Armando Bettozzi

Il componimento è strutturato in quattro quartine con rime alternate (ABAB), seguendo un ritmo classico che conferisce musicalità al testo. Questa scelta metrico-stilistica evoca reminiscenze della tradizione poetica italiana, in particolare dei sonetti petrarcheschi e delle rime giocose di Lorenzo de' Medici.

La poesia si incentra sul tema del passare del tempo e della riflessione sulla vita, elementi comuni nella lirica filosofica e riflessiva. L'uso di domande retoriche nelle prime due righe ("Il Tempo passa e noi gli andiamo appresso. / O è il contrario, e è lui a trascinarci?") invita il lettore a considerare la propria percezione del tempo, un tema caro alla letteratura esistenziale di autori come Leopardi e Montale.

L'autore celebra il compleanno di Aurelio, enfatizzando un approccio ottimistico e vitale alla vita. Il tono della poesia è di serena accettazione, con un sottotono di ironia bonaria, specialmente nel descrivere le "magagne" dell'età avanzata.

Il componimento richiama alla mente lo stile colloquiale e riflessivo di poeti come Trilussa, noto per il suo modo di trattare temi profondi con leggerezza e semplicità. Inoltre, la celebrazione della vita quotidiana e delle sue piccole gioie è un tratto distintivo della poetica di Pascoli, che Bettozzi sembra rievocare.

"Dileggio" di Salvatore Armando Santoro

La poesia è composta da quattro quartine con rime alternate (ABAB), ma il tono e lo stile differiscono notevolmente dalla prima. Qui, la metrica regolare serve a sottolineare la linearità del pensiero dell'io lirico, creando un contrasto tra la calma apparente della forma e l'intensità emotiva del contenuto.

"Dileggio" esplora il tema della delusione amorosa e del desiderio non corrisposto. L'autore utilizza un linguaggio semplice e diretto, evocando un'immagine di quotidianità e malinconia. La scena iniziale del parcheggio sotto il balcone e il vento che "sembra proprio un chiacchierone" richiamano atmosfere cinematografiche, simili a quelle presenti nelle poesie di Eugenio Montale, dove il paesaggio diventa metafora dei sentimenti interiori.

Il tono della poesia è dolente e riflessivo, con un finale che esprime un senso di rassegnazione e amarezza ("solo dileggio spetta a chi sa amare"), ricordando la disillusione presente nella poesia crepuscolare di Gozzano.

Il componimento di Santoro può essere accostato alla tradizione lirica italiana che esplora la tematica dell'amore non corrisposto, simile al Petrarca del Canzoniere, dove l'assenza dell'amata e il dolore dell'innamorato sono temi ricorrenti. Inoltre, l'introspezione e il senso di perdita richiamano le opere di Umberto Saba, che spesso trattava la fragilità dei sentimenti umani.

"Cose belle che scalpitano dentro" di Alessandra Piacentino

Il componimento di Alessandra Piacentino è libero da vincoli metrici e rime, seguendo una struttura tipica della poesia moderna. L'uso del verso libero permette una fluidità espressiva che enfatizza le immagini evocative e la spontaneità del pensiero poetico.

La poesia esplora il tema delle emozioni e delle bellezze nascoste dentro di noi, paragonandole a elementi naturali e fenomeni atmosferici. La scelta di parole come "corolle di petali rosa", "steli di stelle", e "fusa mature di un girasole" crea un ricco tessuto di immagini sensoriali che richiamano alla mente la poesia di autori come Federico García Lorca e la sua capacità di dipingere scene vivide e surreali.

L'autrice utilizza una serie di metafore per descrivere le emozioni interne, come "Cavalli in quest’aria rarefatta di primavera" e "arcobaleni infiniti di pugnali ed abbracci", accostando elementi contrastanti per enfatizzare la complessità delle sensazioni umane. Questo stile, che combina dolcezza e intensità, ricorda le opere di Emily Dickinson, dove la natura e le emozioni si intrecciano in modo profondo e personale.

Il ricorso a immagini della natura e la capacità di evocare sensazioni forti attraverso il linguaggio richiamano anche la poesia di Pablo Neruda, noto per la sua abilità nel trasformare l’ordinario in straordinario. Inoltre, la riflessione sul tempo che passa e la bellezza che permane, nonostante il cambiamento, può essere associata alla poetica di William Wordsworth, che esplora la continuità delle esperienze umane attraverso la natura.

"Cammino e vado incontro alla notte" di Franco Fronzoli

La poesia di Franco Fronzoli è anch'essa priva di una metrica rigida, caratterizzata da versi liberi che conferiscono al testo un tono meditativo e riflessivo. La frammentazione dei versi e l'uso di spazi bianchi creano una sensazione di pausa e respiro, invitando il lettore a seguire il ritmo interiore del poeta.

Il componimento esplora il tema del viaggio interiore e della ricerca di significato, con un forte senso di solitudine e introspezione. L'immagine del "cammino" è centrale e simbolica, evocando una peregrinazione non solo fisica ma anche spirituale. Il paesaggio descritto, con "alberi brulli senza foglie" e "nebbia sempre più intensa", crea un'atmosfera di desolazione e attesa, che ricorda le opere di autori come T.S. Eliot e la sua visione del mondo come un luogo di desolazione e ricerca.

La poesia si apre e si chiude con immagini di transizione, dalla notte al giorno, dalla nebbia al sole, riflettendo la ciclicità del tempo e della vita. Questa struttura ciclica e la meditazione sulla natura temporanea delle cose richiamano la poesia haiku giapponese, che spesso cattura momenti effimeri con grande intensità emotiva.

La riflessione sul tempo e la ricerca di significato nel cammino della vita possono essere paragonate alla poesia di Robert Frost, in particolare al suo famoso poema "The Road Not Taken", dove il viaggio e le scelte di vita diventano metafore della condizione umana. Inoltre, l'uso di immagini naturali e la descrizione dettagliata del paesaggio evocano lo stile di Wallace Stevens, che spesso utilizza la natura per esplorare temi filosofici e esistenziali.

"Equazione" di Enrico Tartagni

"Equazione" di Enrico Tartagni è una poesia che si distingue per la sua libertà metrica e la mancanza di uno schema di rime tradizionale. La struttura del testo segue il flusso del pensiero, frammentato e complesso, caratteristica che riflette l'agitazione e la confusione interna del poeta.

La poesia esplora il tema dell'alienazione e dell'incomprensione, utilizzando un linguaggio ricco di metafore e simbolismi matematici. Lo "stato di distrazione" che "passa senza morirne il mio corpo" e "assorbono inutili spazi allargati aequatio" suggeriscono una ricerca di ordine e significato in un mondo caotico. L'uso di termini come "fertile mezzaluna", "abaco di polvere di sabbie" e "Traslati i calcoli e gli amori" evoca immagini che combinano elementi scientifici con visioni poetiche, creando un effetto di disorientamento e meraviglia.

Il linguaggio scientifico e l'uso di immagini astratte ricordano le opere di autori come T.S. Eliot, noto per la sua capacità di mescolare cultura alta e bassa in un contesto poetico. La frammentazione del pensiero e la riflessione sull'incomprensibilità del mondo possono essere paragonate alla poesia di Paul Celan, che spesso esplora temi di trauma e disorientamento attraverso un linguaggio criptico e simbolico.

Tartagni utilizza l'anafora e l'enjambement per creare un ritmo incalzante che riflette l'agitazione interna del poeta. La mancanza di punteggiatura tradizionale e l'uso di frasi spezzate contribuiscono a un senso di urgenza e di caos, mentre le immagini scientifiche e naturali creano un contrasto affascinante tra ordine e disordine.

"A Poem On Not Writing Poems" di Meena Kandasamy

Il poema di Meena Kandasamy è anch'esso privo di una metrica rigida e si sviluppa attraverso versi liberi che riflettono una narrazione personale e profondamente emotiva. La struttura del testo segue un flusso di coscienza che collega riflessioni personali a osservazioni sociali e politiche.

Kandasamy esplora il tema del silenzio e della censura, sia autoimposta che esterna, in un contesto di repressione politica e sociale. La poesia affronta la difficoltà di esprimere il proprio dolore e la propria ribellione in un mondo in cui la verità viene spesso soppressa. L'immagine delle "donne Tamil" che tracciano il "kolam" ogni giorno diventa una potente metafora della resistenza e della creatività femminile di fronte all'oppressione.

La riflessione sulla censura e la repressione richiama le opere di autori come Anna Akhmatova e Osip Mandelstam, che hanno affrontato temi simili nelle loro poesie sotto i regimi totalitari. Inoltre, l'uso del simbolismo culturale e delle immagini quotidiane per esprimere temi profondi è una tecnica che può essere paragonata alla poesia di Adrienne Rich, che spesso esplora la politica del corpo e della voce femminile.

Kandasamy utilizza l'allitterazione, l'anafora e le metafore per creare un testo ricco e stratificato. L'uso di immagini quotidiane, come il "kolam" e la "farina di riso", conferisce al poema una dimensione domestica e intima, mentre la riflessione sulla repressione politica aggiunge un livello di urgenza e gravità. La combinazione di personale e politico è tipica della poesia confessionale, ma con una forte componente di resistenza e resilienza.

"Luce di luna" di Antonietta Ursitti

"Luce di luna" di Antonietta Ursitti presenta una struttura libera, senza una metrica fissa o uno schema di rime rigido. La poesia è composta da versi brevi che conferiscono un ritmo delicato e cullante, in sintonia con il tema della luna che culla i pensieri.

Il tema principale della poesia è la serenità e la quiete notturna, rappresentate dalla luce della luna. La luna è personificata come una figura materna che lambisce le "nuvole strappate" e culla i pensieri "stretti nel tuo abbraccio materno". Questa immagine evoca una sensazione di calma e protezione, sottolineata dall’uso di termini come "calmo riflesso", "limpide acque del mare" e "tiepido vento della sera".

La rappresentazione della luna come una figura confortante e materna richiama alla mente il lavoro di autori romantici come Percy Bysshe Shelley e John Keats, che spesso descrivevano la luna come una fonte di bellezza e tranquillità. Inoltre, l’uso del paesaggio notturno e delle immagini naturali può essere paragonato alla poesia di Federico García Lorca, che spesso esplora temi simili con un linguaggio evocativo e sensuale.

Ursitti utilizza immagini visive potenti e personificazioni per creare un’atmosfera di quiete e introspezione. La scelta di termini morbidi e fluidi contribuisce a un senso di dolcezza e pace. L’assenza di rime e la struttura libera permettono alla poesia di scorrere come un riflesso della luce lunare sulle acque, fluido e naturale.

"All’improvviso" di Renzo Montagnoli

"All’improvviso" di Renzo Montagnoli è una poesia in versi liberi, senza rime fisse, che segue un flusso narrativo riflessivo. La struttura è più lunga rispetto a "Luce di luna", con una progressione che accompagna il lettore attraverso un viaggio emotivo e temporale.

Il tema centrale della poesia è la riflessione sul passare del tempo e la consapevolezza dell’invecchiamento. Montagnoli descrive con precisione e delicatezza il momento in cui una persona riconosce i segni del tempo sul proprio corpo e la propria mente, e affronta il rimpianto per le occasioni perdute. Tuttavia, c’è anche un senso di accettazione e di speranza, rappresentato dal "ricordo di due occhi che ti incantarono" e dall’"oasi insperata nel deserto del grigiore".

Il tema dell’invecchiamento e del rimpianto richiama alla mente le poesie di William Butler Yeats, in particolare "Sailing to Byzantium", dove il poeta riflette sulla vecchiaia e la ricerca di un senso di immortalità attraverso l’arte. Anche Philip Larkin, con le sue poesie sulla mortalità e il passare del tempo, può essere visto come un parallelo letterario.

Montagnoli utilizza una lingua semplice ma evocativa, con immagini chiare e immediate che descrivono il corpo e la mente invecchiati. L’uso di ripetizioni, come in "fatica il tuo corpo, fatica la tua mente", rafforza il senso di stanchezza e rassegnazione. La transizione dalla descrizione fisica a quella emotiva, culminando in un’accettazione malinconica ma serena del proprio stato, crea un percorso emotivo coinvolgente e universale.

"Segmenti" di Felice Serino

"Segmenti" di Felice Serino è una poesia libera, priva di una metrica rigida o di uno schema di rime. La struttura irregolare dei versi riflette il contenuto frammentato e pensieroso del testo, con l'uso di enjambement che guida il lettore attraverso il flusso di pensieri dell'autore.

Il tema centrale della poesia è la riflessione sull'identità e la percezione, con una particolare attenzione ai pensieri e alle emozioni che attraversano la mente. La domanda iniziale "saprò io riconoscerti?" introduce l'incertezza e il dubbio esistenziale, mentre l'immagine del "moscerino" che attraversa la "luminosità del monitor" simboleggia la natura fugace e frammentata dei pensieri umani.

La riflessione sull'identità e la percezione richiama alla mente le opere di poeti modernisti come T.S. Eliot, che esplorano la frammentazione della mente moderna e la complessità dell'esperienza umana. Anche i temi di luce e cosmo possono trovare eco nella poesia di Wallace Stevens, noto per la sua esplorazione della realtà e della percezione attraverso immagini evocative.

Serino utilizza immagini visive potenti e un linguaggio evocativo per esprimere la complessità dei pensieri. L'immagine del moscerino che attraversa il monitor crea un parallelo visivo con i pensieri che attraversano la mente, mostrando come entrambi siano fugaci e inafferrabili. La struttura irregolare dei versi riflette la natura tortuosa e frammentata dei pensieri, sottolineando l'idea di un costante arrabattarsi tra le righe della vita.

"Pensieri" di Bruno Castelletti

"Pensieri" di Bruno Castelletti è una poesia caratterizzata da una struttura regolare, con versi brevi e ritmati che conferiscono un senso di leggerezza e fluidità al testo. L'assenza di uno schema di rime rigido permette alla poesia di mantenere un tono naturale e spontaneo.

Il tema principale della poesia è la natura effimera e mutevole dei pensieri, rappresentati attraverso immagini delicate e naturali. I "pensieri color rosa" e le "labbra come fiori di pesco a primavera" evocano un senso di freschezza e rinascita, mentre i "pensieri leggeri come nuvole lievi" sottolineano la loro transitorietà.

L'uso di immagini naturali e la celebrazione della bellezza effimera dei pensieri richiamano alla mente la poesia di William Wordsworth, che spesso esplora la connessione tra la natura e le emozioni umane. Anche i poeti giapponesi haiku, come Bashō, possono essere considerati un parallelo per l'abilità di Castelletti di catturare momenti fugaci e renderli eterni attraverso la poesia.

Castelletti utilizza un linguaggio semplice e diretto, con immagini vivide e immediate che evocano la bellezza della natura e dei pensieri. La ripetizione di "Pensieri" all'inizio di ogni strofa crea un ritmo incalzante e un senso di continuità, mentre le immagini di fiori, nuvole e cieli turchini conferiscono alla poesia una qualità sognante e serena.

 "Monoku" di Laura Lapietra

"Monoku" è un breve componimento poetico che aderisce alla forma tradizionale giapponese, simile a un haiku, ma composto di un solo verso. Questa brevità esige una concisione estrema e una capacità di evocare immagini vivide in pochissime parole.

Il tema principale del monoku è la bellezza naturale e la quiete che può portare l'osservazione attenta dell'ambiente circostante. Il verso unico, "caldi raggi di sole filtrano le magnolie fiorite", evoca un'immagine di luce e delicatezza, suggerendo un momento di contemplazione serena e intima.

La poesia di Lapietra richiama alla mente la tradizione dei poeti haiku giapponesi, come Matsuo Bashō, che utilizzano brevi versi per catturare momenti di bellezza naturale e stati d'animo transitori. L'uso di immagini naturali e la capacità di evocare un'atmosfera in poche parole sono tratti distintivi di questa forma poetica.

L'autrice utilizza un linguaggio semplice e diretto, con una forte attenzione alle immagini visive. La scelta delle parole "caldi raggi di sole" e "magnolie fiorite" crea un contrasto tra la luce e i colori della natura, trasmettendo un senso di calore e bellezza.

"Teriperacitando Amor" di Jacqueline Miu

"Teriperacitando Amor" è una poesia libera, priva di una metrica rigida o di uno schema di rime, ma caratterizzata da un flusso di immagini e sensazioni che si susseguono in modo fluido e naturale.

La poesia esplora temi di amore e desiderio, intrecciati con l'ambiente urbano di Milano. La Luna, le guglie del Duomo e la città stessa diventano simboli e testimoni del sentimento amoroso dell'autrice, che si esprime attraverso immagini evocative e cariche di emotività.

Il testo richiama la poesia romantica, dove i sentimenti personali vengono proiettati nel paesaggio circostante. L'uso di immagini urbane e naturali per esprimere l'amore può ricordare poeti come Charles Baudelaire, che trovava bellezza e significato nella città e nei suoi dettagli.

Miu utilizza un linguaggio ricco di immagini e metafore. La personificazione della Luna e delle guglie del Duomo, così come l'immagine dei "baci che t’arriveranno solo se prendi sonno", creano un'atmosfera magica e sognante. La struttura libera permette all'autrice di esprimere i suoi pensieri in modo spontaneo e fluido, catturando l'essenza del momento.

"All’improvviso" di Franco Fronzoli

"All’improvviso" è una poesia strutturata in versi liberi, priva di uno schema metrico fisso o di rime regolari. La lunghezza variabile dei versi e l'uso di enjambement contribuiscono a creare un ritmo naturale e meditativo.

Il tema principale della poesia è il passare del tempo e la riflessione sulla vecchiaia. L'autore esplora la consapevolezza del tempo che passa, le inevitabili trasformazioni fisiche e la ricerca di significato nella vita che si avvicina al tramonto.

La riflessione sul passare del tempo e sulla vecchiaia richiama alla mente i sonetti di William Shakespeare e le poesie di W.B. Yeats, che spesso esplorano temi di mortalità e trasformazione. La consapevolezza del tempo e il rimpianto per ciò che non è stato fatto sono temi universali nella letteratura.

Fronzoli utilizza un linguaggio semplice e diretto per esprimere concetti profondi e universali. Le immagini delle "rughe intorno ai contorni degli occhi" e dei "capelli che tendono al candore" evocano una sensazione di vulnerabilità e introspezione. La struttura libera della poesia permette all'autore di esplorare le sue riflessioni in modo fluido e naturale, creando un dialogo intimo con il lettore.

"Vita sogno, sogno vita" di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano esplora la dicotomia tra vita e sogno, un tema centrale nella filosofia e nella letteratura. Il confronto tra le visioni di Calderón de la Barca, con il suo celebre "La vida es sueño" (La vita è sogno), e di Federico García Lorca, con "La vida no es sueño. Alerta! Alerta! Alerta!" (La vita non è sogno. Allerta! Allerta! Allerta!), crea un ponte tra due concezioni opposte: la vita come illusione e la vita come realtà da affrontare con consapevolezza.

Il poeta affronta la questione esistenziale del significato della vita e del sogno, paragonandola al nodo di Gordio, un problema complesso e apparentemente insolubile. La metafora degli "specchi in gioco" evidenzia la complessità e l'interconnessione tra vita e sogno, suggerendo che entrambi sono riflessi e distorsioni dell'esperienza umana.

La poesia è composta da quattro strofe di versi endecasillabi, con una struttura che alterna rime baciate e rime incrociate. Questo schema conferisce al componimento un ritmo cadenzato e solenne, che si addice al tono filosofico e meditativo del testo.

Il linguaggio poetico è ricco di immagini e simboli che evocano la natura effimera e misteriosa della vita e del sogno. Termini come "specchi", "fantasmi della mente" e "grovigli di speranze" creano un'atmosfera onirica e introspezione, riflettendo la complessità dei temi trattati.

La vita e il sogno sono presentati come doni inaspettati e temporanei. La ripetizione del concetto di dono ("dono che non chiediamo") sottolinea la natura involontaria e misteriosa dell'esistenza e dei sogni.

Il riferimento a Calderón de la Barca e García Lorca posiziona il poema in un contesto letterario più ampio, collegandolo alla tradizione spagnola della riflessione esistenziale. La citazione di questi due autori sottolinea la tensione tra l'illusione e la realtà, un tema che ha attraversato secoli di letteratura e filosofia.

"Vita sogno, sogno vita" di Piero Colonna Romano è un'opera che invita alla riflessione profonda sul significato della vita e dei sogni. Attraverso un linguaggio ricco e un uso sapiente delle immagini, il poeta riesce a evocare l'intricato rapporto tra realtà e illusione, lasciando aperta la domanda esistenziale che ha affascinato pensatori e poeti per secoli. La poesia diventa così un viaggio introspezione, un percorso attraverso i "grovigli di speranze, certezze ed illusioni" che definiscono l'esperienza umana.

"Io, ciabattino di parole" di Ben Tartamo

"Io, ciabattino di parole" è una poesia introspettiva che esplora temi di redenzione, umiltà e l'arte della scrittura. Il poeta riflette sulla sua condizione umana e sul potere delle parole, paragonandosi a un ciabattino che ripara vecchie scarpe con chiodi ormai esauriti. La figura del ciabattino diventa una potente metafora per l'atto creativo del poeta che cerca di dare un nuovo significato e scopo alla propria esistenza attraverso la poesia.

Il tema centrale della poesia è la caduta e la redenzione. Il poeta si confessa come colpevole di aver offeso una dimensione superiore ("Te che sei Immensità") per via delle proprie debolezze e imperfezioni. Questa confessione è un atto di umiltà e riconoscimento della propria "Nullità" davanti a un'entità divina.

Nonostante la redenzione ricevuta ("mi hai levato / e una nuova veste / mi hai donato"), il dolore persiste. Questo rappresenta il peso del peccato e delle colpe passate, che rimangono come cicatrici nella vita del poeta. La nuova veste simboleggia una nuova opportunità, un rinnovamento spirituale, ma il dolore è un segno tangibile del percorso di espiazione.

La poesia è composta da versi liberi, senza uno schema metrico o rimico fisso. Questo conferisce al componimento una fluidità che riflette il flusso dei pensieri e delle emozioni del poeta. La scelta di un linguaggio semplice e diretto enfatizza l'intimità e la sincerità della confessione.

Il linguaggio della poesia è denso di simboli e immagini evocative. Il poeta si descrive come "ciabattino di parole", un artigiano che lavora con umiltà e fatica, cercando di riparare e rimediare attraverso le sue parole. Questa metafora suggerisce che le parole sono strumenti di guarigione e redenzione, anche se a volte sembrano insufficienti ("non ho altri chiodi / per le mie vecchie suole").

La poesia gioca molto sulla dualità: caduta e sollevamento, peccato e redenzione, dolore e guarigione. Questi contrasti creano una tensione che riflette il conflitto interiore del poeta e il suo desiderio di trovare pace e riconciliazione.

L'invocazione diretta al "Signore" e il riconoscimento della "Immensità" di Dio collocano la poesia in un contesto spirituale. Il tono di preghiera e confessione richiama la tradizione dei testi sacri e dei salmi biblici, dove l'individuo cerca il perdono e la guida divina.

l verso che colpisce particolarmente è:

"Ora non ho altri chiodi per le mie vecchie suole."

Questo verso è significativo perché sintetizza la condizione del poeta: un artigiano delle parole che ha usato tutti i suoi strumenti disponibili, sentendosi al contempo esausto e in cerca di nuovi mezzi per esprimere la propria arte. Rappresenta la lotta creativa e la continua ricerca di significato e redenzione attraverso la poesia.

"Io, ciabattino di parole" di Ben Tartamo è una riflessione intima e sincera sulla caduta e la redenzione. Attraverso un linguaggio semplice ma carico di simboli, il poeta esplora il tema della colpa e della guarigione spirituale, riconoscendo la propria fragilità e la necessità di un intervento divino. La poesia, con la sua struttura libera e il suo stile evocativo, offre una meditazione profonda sulla condizione umana e sulla possibilità di rinascita attraverso il dolore e la fede.

"Frangente" di Alessio Romanini

"Frangente" esplora la connessione profonda e intima del poeta con il mare, un tema classico della letteratura. Il mare è personificato come un'entità che chiama e accoglie, evocando sentimenti di nostalgia e speranza. Il poeta desidera riflettere la propria immagine nelle acque del mare, cercando una forma di purificazione e rigenerazione.

La poesia sottolinea anche il desiderio di quiete e silenzio, con il poeta che si lascia cullare dal suono delle onde e si abbandona alla serenità del mare. Questa ricerca di tranquillità rappresenta una fuga temporanea dalla frenesia della vita quotidiana, un rifugio spirituale e mentale.

La poesia è composta da versi liberi, senza uno schema metrico fisso. Questo conferisce al componimento un ritmo naturale che ricorda il movimento delle onde del mare. Le immagini evocative del gabbiano, delle onde schiumose e delle conchiglie creano un'atmosfera di serenità e contemplazione.

Le metafore del mare come specchio dell'anima e della conchiglia che dondola nel frangente sottolineano la profondità del legame del poeta con la natura. La conchiglia, in particolare, simbolizza fragilità e resistenza, riflettendo l'esperienza umana di trovare pace in mezzo al tumulto.

"La nicchia della vita" di Sandra Greggio

"La nicchia della vita" si concentra sulla ricerca della pace e della serenità in un mondo segnato da malattie e morte. Il poeta esplora vari luoghi – boschi, conchiglie, abissi marini – in cerca di una pace che sembra inafferrabile. Questo viaggio simboleggia la ricerca interiore dell'essere umano alla ricerca di significato e tranquillità.

La scoperta del bambino con grandi occhi e splendido sorriso rappresenta una rivelazione. Il poeta realizza che la vera pace risiede nella purezza e nell'innocenza dell'infanzia, incarnata dall'utero materno come luogo di protezione e serenità. Questa immagine richiama l'idea di un rifugio primordiale, un luogo incontaminato dove la vita inizia.

La poesia utilizza versi liberi, mantenendo un ritmo che segue il flusso dei pensieri del poeta. L'uso di immagini vivide e concrete, come gli "anfratti dei boschi" e le "conchiglie", crea un senso di tangibilità che rende il viaggio del poeta più reale e immediato.

Le metafore dell'utero materno come "nicchia protetta" e "dimora di questo bimbo" evidenziano la ricerca di un luogo sicuro e incontaminato. Questa rappresentazione della nascita come un rifugio di pace contrasta con la durezza del mondo esterno, enfatizzando il valore della purezza e dell'innocenza.

Prof. Marino Spadavecchia

''Risveglio sul Garda'' di Bruno Castelletti

In "Risveglio sul Garda," Bruno Castelletti dipinge un quadro sereno e idilliaco del Lago di Garda all'alba, utilizzando un linguaggio che richiama la delicatezza e la bellezza naturale del luogo. La poesia si apre con l'immagine delle creste che si colorano di rosa, evocando una sensazione di meraviglia e di rinascita. Questo momento di transizione tra la notte e il giorno è descritto come "l'inno della gioia", una metafora potente che celebra la continuità della vita e la bellezza del quotidiano.
 

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono senza rigide restrizioni metriche, riflettendo la naturalezza del paesaggio descritto. Castelletti utilizza una serie di immagini vivide e concrete: le finestre che si aprono nel turchino, il pescatore che distende le reti, il giardiniere che coltiva i fiori. Questi dettagli creano un senso di intimità e di connessione con la natura, simile alle descrizioni pastorali di William Wordsworth.
 

La presenza degli arcobaleni di farfalle e delle bianche vele sull'acqua verde-chiaro aggiunge un tocco di leggerezza e di speranza, completando il quadro di una mattina perfetta. La poesia culmina in un'immagine di pace e di armonia, suggerendo che la vera bellezza risiede nella semplicità della vita quotidiana.
 

''Monoku'' di Laura Lapietra
 

Il "Monoku" di Laura Lapietra è un distillato di pura essenza poetica. Questo breve componimento, che si potrebbe definire un haiku monorima, cattura in pochi versi un'intera scena di rinascita e freschezza. La nascita della rugiada tra i bocci di rose all'alba evoca una sensazione di purezza e di nuovo inizio, un tema centrale nelle tradizioni poetiche giapponesi.
 

Lapietra, con la sua apparente economia di parole, riesce a trasmettere un'immagine chiara e vibrante, richiamando l'attenzione sui piccoli miracoli quotidiani che spesso passano inosservati. La freschezza della rugiada e la bellezza dei bocci di rose sono simboli di speranza e di rinnovamento, temi universali che trovano eco nelle opere di Matsuo Bashō e altri maestri dell'haiku.
 

''Tex'' di Armando Bettozzi
 

Armando Bettozzi, con "Tex," ci offre una riflessione acuta e pungente sulla manipolazione dell'informazione e l'importanza dell'onestà e del coraggio. La poesia è un omaggio al famoso personaggio dei fumetti Tex Willer, simbolo di giustizia e di rettitudine, contrapposto alla malafede della stampa e dei manipolatori moderni.
 

Bettozzi utilizza una metrica regolare e una rima alternata, conferendo al componimento un ritmo incalzante che rafforza il messaggio di denuncia. Le immagini dell'ape laboriosa e del fiore sano da cui trae il miele sono metafore potenti che contrastano con i petali che producono fiele, rappresentando la differenza tra la verità e la menzogna.
 

Il riferimento alla "Civiltà" e alla "Giustizia" come miraggi riflette un senso di disillusione, ma anche una speranza che, come nel Far-West di Tex, la verità e il coraggio possano prevalere. Questa poesia si inserisce in una lunga tradizione di critica sociale che trova paralleli nelle opere di autori come Bertolt Brecht e George Orwell, utilizzando il linguaggio della poesia per esprimere una profonda verità morale.
 

''Fiammate'' di Salvatore Armando Santoro
 

"Fiammate," di Salvatore Armando Santoro, è un sonetto che esplora l'intensità delle emozioni umane attraverso una serie di immagini vivide e vibranti. Il poeta, ispirato da una figura femminile ignara della sua influenza, dipinge un quadro lirico di amore e passione che brucia con l'intensità di un vulcano, simboleggiato dal Mongibello, o Etna.
 

Il sonetto è strutturato in rime alternate (ABAB ABAB CDE EDC FF), con un ritornello che richiama la musicalità e la ripetizione tipica delle ballate popolari. Le immagini naturalistiche—"tramonti e cieli tersi," "acqua di ruscello," "frinire dei grilli"—conferiscono alla poesia una qualità quasi pastorale, reminiscente delle egloghe di Virgilio, mentre il tono leggero e giocoso evoca la spensieratezza dei sonetti di Petrarca.
 

Santoro utilizza la metafora del pesce che balza fuori dall'acqua per rappresentare l'irruzione dell'amore nella sua vita, un tema che richiama le metamorfosi descritte nelle opere di Ovidio. Il cuore tremante e il narciso rappresentano rispettivamente la vulnerabilità e la vanità dell'amante, mentre il frinire dei grilli sottolinea la monotonia e l'insistenza del desiderio non corrisposto.
 

La poesia si conclude con una nota di malinconia, suggerendo che, nonostante l'intensità dei suoi sentimenti, l'amore rimane un sogno sfuggente, un tema universale che attraversa la letteratura di ogni epoca.
 

La versione russa di "Fiammate" mantiene la stessa struttura e intensità emotiva dell'originale italiano. Tradotto con cura, il testo cattura l'essenza della passione descritta dal poeta, arricchendo ulteriormente l'universalità dei sentimenti umani attraverso la lingua russa. L'uso delle stesse immagini—"tramonti e cieli tersi," "acqua di ruscello," "narciso"—rende evidente come le emozioni e le metafore poetiche possano trascendere le barriere linguistiche e culturali.
 

''Perché buio?'' di Alessandra Piacentino
 

In "Perché buio?" Alessandra Piacentino esplora il tema dell'oscurità interiore con una profondità che richiama le meditazioni esistenziali di autori come Emily Dickinson e Charles Baudelaire. La poesia si muove attraverso un ritmo libero, privo di una struttura metrica rigida, che riflette la natura frammentata e caotica dei pensieri e delle emozioni umane.
 

Il testo è ricco di immagini oscure e inquietanti: "Buio annegato nelle serrature delle porte," "relitti e sogni traditi," "respirare in una pozzanghera nera." Queste immagini evocano un senso di claustrofobia e disperazione, suggerendo un'esperienza di sofferenza e solitudine che si avvicina alle descrizioni infernali di Dante nella Divina Commedia.
 

Piacentino usa domande retoriche—"Perché buio?"—per esprimere l'angoscia e l'incomprensione di fronte all'oscurità, creando un dialogo interiore che riflette la ricerca di significato e di speranza. La poesia si chiude senza una risoluzione, lasciando il lettore a confrontarsi con l'inevitabilità dell'oscurità, un tema centrale nella filosofia esistenziale.
 

''Notte sola''di Cristiano Berni
 

"Notte sola", di Cristiano Berni, è una meditazione sull'isolamento e la malinconia, resa attraverso un linguaggio evocativo e lirico. La poesia si apre con un'immagine di quiete e silenzio, che presto si trasforma in un paesaggio emotivo dominato da rimorsi e malinconie. La "Luna bianca e lasciva" che splende alta nel cielo ricorda le descrizioni romantiche e gotiche di poeti come Edgar Allan Poe e Percy Bysshe Shelley.
 

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono come il pensiero stesso, senza restrizioni formali. Le immagini della pioggia e delle stelle che piangono creano un'atmosfera onirica e surreale, suggerendo una fusione tra il mondo esterno e l'interiorità del poeta.
 

Berni utilizza un linguaggio ricco di ossimori e contrasti—"orrenda e sublime," "lacrime ed il fumo"—per esprimere la complessità delle emozioni umane. Il tintinnio della pioggia magra, che confonde i pensieri del poeta, è una metafora potente della confusione e del tormento interiore, evocando l'immagine del caos che scaturisce dall'apparente tranquillità della notte.
 

In conclusione, "Notte sola" è una riflessione profonda e toccante sulla solitudine e il dolore, che invita il lettore a esplorare le proprie emozioni e a confrontarsi con le ombre che abitano l'animo umano.
 

''Ho pianto lacrime mute nel silenzio''di Franco Fronzoli
 

In questa lirica struggente, Franco Fronzoli esplora il dolore del distacco e la solitudine che ne consegue. Il poeta utilizza versi liberi e privi di rime, una scelta che riflette la frammentazione e la discontinuità dell’esperienza emotiva descritta. L'assenza di una metrica rigida conferisce al testo un ritmo naturale, simile a un flusso di coscienza, che avvicina il lettore alla dimensione intima del poeta.
 

Il tema della lacrima muta, ripetuto in varie sezioni della poesia, richiama il concetto di un dolore profondo e silenzioso, che si manifesta in un contesto di intimità e vulnerabilità. L’atto di piangere in silenzio per non disturbare il sonno dell’amata sottolinea una delicatezza e un rispetto per i sentimenti dell’altro, anche nel momento del massimo dolore. Questa contrapposizione tra il bisogno di esprimere il proprio dolore e la necessità di proteggere l’altro ricorda le tematiche delle liriche di Pablo Neruda, in cui l’amore e la sofferenza si intrecciano in modo indissolubile.
 

Le immagini dei "tramonti seduti sulla sabbia" e il riferimento a "un angolo del mio cuore dove non fa male" evocano una nostalgia che è allo stesso tempo dolce e dolorosa, un sentimento che ha trovato una sua forma di pace, pur nella consapevolezza dell'irreversibilità della perdita. La conclusione, con la decisione di non aspettare più un ritorno e di non voler più versare lacrime mute, rappresenta una sorta di risoluzione e accettazione del proprio destino, un tema caro alla poesia esistenzialista.
 

''Resilienza'' di Bruno Amore
 

In "Resilienza", Bruno Amore celebra la capacità umana di sopravvivere e prosperare nonostante le avversità, utilizzando la metafora della pianta di "rosa maris" che cresce contorta e robusta. La poesia è composta da versi liberi, che permettono una fluidità e una naturalezza nella narrazione, simili allo stile di Walt Whitman, che celebrava la forza e la bellezza della natura e dell'animo umano.

L’immagine dell'arbusto che si infoltisce e ombreggia per alleviare l'arsura delle proprie vene è una potente rappresentazione della resilienza, che non si basa sull'arroganza (albagia) ma sull'istinto e sulla necessità di sopravvivenza. Questa descrizione richiama le tecniche di personificazione utilizzate dai poeti romantici, che vedevano la natura come uno specchio delle emozioni umane.

L’uso di termini come "fibra d’acciaio" e "curvo il groppone" sottolinea la forza fisica e spirituale necessaria per proteggere e salvare i propri cari dalla disgrazia, un tema che si rispecchia nella poesia di Robert Frost, dove la lotta contro le forze avverse della natura rappresenta metaforicamente la lotta dell’individuo contro le difficoltà della vita.

L’ultima strofa introduce un tono filosofico, con riflessioni sul destino e sulla cupidigia umana, che si scontrano con la purezza intonsa del firmamento celeste. Questo contrasto tra il divino e l’umano, tra l’immenso e il contingente, riecheggia i temi presenti nelle opere di poeti metafisici come John Donne, che esploravano la tensione tra la spiritualità e la realtà terrena.

''La felicità'' di Francesco Mitrano

"La felicità" di Francesco Mitrano è una riflessione sulla vera natura della felicità, contrapposta ai valori materiali e superficiali della società contemporanea. La struttura del poema è libera, priva di rime o di una metrica definita, che permette al poeta di esprimere i suoi pensieri in modo diretto e sincero, simile al tono colloquiale delle poesie di William Carlos Williams.

Mitrano utilizza una serie di anafore—"La felicità?"—per sottolineare i diversi aspetti della felicità, che non risiede negli oggetti di lusso o nelle relazioni superficiali, ma nei legami autentici e nelle esperienze condivise con le persone amate. Questo uso ripetitivo della domanda retorica crea un ritmo incalzante che guida il lettore attraverso le riflessioni del poeta.

Il contrasto tra il materialismo e i valori umani essenziali richiama le opere di poeti come Henry David Thoreau, che nella sua opera "Walden" esplorava la semplicità e l’essenzialità come vie per raggiungere una felicità genuina. Le immagini di passeggiate in spiaggia, corse mattutine, e momenti familiari descrivono una felicità radicata nell’esperienza quotidiana e nella natura, simile alle celebrazioni della vita semplice e pura nei versi di Seamus Heaney.

In conclusione, Mitrano afferma che la felicità risiede in ciò che non può essere comprato, nei legami affettivi e nella semplicità della vita quotidiana, un messaggio universale che risuona profondamente nel contesto contemporaneo, dove spesso i valori materiali prevalgono su quelli spirituali e umani.

''In riva'' di Nino Silenzi

"In riva", di Nino Silenzi, è una poesia che evoca un momento di profonda quiete e riflessione lungo il litorale. Il poeta utilizza immagini naturali per dipingere un quadro di serenità e contemplazione, evocando la calma del mare in un'ora di pace. La struttura libera della poesia, priva di rime e con un ritmo che segue il flusso dei pensieri, ricorda lo stile di poeti come Walt Whitman, che utilizzava il verso libero per esplorare l'interiorità e la connessione con la natura.

La personificazione del mare e delle onde che "sorridono occhieggianti" e l'immagine di "Urano alto sul mondo" con il suo "occhio ceruleo" conferiscono alla scena un tono quasi mitologico, richiamando l'idea di un'armonia cosmica. Questo ricorda le evocazioni del sublime naturale che si trovano nei poemi di poeti romantici come William Wordsworth, che vedevano nella natura una manifestazione del divino.

Il silenzio che pervade la scena ("Tacciono le brezze e l’onde. Silenzio profondo") permette al poeta di riflettere sulle estati passate, su giochi felici e rimpianti vani. Questa commistione di passato e presente, di memoria e esperienza, è una tecnica comune nella poesia lirica, che qui serve a rivelare un processo di rinascita interiore, con il "cuore che ritorna vergine."

''Il rifugio''di Felice Serino

Felice Serino, in "Il rifugio", esplora il tema del dolore e del desiderio di conforto attraverso l'immagine del cormorano incatramato. Questa metafora potente e viscerale cattura l'idea di essere appesantiti dal dolore, incapaci di amare appieno a causa del legame con la terra e la sofferenza che ne deriva. Lo stile del poeta, conciso e diretto, ricorda la poesia confessionale di autori come Sylvia Plath, che utilizzavano immagini forti per esprimere l'angoscia personale.

L'anelito per un rifugio, descritto come un "grembo di madre," è un ritorno a un luogo di sicurezza e amore incondizionato. Questa immagine richiama temi freudiani di regressione e desiderio di sicurezza, ma anche motivi archetipici di rifugio e nutrimento. La datazione precisa della poesia ("9.10.23") conferisce un senso di immediatezza e realtà alla sofferenza espressa, rendendo il dolore palpabile e attuale.

''Cicale'' di Alessio Romanini

La poesia "Cicale" di Alessio Romanini è un tuffo nostalgico nell'infanzia e nella memoria uditiva. Romanini utilizza la figura del frinire delle cicale come simbolo del passato perduto, un suono che rappresenta l'estate, la spensieratezza e la giovinezza. La struttura della poesia, con rime alternate e una metrica regolare, conferisce un ritmo musicale che evoca il canto delle cicale stesse.

Il desiderio di rivivere la magia del passato ("Vorrei naufragare in siffatto mare!") e la consapevolezza del tempo che passa sono temi universali, che richiamano le opere di poeti come Giacomo Leopardi, che spesso riflettevano sulla fugacità della vita e la nostalgia per l'infanzia. La chiusa ottimista, in cui il poeta spera ancora di poter "rivivere delle cicale, in codesta serata," suggerisce una speranza nella capacità della memoria di ridare vita a momenti passati, una celebrazione della continuità della vita e del ricordo.

Romanini utilizza un linguaggio semplice e diretto, ma con una profondità emotiva che rende la poesia accessibile e toccante. La riflessione sulla propria vita e sul tempo trascorso è resa con un tono affettuoso e malinconico, che invita il lettore a una meditazione simile sulla propria esistenza.

''L'albero della vita'' di Sandra Greggio

"L'albero della vita" di Sandra Greggio è una riflessione poetica sul trascorrere del tempo e sull'intermittenza della vita, simbolizzata attraverso l'albero di Natale. Greggio utilizza una metafora potente, quella delle luci intermittenti dell'albero, per rappresentare i momenti di gioia e tristezza che punteggiano la nostra esistenza. Il poeta ci pone di fronte al contrasto tra la vitalità del passato, rappresentata dall'atto di addobbare l'albero, e la staticità del presente, simboleggiata dallo sguardo imbambolato del protagonista.

La struttura della poesia è semplice ma efficace, con versi liberi che seguono il flusso del pensiero del poeta. L'uso della ripetizione ("Dicembre ha i suoi tempi morti") crea un effetto di risonanza che enfatizza la ciclicità e l'inevitabilità del declino. Il riferimento al "9 dicembre 2023" colloca la poesia in un contesto specifico, rendendola un riflesso immediato del tempo presente.

Le immagini di luci che "si spegneranno... per sempre" evocano una sensazione di finale ineluttabile, simile ai temi esistenziali trattati da poeti come Emily Dickinson, che spesso esploravano la fragilità della vita umana. La poesia termina con una nota di malinconia, suggerendo che la vita, come le luci dell'albero, è destinata a spegnersi, ma non prima di aver brillato.

''Un amore impossibile'' di Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, in "Un amore impossibile", esplora il tema dell'amore idealizzato e irraggiungibile attraverso immagini oniriche e surreali. La poesia si apre con una serie di ipotesi visionarie, dove i protagonisti potrebbero "ballare tutta la notte, coi vampiri, coi lupi" e "abbaiare alle porte dei fantasmi di pietra." Queste immagini evocano un mondo gotico e fantastico, che richiama le atmosfere delle poesie di Edgar Allan Poe.

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono come un sogno, e un linguaggio ricco di simbolismo. Le immagini di "ballare sulle corde vocali del cielo" e "affacciarti al mare di stelle bianche" suggeriscono un desiderio di trascendere la realtà e raggiungere un livello di esistenza più elevato. Questo desiderio di evasione e di amore puro è tipico della poesia romantica, ma Miu lo infonde con una modernità e un'urgenza che lo rendono unico.

L'uso di parole come "Infinito. Assurdo. Impossibile. Vero." alla fine della poesia enfatizza il paradosso dell'amore impossibile, che è tanto irraggiungibile quanto reale nei suoi effetti emotivi. La poesia è un'esplorazione lirica e intensa del desiderio umano di connettersi a qualcosa di più grande, un tema che risuona profondamente in un'epoca di isolamento e frammentazione.

''Tempo di treni'' di Piero Colonna Romano

"Tempo di treni" di Piero Colonna Romano è una meditazione filosofica sulla transitorietà del tempo e l'esperienza del viaggio. La poesia, con la sua struttura brevissima e ritmata, ricorda le poesie haiku per la sua economia di parole e la profondità di significato. Colonna Romano utilizza l'immagine del viaggio in treno come metafora della vita, un tema che richiama le opere di poeti modernisti come T.S. Eliot, che spesso esploravano la frammentazione e l'alienazione della vita moderna.

La ripetizione e il parallelismo nei versi ("Parto da una stazione / viaggio senza opinione") creano un senso di monotonia e inevitabilità, suggerendo che il viaggio della vita è spesso privo di scopo o direzione. La riflessione sul tempo che "è il tempo obliare" e "giunto è quello d'andare" evoca la fugacità della vita e l'inevitabilità del progresso del tempo.

La poesia termina con una nota di rassegnazione ma anche di accettazione, suggerendo che il viaggio deve continuare nonostante l'incertezza. Questo tema della continua ricerca e del movimento perpetuo è una riflessione profonda sulla condizione umana, che Colonna Romano esprime con una semplicità e una chiarezza che rendono la poesia accessibile e potente.

''Emozioni su onde smeraldo''di Antonia Scaligine

"Emozioni su onde smeraldo" di Antonia Scaligine è una celebrazione lirica dell'estate, un inno a Luglio che si snoda tra immagini vibranti e sensazioni vivaci. Il poeta cattura l'essenza di questa stagione attraverso descrizioni sensoriali e visive, che trasportano il lettore direttamente in un paesaggio estivo di sogni e di calore.

La struttura della poesia è caratterizzata da un andamento fluido e melodioso, con versi brevi e rime interne che creano un ritmo quasi musicale. La ripetizione del concetto di "onde smeraldo" che sfidano "sogni e caldo" funge da refrain, enfatizzando l'immagine centrale della poesia e donando una coesione tematica.

Scaligine usa una serie di contrasti per esaltare le sensazioni estive: le "notti vivaci" si contrappongono alla calma apparente della natura; le "chimere che sfidano il sole" evocano l’idea di sogni impossibili contro la realtà bruciante del giorno. La personificazione di Luglio come una figura che "si adagia su fantasie e follie" conferisce un carattere quasi mitico al mese estivo, rafforzato dall’uso di termini come "meraviglioso" e "gioioso".

L'immagine della donna in minigonna che "struscia passione" è particolarmente evocativa, suggerendo l'energia e la sensualità dell'estate. Questo riferimento visivo, insieme alla descrizione del suo "seno che lievita la maglia" e "l’abbronzata caviglia", trasforma la poesia in una celebrazione della bellezza e della vitalità. La chiusa in dialetto ("nu canestre de cerase / che a sera Dio l’esse e a matina u’trase") aggiunge un tocco di autenticità e radicamento culturale, richiamando la tradizione popolare e le sue espressioni colorite.

La poesia, nel suo complesso, trasmette un senso di gioia e di abbandono estivo, una pausa dalla quotidianità dove le emozioni e i sensi sono esaltati.

''A Perugia'' di Carlo Chionne

 

"A Perugia" di Carlo Chionne è una poesia che celebra il ritorno della città alla sua gloria storica e culturale. Con un tono gioioso e patriottico, il poeta evoca immagini di vittoria e resilienza che risuonano attraverso i secoli.

La struttura della poesia è semplice, con rime baciate che conferiscono un ritmo cantilenante e festoso. Il riferimento ai "Ferdinandi" e al canto della "Vittoria" suggerisce una connessione storica, richiamando eventi passati che hanno segnato la storia della città. Questo senso di storicità è ulteriormente enfatizzato dal termine "grande solco della tua storia", che suggerisce una continuità e un legame profondo con il passato.

Chionne usa una metafora significativa per descrivere Perugia come "una roccia", simbolo di forza e stabilità. Questo simbolismo è particolarmente potente quando contrapposto alla "triste e sola" figura di un'altra città, rappresentata come smarrita e fragile mentre "sfoglia la … Margherita". La metafora della margherita, con il suo gioco di "m'ama, non m'ama", allude alla precarietà e all'incertezza, forse riferendosi a un periodo di crisi o di perdita di identità.

L'uso delle espressioni colloquiali aggiunge una dimensione di immediatezza e familiarità alla poesia, rendendola non solo un'ode alla città ma anche un'affermazione della sua cultura e delle sue tradizioni.

In conclusione, "A Perugia" è una poesia che celebra la resilienza e la forza di una città storica, esprimendo un profondo senso di orgoglio e appartenenza che risuona con chiunque abbia una connessione emotiva con il luogo.

"Riposare" di Ben Tartamo

"Riposare" di Ben Tartamo è una meditazione profonda e contemplativa sull'esistenza, il senso della vita e la ricerca di armonia. Il titolo stesso, "Riposare", suggerisce un desiderio di pace e serenità, un bisogno di trovare equilibrio e significato.

La struttura della poesia è organizzata in quattro strofe di sei versi ciascuna, con una metrica libera che consente una fluidità espressiva. Le rime sono presenti ma non forzate, creando un'armonia naturale che riflette il contenuto spirituale e riflessivo del testo.

Prima Strofa
> E quanto tempo ci vorrà
> - ce ne vorrà tanto ancora?- ,
> perché la mia parola
> abbia un senso che ci darà
> ad ogni vita, che sola,
> un senso pieno poi non ha.

La prima strofa introduce il tema del tempo e della parola. Il poeta si interroga su quanto tempo sia necessario perché la sua parola acquisti un significato pieno. Questa riflessione sulla parola come portatrice di senso richiama le tematiche esistenziali presenti nella poesia di Rainer Maria Rilke, dove il linguaggio è un mezzo per cercare e trovare il significato dell'esistenza. La vita, descritta come "sola", necessita di un senso che solo attraverso la parola può essere colmato.

Seconda Strofa
> Io, eterno verticale,
> che respira il Tuo profumo
> che non ha mai in sé nessuno.
> Io vorrei, orizzontale,
> abbracciare ad uno ad uno
> ciò ch'è verde ed ospitale.

Nella seconda strofa, Tartamo utilizza una dicotomia visiva ed esistenziale: il verticale e l'orizzontale. L'"eterno verticale" evoca immagini di stabilità e aspirazione spirituale, come un albero che si innalza verso il cielo, un'immagine cara a poeti come Walt Whitman. Il desiderio di diventare "orizzontale" rappresenta un desiderio di connessione e abbraccio con tutto ciò che è "verde ed ospitale", un ritorno alla natura e alla terra, una fusione con il mondo naturale.

Terza Strofa
> E lasciarmi attraversare
> da quel sogno di radici,
> ombre di luci e vagiti
> che vedremo poi danzare
> - un tutt'uno alle pendici -,
> frutti rossi da gustare.

La terza strofa amplifica l'immagine della fusione con la natura attraverso il "sogno di radici". Le radici simboleggiano la connessione profonda con la terra, un tema che richiama il ciclo vitale della natura. Le "ombre di luci e vagiti" evocano un paesaggio di nascita e crescita, di speranza e nuova vita. La danza delle radici e i "frutti rossi da gustare" rappresentano la promessa di ricompense tangibili e spirituali.

Quarta Strofa
> E nell'eterna armonia
> dove il tempo è presente
> e nel futuro si espande,
> trovare la Poesia
> che con l'Amore contende
> la divina Sinfonia.

La strofa finale eleva il discorso a una dimensione metafisica. Tartamo aspira a trovare l'eterna armonia, un luogo dove il tempo è sia presente che futuro, un concetto che richiama l'eternità di Platone e l'idea del tempo presente in Sant'Agostino. La Poesia e l'Amore sono presentati come contendenti nella creazione della "divina Sinfonia", un'immagine che riecheggia la concezione romantica della poesia come forma suprema di espressione umana e divina.

"Riposare" di Ben Tartamo è una poesia che esplora la profondità dell'esistenza umana e la ricerca di senso attraverso la connessione con la natura, il tempo e la parola. Con una scrittura lirica e meditativa, Tartamo invita il lettore a riflettere sull'armonia universale e sul ruolo della poesia e dell'amore nella comprensione della vita.
 

Prof. Marino Spadavecchia